Soul Blog

La "Motown Party" se réserve le Réservoir

Après les années Djoon, la Motown Party va poursuivre l'aventure au Réservoir, un lieu bien connu des habitués de la nuit parisienne. Avant on se faisait embastiller pour avoir commis des écrits subversifs, aujourd'hui, la Bastille, c'est là où ça frétille sur des rythmes bien comme il faut, notamment sur les pistes du Sanz, du Barrio Latino, de la Chapelle des Lombards ou encore du Badaboum.

Probablement qu'on entendra ce que j'ai identifié comme le "top 5" des titres que DJ Reverend P se fait un plaisir de passer. Un Top 5 qui couvre la diversité des styles et des époques. L'ordre est aléatoire. Découvrez et faites-vous plaisir.

1. Maceo Parker : Pass the Peas (1994) - L'ancien saxophoniste de James Brown avait poursuivi sa carrière de sideman avec George Clinton et fait quelques apparitions ici et là. Dans une sorte de vogue "revival", il sort quelques albums solo dans les années 90 qui lui donnent en Europe une notoriété qui ne se dément pas. Le concert qu'il donne à Cologne (eh oui, il n'y a pas que Keith Jarrett !) avec deux autres vétérans comme lui, Fred Wesley (qui sera en concert à Paris le 14 avril prochain au New Morning avec son groupe "The New JB's) et Pee Wee Ellis. Sous le slogan "2 % jazz, 98 % funky stuff", Maceo avait repris le Pass the Peas des JB's (sorti en 1972). "Pass the Peas" qu'on peut bêtement traduire par "passe les pois" est un de ces titres dans lesquels James Brown rendait hommage à la soul food. Cette cuisine familiale du sud des Etats-Unis d'où étaient originaires la majorité des musiciens du Godfather. Dans plusieurs morceaux, on l'entend énumérer les plats incontournables comme le pain de maïs (cornbread) ou le poulet frit... L'expression peut aussi désigner dans un jam, le moment où chaque musicien se passe le solo... Dans la version de 1994, Maceo Parker reprend aussi deux passages de grands classiques de sa période P Funk avec George Clinton et ses groupes de déjantés Parliament-Funkadelic. Un extrait du rap de "Let's take it to the stage" suivi de la partie chantée de "P. Funk (Wants to Get Funked Up)".

2. Stevie Wonder : Do I Do (1982) - Ce titre fleuve (plus de dix minutes) aux saveurs brésiliennes accueille comme invité de marque, Dizzy Gillespie et sa fameuse trompette. Sorti sur la compilation Original Musiquarium on y entend aussi Stevie Wonder raper. On est dans les premières années où le grand public a découvert le hip hop. Le bassiste s'appelle Nathan Watts, un des acolytes de Stevie Wonder l'intro de "I Wish" - il commet un excellent solo de basse sur ce titre et on l'entend aussi sur Destiny et Triumph des Jacksons...

3. Double Exposure : My love is free (1976) - Typiquement "Salsoul" avec son intro aux cordes, ce titre d'un groupe venu de Philadelphie, qui a donné, on le sait beaucoup à cette musique dans les années 70 avec les productions de Gamble & Huff pour CBS et qui constituent une sorte de pont entre la soul funk du début des années 70 et le disco, est aussi joué dans un mix fleuve qui produit bien plus de frissons et de jouissance que n'importe quelle pilule ! Bien que les structures harmonique et la mélodie soient basiques et pas spécialement élaborées, il y a indéniablement un "groove" ravageur.

4. Diana Ross : The Boss (1979) - Le titre phare de la Diva de la Motown à la fin des années 70 était une des incursions de cette bande là dans l'univers disco. Cela avait commencé trois ans plus tôt avec "Love Hangover". C'est encore une des productions du duo Nick Ashford et Valerie Simpson qui, depuis la fin des années 60, font des merveilles. les titres de Marvin Gaye avec Tami Terrell en 1967, c'est eux, "I'm every woman" de Chaka Khan, c'est encore eux. Bientôt, c'est Nile Rodgers de Chic qui viendra donner un coup de main à Diana Ross avec "Upside down"...

5. Loleatta Holloway : Love sensation (1980) - ce tube porte la marque de fabrique "sasoul". Parfaitement formaté pour les pistes de danse, il a connu une fortune particulière à la fin des années 80. A cette époque, l'explosion de la House music et le renouveau de la "dance" ont produit en nombre des groupes comètes qui n'ont eu de succès que le temps d'un tube resté plusieurs semaines dans les hit parades. En 1989, on dansait sur "Ride on time" d'un obscur groupe italien qui faisait croire que sa chanteuse était noire. Black Box avait conquis les charts avec ce tube, jusqu'à ce qu'on découvre qu'il ne s'agissait ni plus ni moins d'un remontage de la chanson originale avec quelques fioritures d'époque... Les connaisseurs ne s'y étaient pas trompés, mais les jeunes qui étaient enfants à l'époque n'y avaient vu que du feu... Justice fut rendue. Mais la leçon, c'est que certains styles musicaux ou certains titres peuvent traverser sans une ride les vicissitudes des modes."Love sensation" est une création de Dan Hartman ("Instant replay" et mixé par Tom Moulton, une référence du métier.

Voilà, c'est fini pour aujourd'hui... Mais le réservoir est encore bien plein.

Don't look any further... RIP Dennis Edwards

L'ancien chanteur des Temptations, Dennis Edwards, est décédé le 1^er février. C'était la voix rocailleuse que l'on entend sur les titres de la période Whitfield Strong, celle qui court de 1968 à 1974 et dans les années qui suivirent, entre quelques ruptures. Il avait remplacé david Ruffin, le charismatique et torturé "lead singer" dont le divorce avec le groupe fut douloureux. Viril, drôle, il avait ce style classique du "shouter" que l'on retrouve dans musique populaire afro-américaine. Depuis les prédicateurs baptistes aux musiciens contemporains en passant par Screamin' Jay Hawkins, Wilson Pickett, James Brown ou encore Joe Tex.

Dennis Edwards rejoignit donc le plus viril des groupes masculins de la Motown qui rivalisait avec les Four Tops. Le seul membre de la grande époque, encore actif est Otis Williams. Avec le décès d'Edwards, tous les autres membres de la période Motown sont décédés. Mais ils ont marqué leur époque. Le falsetto d'Eddie Kendricks, la voix de baryton de Paul Williams - qui était atteint de drépanocytose, la basse profonde de Melvin Franklin, voilà pour ce que fut, au meilleur de sa forme le quintette de Detroit qui a donné à la soul certains des meilleurs tubes, composés par Smokey Robinson ou le duo Norman Whitfield/Barrett Strong : My girl, Ain't too proud to beg, Don't look back, it's growing...

Dennis Edwards apparaît dans la suite de David Ruffin dont la carrière est menacée par la drogue et l'alcool. Il va intervenir dans la période "psychédélique" et "contestataire" du groupe. Après 1967, Whitfield et Strong modernisent la soul sage du label pour s'adapter à l'époque troublée que traverse le pays. Cloud nine, Runnaway child, Ball of confusion, Psychedelic Shack, et le mythique Papa was a rolling stone relatent ce monde en ébullition où le racisme, la guerre, la drogue, les pères délaissant leur famille sont des plaies...

Si David Ruffin et Eddie Kendricks ont connu leur heure de gloire avec quelques tubes au cours de leur carrière solo, Dennis Edwards a attendu beaucoup plus longtemps pour un tube qui a marqué les années 80 avec ce duo genial, Don't look any further, sorti aussi chez Motown, avec Siedah Garrett. Cette dernière va aussi se faire un nom avec Michael Jackson sur Bad trois ans plus tard. C'est le genre de chanson qu'on écoute le samedi soir dans sa voiture ou dans sa chambre et qui vous met à l'aise...

C'est ce qui nous reste de ces légendes. Parties de peu. Dennis Edwards était né en Alabama pendant la guerre. Fils de pasteur, il s'était mis à chanter très jeune. Il avait d'ailleurs rejoint les Mighty Clouds of Joy, un légendaire groupe de gospel dont Joe Ligon un des chanteurs possédait la même voix éraillée. On peut les entendre avec Aretha Franklin sur "One Lord, on faith, on baptism", sorti en 1989. La famille déménagea à Detroit et il lui fallu affronter la colère familiale quand il se mit à chanter de la musique profane... La suite s'écrivit beaucoup avec Motown et les Temptations.

Heureusement, il nous reste les disques.

Funk from Brazil

Le Brésil est probablement le pays d'Amérique latine le plus fascinant sur le plan musical. Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fut un compositeur qui n'eût rien à envier à ses contemporains européens ou nord-américains et il a réellement contribué à bâtir une musique brésilienne qui jusque là était beaucoup traditionnelle. Le Brésil, pays continent dispose en effet d'une diversité culturelle d'une fécondité qui dépasse la samba ou la bossa. Avec un métissage ignoré par les élites blanches, le pays dispose de plusieurs bases comme Rio, São Paulo ou Bahia d'où émergent des styles différents, régulièrement ouverts aux influences africaines, européennes, nord-américaines ou latino bien évidemment. La samba par exemple, la plus connue des musiques brésiliennes, plonge ses racines en Afrique d'où sont originaires les esclaves déportés par les Portugais entre le 16e et le 19e siècle. D'ailleurs, l'esclavage ne fut aboli au Brésil qu'en 1888, quarante ans après la France !

Dans les années 50, l'apparition de la bossa nova qui ravit les publics occidentaux toujours en quête d'exotisme fait la fortune du trompettiste Stan Getz qui fit planer et danser l'Amérique sur cette nouveauté brésilienne lancée par  Vinícius de Moraes, João et Astrid Gilberto ainsi qu'Antônio Carlos Jobim. La bossa inonde le monde, mais le coup d'Etat de 1964 qui impose une dictature qui va durer vingt ans, met un coup d'arrêt à cette forme musicale au Brésil même.

Musique engagée, soul et funky 

Cela mériterait un pavé entier consacré à la musique brésilienne en général et au funk brésilien en particulier... Mais va pour l'initiation :

Sous ses airs nonchalants, la musique populaire brésilienne peut être une musique engagée. Parmi les musiciens qui lancent le "tropicalisme", Caetano Veloso, Gilberto Gil, opposants à la dictature militaire, tombent sous l'influence des effluves psychédéliques de l'époque, composent des chansons à texte et un peu comme Socrates au football, sont des icônes progressistes face aux militaires.

Bien que le régime soit dur, l'expression de la contestation peut s'entendre. Ce qu'on a appelé la "MPB" pour "música popular brasileira qu'écoutent la classe moyenne permet à un Chico Buarque, un Milton Nascimento ou une Carmen Miranda, parmi des dizaines d'autres noms, d'imprimer encore plus profondément leur marque dans le patrimoine musical brésilien...

C'est dans cette période que de nombreux musiciens fusionnent le jazz, la soul, le funk aux harmonies brésiliennes. Le plus connu dans l'hémisphère nord est probablement le pianiste Eumir Deodato qui enregistrent plusieurs albums pour le célèbre label "jazz pop" de Creed Taylor, CTI qui a déjà en contrat à l'époque George Benson, Bob James, Grover Washington...

Deodato connut une carrière féconde et à la fin des années 70, on le retrouve comme un des producteurs du groupe funk Kool and The Gang. C'est d'ailleurs grâce à cette collaboration que se fait la rencontre avec le chanteur James JT Taylor. Deodato devait, par la suite, travailler pendant dix ans avec le groupe et donner naissance à des albums tels que Ladies Night en 1979, Celebrate ! l'année suivante, Something Special qui contient notamment "Get down on it" en 1981 et As one en 1982 sur lequel on peut entendre "Let's Go Dancin' (Ooh La La La)".

De son côté, Stevie Wonder qui était venu donner un concert au Brésil en 1971, avait déjà exploré les sonorités brésiliens en 1974 dans son album Fulfillingess' First Finale avec "Bird of Beauty" dont les paroles en brésilien furent traduites par Sergio Mendes.  Le texte est clairement dans la veine de Rio ou de Bahia, même si sur le plan rythmique, il faut se contenter d'une batterie là où la profusion des percussions des musiques brésiliennes aurait donné plus de puissance à ce morceau. Mais le génie de la Motown se rattrape deux ans plus tard Songs in the Key of Life avec un tube ravageur. "Another Star" sonne clairement comme un tube de carnaval. Pour l'occasion, George Benson vite prêter sa voix et sa guitare.

Les amateurs de jazz-funk connaissent certainement l'album de George Duke, A Brazilian Love affair sorti en 1980 et qui contient un beau mélange. Enregistré à Rio, l'album fut l'occasion d'une géniale collaboration avec le percussioniste Airto Moreira et Milton Nascimento.

Il est vrai que la rencontre permanente entre jazz, soul, funk et musique brésilienne produit de superbes mélanges qui soit revisitent des classiques soit inventent des tubes et des raretés. Marco Valle ou Azymuth sont aussi de belle signatures.

Jorgen Ben qui jouait avec le Trio Mocotó a représenté cette forme aboutie de "samba soul" dans les années 70, comme le Banda Black Rio qui fut à la même période, une version locale des grandes formations funk comme Earth, Wind and Fire ou encore Kool and the Gang. On leur doit le tube "Maria Fumaça". Le groupe de Maurice White n'échappa pas aux influences du pays de braise. Qui ne connaît pas l'interlude "Beijo" sous titré "brazilian rhyme" ou encore l'envoûtant Runnin' sur le même album ? Un peu plus récemment, le groupe Jamiroquai qui explore depuis 1993 le vaste univers de la soul avait lui aussi cédé aux charmes bleu jaune et vert pour enregistrer "Stillness in time"...

Tim Maia, chanteur immense a laissé un groovy "O caminho do bem", comme Erlon Chaves et sa "Cosa Nostra" à la ligne de basse ravageuse.

Jusqu'à aujourd'hui, la scène brésilienne donne sa version des évolutions du rhythm and blues depuis plus de quarante ans avec des reprises ou des adaptations. Un chanteur comme Seu Jorge est un brillant héritier de cette grande tradition.

La touche brésilienne du funk apporte la fraicheur mélodique et ces volutes harmoniques qui donnent ce sentiment d'être soudainement léger et résolument de bonne humeur...

Detroit

Le film de Kathryn Bigelow raconte un événement peu connu ici, celui des émeutes raciales de Detroit durant l'été 1967. Tandis que sur la côte californienne, les hippies célébraient le "Summer of Love" et que le monde de la pop se retrouvait au festival de Monterrey pour écouter Jimi Hendrix et Otis Redding, "la ville moteur" s'enflammait.

Detroit est une ville industrielle du nord des Etat-Unis où les chaines de montage des usines automobiles donnent du travail à des milliers de personnes. "Motor city" ou "Motown", comme on surnomme cette ville a donné son nom à un célèbre label de musique soul fondé une dizaine d'années plus tôt par Berry Gordy. En cette fin des années 60 d'ailleurs, la Motown continue de faire danser l'Amérique et elle refuse pour le moment de donner dans la chanson protestataire, même si, l'année précédente, le jeune Stevie Wonder a enregistré une reprise de "Blowin' in the Wind" de Bob Dylan.

On entend plusieurs titres du célèbre label dans le film, interprétés par Martha Reeves ou encore Marvin Gaye.

La crise qui touche les populations afro-américaines existe aussi dans le nord, réputé moins raciste que le Sud. Le mouvement des Droits civiques qui a obtenu l'égalité devant le vote est débordé par une jeunesse plus radicale qui constate que malgré les marches et les actions non violentes, les Noirs demeurent dans la misère pour la majorité d'entre eux. En 1966 toujours, quelques militants ont fondé le Black Panther Party pour organiser la communauté noire contre les violences policières et le développement de l'autonomie économique et politique. La menace sera suffisamment prise au sérieux par l'Administration Nixon et le FBI de J. Edgar Hoover pour que les Panthers soient déclarées "Ennemi public No. 1".

Pour le moment, à Detroit, ce sont les tensions urbaines qui, loin de la politique, agitent durant la chaleur de la nuit et la musique des bars clandestins ne permet pas de faire baisser la tension.

Le film raconte comme quelques policiers se sont rendus coupables d'homicides contre des jeunes qu'ils ont séquestrés dans une enquête sur des tirs dans la direction des forces de l'ordre.

Parmi les personnages du film, un groupe, "The Dramatics" qui avait été formé trois ans plus tôt. Comme des dizaines de formations de jeunes gens talentueux, leur rêve était de décrocher un contrat chez la célèbre compagnie de disque de Berry Gordy, mais cette nuit-là, tout va basculer. Pris en otages, tabassés, l'un deux assassiné par la police, pour eux, la vie ne sera plus la même.

Situation en effet dramatique pour le chanteur principal qui quittera le groupe.

The Dramatics connurent néanmoins une belle carrière dans les années 70. A défaut de Motown, ils réalisèrent plusieurs albums pour Stax avec à la clé plusieurs titres célèbres comme "Whatcha see is watcha get" ou encore "In the Rain".

 

Djoon nights

Quand je ne fais pas de politique, je me shoote à la soul. C'est une addiction et heureusement qu'il y a les soirées Motown de DJ Reverend du Djoon pour partager ce plaisir avec d'autres.

Dans les nuits de danse, la tendance n'est pas toujours à la qualité de la musique. On pourrait passer pour élitiste en évoquant ce concept, mais oui, la musique soul c'est toute une culture. C'est toute une histoire et on ne vit intensément cette musique et les vibrations qu'elle donne que lorsqu'on en descend un peu en profondeur.

J'ai découvert la Motown par la diffusion à la télévision du show pour les 25 ans du label de Detroit. C'était en 1983. Ce programme, présenté par Richard Pryor, est rarissime, mais ce qu'on en a retenu c'est la légendaire prestation de Michael Jackson sur Billie Jean avec en prime, le fameux mooonwalk qui y fut inauguré. Ce qui est aussi touchant, c'est que Marvin Gaye devait décéder l'année suivante.

Si les soirées Motown décevront les puristes tant les titres du label de Detroit sont pas forcément les plus joués, elles permettent quand même de se déhancher sur des chansons sur lesquelles il est si rare de danser.

Élitistes ces soirées car les "beautiful people" qui viennent ne sont là que pour le plaisir de la danser. C'est une piste de danse, pas un terrain de chasse où dragueurs post ados avinés, ou nymphomanes paumées viennent "s'éclater" quand d'autres viennent "danser" et jouir du plaisir d'entendre les lignes de basses, les accords de Fender Rhodes et les beats de batterie funky que le dj a le bon goût de mixer dans la fidélité la plus grande. Sauf le jour où, mal inspiré, il mixa Papa was a rolling stone dans un délire trip hop qui était une vrai transgression.

Car la soul de Motown est difficilement remixable. Le faire c'est l'appauvrir sauf à en faire des "extended mix" ces versions longues qui font durer le plaisir.

Le son Motown ne s'est pas limité aux compositions de Smokey Robinson ou à celles du trio Holland Dozier Holland. Il y a eu les titres du duo Ashford et Simpson et surtout celles, très funky de Norman Whitfield. Au Djoon, on fait dans la valeur sûre, connue et appréciée. Les Jackson Five, Marvin Gaye, Diana Ross, Stevie Wonder. On aurait pu y rajouter Edwin Starr... A la place, on a les classiques Salsoul et disco entre lesquels se glisse toujours un Maceo Parker.

Le son Motown était sous titré "la musique de la jeune Amérique". Il s'agissait de plaire à un public assez large. C'est pourquoi, le son de Detroit, plus urbain que celui de Stax à Memphis n'avait pas la crudité rauque du Sud, qu'il s'agisse du rhythm and blues de Rufus Thomas, Wilson Pickett ou Johnny Taylor ou du funk de James Brown.

Il a mis du temps à se politiser comme la soul de Chicago incarnée par Curtis Mayfield et la foule de protégés qu'il produisait sur son label, Curtom.

Ce genre de soirée attirant les connaisseurs et les puristes ou ceux et celles qui aiment juste ce son fait un bien fou. Les trois quart des titres sur lesquels on danse sont des classiques ou des titres appréciés, puis il y a nécessairement des trouvailles, mais aussi, disons le, des facilités. Mais c'est bien normal : dans une soirée consacrée à Stevie Wonder, en l'occurrence la dernières, j'ai été amusé d'entendre à côté des classiques Sir Duke, Isn't she lovely ou I Wish, La reprise de Respect ou We can work it out. Mais pas Contusion ou Shoo be doo be doo da day qui est un tempo lent très efficace.

Les amateurs de funk trouveront bien sûr leur compte. Si je n'ai pas encore bougé sur Bustin' out de Rick James ou sur Love Machine, Brick House ou Gonna give it up ont enflammé la salle plusieurs fois. En attendant un jour une rafale d'Edwin Starr (25 miles, Big Papa ou funky music sho' nuff turns me on) ou des compositions de Norman Whitfield dont l'œuvre ne se limite pas aux efficaces tubes de Gladys Knight and the Pips ou des Temptations. En effet, le bonhomme a commis l'efficace bande originale de Car wash.

La grande audace des concepteurs des soirées Motown du Djoon, c'est d'avoir conçu, à côté des spéciales Michael Jackson ou Stevie Wonder, des spéciales Marvin Gaye. Le "lover écorché" qui en fit frétiller plus d'une dans les années 70 a en effet conçu une musique dont la force érotique est telle qu'on imagine mal trois heures de termpos lents et suaves, aux formules suggestives. Qu'on se rassure, les morceaux les plus "hard" sont pour les vrais connaisseurs qui ne peuvent en profiter que dans des after avec l'être aimé(e). Ca a un charme désuet, mais à la lumière bleue en rentrant du Djoon, ça doit faire son effet... Pour ceux qui ça intéresse, écoutez donc l'intégralité de l'album I Want You... donc le jumeau est le Musical Massage de Leon Ware. Tout un programme.

Whitney Houston is gone...

Les artistes ont ceci de supérieur que leur œuvre leur survit. Dans la nuit, - l'après-midi aux Etats-Unis, la nouvelle est tombée : Whitney Houston est morte à 48 ans.

Le monde de la soul et du r'n'b avait déjà perdu en quelques jours deux icônes de taille avec Don Cornelius et Etta James.

"Ma génération" a grandi avec la musique de Whitney. C'était probablement avec Anita Baker et Chaka Khan, la voix la plus forte de la soul des années 80-90. L'explosion avait eu en 1985 quand est sorti How will I know.

Les mélodies suaves et romantiques de Michael Masser qu'elle avait beaucoup chanté alors, avec la patte de Narada Michael Walden sous la férule de Clive Davis qui comme Jerry Wexler et Ahmet Ertegun était un dénicheur de talent, sont des classiques. Ils sont la bande son d'une adolescence antillaise en Martinique ou en France dans ces années où les stars de la musique noire sont Kassav', Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Prince...

En réalité, la musique de Whitney Houston n'était pas aussi dansante, pas aussi funky ou jazzy que Chaka Khan ou Anita Baker, mais la puissance de sa voix annonçait une Beyoncé ou surtout une Jennifer Hudson. C'était avant tout une interprète, puissamment habitée par un immense talent.

On se plaisait à rappeler l'héritage de Whitney. Sa cousine était Dionne Warwick, l'interprète des grands classiques de Burt Bacharach et sa mère, Cissy Houston, âgée aujourd'hui de 78 ans, était une des Sweet inspirations, le groupe de choristes d'Aretha Franklin, débauché par Elvis dans les années 70.

Comme des milliers d'autres, Whitney Houston avait grandi sur les bancs des chorales d'église et on retrouve ce moment important de la culture afro américaine dans un film peu connu en France, The Preacher's wife dont la B.O. est le seul album gospel de la chanteuse.

Bien sûr, pour ce qui est de la filmographie, on n'oublie pas The Bodyguard avec Kevin Costner - le rôle avait été écrit pour Steeve McQueen - et Waiting to Exhale, une perle car ce film et sa musique sont des rencontres. Une des dernières apparitions de Gregory Hines, et sur la B.O. la plupart des grandes voix féminines de la soul de ces années 90 : Cece Winans, Aretha Franklin, Brandy, Toni Braxton...

La vie de Whitney Houston n'avait pas besoin d'être autrement pour faire l'objet d'un film à succès. Tout y est : les débuts précoces et prometteurs, un mariage "people", la violence, la déchéance puis une rédemption tardive, brutalement interrompue.

On a beaucoup noté les épreuves, les échecs, la drogue et les retours ratés. Il faut y voir un combat.

Nous l'aimions car plus jeunes, nous avions aimé au son de ses chansons, c'était une de nos grandes sœurs en effet, le don qu'elle a reçu, elle nous le laisse avec sa belle voix.

Les artistes ont ceci de supérieur que leur œuvre leur survit. Dans la nuit, - l'après-midi aux Etats-Unis, la nouvelle est tombée : Whitney Houston est morte à 48 ans.

Le monde de la soul et du r'n'b avait déjà perdu en quelques jours deux icônes de taille avec Don Cornelius et Etta James.

"Ma génération" a grandi avec la musique de Whitney. C'était probablement avec Anita Baker et Chaka Khan, la voix la plus forte de la soul des années 80-90. L'explosion avait eu en 1985 quand est sorti How will I know.

Les mélodies suaves et romantiques de Michael Masser qu'elle avait beaucoup chanté alors, avec la patte de Narada Michael Walden sous la férule de Clive Davis qui comme Jerry Wexler et Ahmet Ertegun était un dénicheur de talent, sont des classiques. Ils sont la bande son d'une adolescence antillaise en Martinique ou en France dans ces années où les stars de la musique noire sont Kassav', Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Prince...

En réalité, la musique de Whitney Houston n'était pas aussi dansante, pas aussi funky ou jazzy que Chaka Khan ou Anita Baker, mais la puissance de sa voix annonçait une Beyoncé ou surtout une Jennifer Hudson. C'était avant tout une interprète, puissamment habitée par un immense talent.

On se plaisait à rappeler l'héritage de Whitney. Sa cousine était Dionne Warwick, l'interprète des grands classiques de Burt Bacharach et sa mère, Cissy Houston, âgée aujourd'hui de 78 ans, était une des Sweet inspirations, le groupe de choristes d'Aretha Franklin, débauché par Elvis dans les années 70.

Comme des milliers d'autres, Whitney Houston avait grandi sur les bancs des chorales d'église et on retrouve ce moment important de la culture afro américaine dans un film peu connu en France, The Preacher's wife dont la B.O. est le seul album gospel de la chanteuse.

Bien sûr, pour ce qui est de la filmographie, on n'oublie pas The Bodyguard avec Kevin Costner - le rôle avait été écrit pour Steeve McQueen - et Waiting to Exhale, une perle car ce film et sa musique sont des rencontres. Une des dernières apparitions de Gregory Hines, et sur la B.O. la plupart des grandes voix féminines de la soul de ces années 90 : Cece Winans, Aretha Franklin, Brandy, Toni Braxton...

La vie de Whitney Houston n'avait pas besoin d'être autrement pour faire l'objet d'un film à succès. Tout y est : les débuts précoces et prometteurs, un mariage "people", la violence, la déchéance puis une rédemption tardive, brutalement interrompue.

On a beaucoup noté les épreuves, les échecs, la drogue et les retours ratés. Il faut y voir un combat.

Nous l'aimions car plus jeunes, nous avions aimé au son de ses chansons, c'était une de nos grandes sœurs en effet, le don qu'elle a reçu, elle nous le laisse avec sa belle voix.

Iréel

Plusieurs personnes rencontrées aujourd'hui ont raconté qu'elles avaient vu des jeunes de vingt ans voire moins, tristes d'apprendre la mort de Michael Jackson. Certains, en larmes. Quelle époque vivons-nous où James Brown, Isaac Hayes et maintenant lui, nous quittent comme cela !

Il y a de quoi être fier d'avoir grandi avec sa musique. En 1982 nous avions 10 ans. En Martinique la télé était encore à l'âge de pierre et nous avions des bribes de cette "jacskonmania" qui commençait à secouer le monde. Avant d'avoir suffisamment d'argent de poche pour nous payer les disques, nous faisions avec les moyens du bord : enregistrements de cassettes de fortune, duplications, recupération avec des astuces de fortune le son de la télé... D'ailleurs, beaucoup de ces enregistrements vaudraient de l'or puisqu'ils sont rares. Comme le concert de 1975 à Mexico ou les images de la tournée de 1987-1988...

Alors que le monde va célébrer les 40 ans des premiers pas de l'homme sur la lune l'inventeur du moonwalk s'en est allé dans les étoiles. Ironie quand tu nous tiens...

A l'écart de l'avalanche de réactions et de commentaires, la plupart des gens ont eux la même idée, la seule qui vaille, écouter sa musique. Une musique autant visuelle que sonore. Visuelle avec ce corps qui donne le sentiment d'être complètement désarticulé et capable de toutes les audaces physiques au service de la danse, un vrai paradoxe pour ce personnage qui n'incarnait pas la puissance virile... Mais cette dimension androgyne a toujours existé dans la musique afro-américaine. Dans les groupes de doo wop et de rhythm and blues, il y a toujours eu un chanteur à la voix de fausset. Michael Jackson, bien qu'il révolutionna la musique populaire contemporaine, puisait dans les grands classiques. Il cultivait cette dualité si typique de la musique afro-américaine. L'inspiration du gospel - sa famille appartenait à l'église des Témoins de Jehova et l'attraction pour le "côté obscur", la "musique du diable" comme on dit... C'est ainsi que dans tous ses albums solo à partir de 1987, il y a une chanson "inspirée" comme le faisait depuis longtemps Stevie Wonder. Par exemple Man in the Mirror où l'on retrouve la chorale d'Andraé Crouch ou bien Will you be there sur Dangerous.

De l'autre côté, Thriller a frappé les esprits tant par la perfection qui pour l'époque était révolutionnaire, alors que de nos jours, même avec la banalisation des effets spéciaux dont on pouvait d'ailleurs percevoir les excès dans ses derniers clips, reste un chef d'œuvre inégalé.

La dualité était aussi sexuée car ce côté androgyne a toujours été fréquent. De Little Richard à Jimmy Scott sans oublier bien sûr Prince, le flou entre la virilité d'un côté et la féminité de l'autre était entretenu. Pour le coup, alors que la musique noire venait de connaître avec la révolution de la soul des années 60 et 70, l'affirmation de l'Homme ou de la femme noir, et que les rappeurs entrenaient une forme de machisme ou que des crooners comme Luther Vandross ou Teddy Pendegrass régalaient ces dames, un frèle jeune homme venait tout bousculer.

La dualité était bien sûr raciale. Michael Jackson fut, pour notre génération, un héros noir alors même que déjà, en 1983-1984, la polémique était là sur les opérations de chirurgie esthétique... Quincy Jones a dit de lui qu'il avait montré jusqu'où un noir pouvait aller. Pour le coup, il a incarné, volontairement ou non la contradiction inhérente à l'homme noir à l'épreuve du "monde des blancs" : être soi-même tout en subissant une crise identitaire récurente. Michael Jackson est un enfant de l'écurie Motown - deuxième époque. En 1969, le studio de Detroit vit ses dernières heures. Bientôt, tout le monde déménage à Los Angeles. Motown a toujours été moins "roots" que Stax et il est vrai que les Jackson Five sont un groupe d'enfants pour les enfants. certes, ils reprennent les classiques de l'époque dont le génial People make the world go 'round des Stylistics, mais ils ne feront jamais vraiment de chansons engagées avant We are the world. D'ailleurs, quand le groupe quitte Motown en 1976, le disco a déjà démarré...

Michael Jackson joue avec des musiciens de tous bords. Lui et ses frères ne sont pas des intégristes du funk contrairement à Kool and the Gang. Pour Triumph, Victory et Thriller, il joue avec les musiciens de Toto, Mick Jagger et Paul McCartney. Mais son succès, parce qu'il est noir, en fait un héros alors que nous sommes dans les années Reagan. C'est l'époque d'Arnold et Willy. On revendique moins, mais d'une certaine manière, on s'installe. Jesse Jackson est candidat aux primaires démocrates et il écrit des pages d'histoire en 1984 et 1988. Le Cosby show bat des records d'audience...

Le chanteur qui a longtemps noué une amitié très forte avec Diana Ross, est ami de Tatum O'Neal et Brooke Shield. Il est l'ami des stars. Avant lui, seul Sammy Davis avait réalisé ce "crossover". Il s'approprie en réalité ceux qui ont fait de Hollywood cette usine de rêve, Cary Grant, Marlon Brando et bien sûr, Liz Taylor. Mais dans les années 90 et 2000, il n'a jamais raté une occasion de faire des trucs avec des grandes stars noires du moment : Spike Lee, Eddie Murphy, Magic Johnson, Michael Jordan ou encore Chris Tucker...

La dualité qui est bien sûr la plus connue et la plus controversée est celle qui opposa l'enfant à l'adulte. La voix sembla ne jamais muer... En tout cas, il chanta toujours dans le même registre, ce qui fit d'ailleurs partir en conjecture une certaine presse qui ne lâcha jamais sur les opérations chirurgicales, les manipulations du père etc... Il est vrai qu'en comparaison avec ses frères, l'avant dernier garçon fut toujours le plus frêle. A l'instar d'un Prince qui fut une sorte d'alter ego ou de rival dans les années 80, il ne fut jamais un mâle velu, sauf quand il se transforme à la pleine lune... Il n'y eut que Thriller d'ailleurs pour choquer les bons chrétiens car Michael Jackson ne fut jamais un vrai méchant. Alors que le Kid de Minneapolis heurtait les bonnes mœurs de l'Amérique néo-conservatrice... La polémique fut telle, que Michael Jackson inséra en prologue du clip qu'il ne croyait pas dans les sciences occultes. De tout temps, les esclaves mélangeait cultes africains, sorcellerie et bondieuseries pourtant  et Screamin' Jay Hawkins en fut un des derniers témoins avec son célèbre Henry, un crâne monté sur une canne...

Si dans les années 70 et début 80, il fut dans le classique, côté look, il ne suivit jamais la tendance "black". Il avait imposé un style vestimentaire très inspiré des années 50 et bien sûr, de la pègre...Ce hors mode, on le recopiait quand on allait en soirée... Bien sûr, on n'oserait pas les chaussettes blanches de nos jours !

Iréel ! Eh oui... Encore et encore. Il est mort comme il a vécu, en secouant le monde.

Stax is Back

Quelle meilleure manière de fêter ses cinquante ans que celle qui consiste à connaître une seconde vie ? C'est ce qui arrive à la maison de disques Stax, basée à Memphis, Tennessee.

Rare sont les labels qui évoquent par leur nom seulement, l'idée qu'on peut acheter un disque les yeux fermés. Il y a Motown, Blue Note ou Sun, l'autre légende locale. c'est à peu près tout...

Le label Satellite créé en 1957 par la famille Stewart-Axton (qui devait donner le nom Stax, avait innonvé par le fait qu'en plein Sud, il faisait de la bonne musique sans s'occuper de la couleur. La ville de Memphis d'ailleurs montre bien encore aujourd'hui combien l'imbrication entre les Noirs et les Blancs, liée à l'histoire sociale et économique de la région faisait de la fin de la ségrégation, une perspective inéluctable.

Pour mémoire, Stax était avec Motown, l'autre grande maison de disques "noire". Plus crue et plus racée que le son Motown, le son Stax était le fruit de son cadre. La ville de Memphis était elle aussi une capitale, celle de la musique. Elle n'avait pas grand chose à envier à Nashville ou à la petite ville de Muscle Shoals dans l'Alabama qui a lié son nom aux meilleurs enregistrements d'Aretha Franklin ou Bob Dylan.

Dans cette ville cohabite une classe ouvrière et paysanne blanche et noire. Très croyante. Comme dans pas mal d'autres villes, les églises, on en trouve à coins de rue et même si tous adorent le même Dieu, il ne le font pas ensemble. Il y a aussi les lieux de perdition sur Beale Street où on joue le soir dans des endroits pas possible. Les juke joints. Où la musique est aussi bonne que la bouffe faite de pains de maïs, de black eyed peas, de patates douces ou queue de porc et autres ingrédients de la soul food...

Le blues, le jazz, le gospel cohabitent avec la country et ce mélange va donner dans les années 40 deux genres musicaux déterminant pour la musique de danse. Le rhythm and blues et le boogie woogie. Le rhythm and blues devient très vite la musique sur laquelle les Noirs dansent. Ils s'y identifient et la force qu'on y trouve, l'énergie rythmique, l'humour, le côté glauque aussi qui environne la création et l'expression de cette musique... Dans leur argot les mots soul (âme, manière d'être "noir") ou funky (amusant, déguelasse) apparaissent vite. Parce que la ferveur du gospel n'est jamais loin, cette musique devient aussi une musique de protestation et elle va témoigner des bouleversements politiques et sociaux qui touchent les Etats-Unis depuis les années 60.

Comme souvent, l'apogée fut atteint au tournant des années 70, mais dès le milieu de la nouvelle décennie, il fallut mettre la clé sous la porte.

Désormais, la soul s'effaçait devait la soupe que servait le disco. Bien sûr, il y eu la sortie du film, The Blues Brothers au début des années 80, mais ce n'était là que l'expression d'une mode nouvelle, le revival où on fait revenir des vétérans sur scène pour des reprises. Mais il n'y eut plus de création notable.

Et puis certains se mirent à mourir. En 1967, tout le monde avait été effondré par la mort accidentelle d'Otis Redding et de son groupe. Depuis, c'est le Dave de Sam & Dave, Roebuck "Pops" Staples ou Albert King et Rufus Thomas qui sont décédés. Mais, la plupart des musiciens sont encore vivants, voire, en activité comme Eddie Floyd, Sam Moore, Steeve Cropper ou Mavis Staples...  Stax avait été distribué par Atlantic dans les années 60, puis par un groupe qui comprenait aussi la MGM. Quand le label fit faillite, son catalogue fut repris par Fantasy qui fut à son tour racheté par Concord, qui appartient à Universal.

Concord a annoncé la relance du label et de nouveaux albums à venir sous la marque aux claquement de doigts. En clair, de nouveaux artistes, de nouvelles chansons, bref, une résurrection. Dans le nouveau catalogue ? Angie Stone, Soulive, un album de reprises des compositions de Maurice White, le génial grand prêtre d'Earth, Wind and Fire qui a du se retirer du métier pour cause de santé et, last but no least, Black Moses himself, Isaac Hayes. Rien que ça...

Quelle meilleure manière de fêter ses cinquante ans que celle qui consiste à connaître une seconde vie ? C'est ce qui arrive à la maison de disques Stax, basée à Memphis, Tennessee.

Rare sont les labels qui évoquent par leur nom seulement, l'idée qu'on peut acheter un disque les yeux fermés. Il y a Motown, Blue Note ou Sun, l'autre légende locale. c'est à peu près tout...

Le label Satellite créé en 1957 par la famille Stewart-Axton (qui devait donner le nom Stax, avait innonvé par le fait qu'en plein Sud, il faisait de la bonne musique sans s'occuper de la couleur. La ville de Memphis d'ailleurs montre bien encore aujourd'hui combien l'imbrication entre les Noirs et les Blancs, liée à l'histoire sociale et économique de la région faisait de la fin de la ségrégation, une perspective inéluctable.

Pour mémoire, Stax était avec Motown, l'autre grande maison de disques "noire". Plus crue et plus racée que le son Motown, le son Stax était le fruit de son cadre. La ville de Memphis était elle aussi une capitale, celle de la musique. Elle n'avait pas grand chose à envier à Nashville ou à la petite ville de Muscle Shoals dans l'Alabama qui a lié son nom aux meilleurs enregistrements d'Aretha Franklin ou Bob Dylan.

Dans cette ville cohabite une classe ouvrière et paysanne blanche et noire. Très croyante. Comme dans pas mal d'autres villes, les églises, on en trouve à coins de rue et même si tous adorent le même Dieu, il ne le font pas ensemble. Il y a aussi les lieux de perdition sur Beale Street où on joue le soir dans des endroits pas possible. Les juke joints. Où la musique est aussi bonne que la bouffe faite de pains de maïs, de black eyed peas, de patates douces ou queue de porc et autres ingrédients de la soul food...

Le blues, le jazz, le gospel cohabitent avec la country et ce mélange va donner dans les années 40 deux genres musicaux déterminant pour la musique de danse. Le rhythm and blues et le boogie woogie. Le rhythm and blues devient très vite la musique sur laquelle les Noirs dansent. Ils s'y identifient et la force qu'on y trouve, l'énergie rythmique, l'humour, le côté glauque aussi qui environne la création et l'expression de cette musique... Dans leur argot les mots soul (âme, manière d'être "noir") ou funky (amusant, déguelasse) apparaissent vite. Parce que la ferveur du gospel n'est jamais loin, cette musique devient aussi une musique de protestation et elle va témoigner des bouleversements politiques et sociaux qui touchent les Etats-Unis depuis les années 60.

Comme souvent, l'apogée fut atteint au tournant des années 70, mais dès le milieu de la nouvelle décennie, il fallut mettre la clé sous la porte.

Désormais, la soul s'effaçait devait la soupe que servait le disco. Bien sûr, il y eu la sortie du film, The Blues Brothers au début des années 80, mais ce n'était là que l'expression d'une mode nouvelle, le revival où on fait revenir des vétérans sur scène pour des reprises. Mais il n'y eut plus de création notable.

Et puis certains se mirent à mourir. En 1967, tout le monde avait été effondré par la mort accidentelle d'Otis Redding et de son groupe. Depuis, c'est le Dave de Sam & Dave, Roebuck "Pops" Staples ou Albert King et Rufus Thomas qui sont décédés. Mais, la plupart des musiciens sont encore vivants, voire, en activité comme Eddie Floyd, Sam Moore, Steeve Cropper ou Mavis Staples...  Stax avait été distribué par Atlantic dans les années 60, puis par un groupe qui comprenait aussi la MGM. Quand le label fit faillite, son catalogue fut repris par Fantasy qui fut à son tour racheté par Concord, qui appartient à Universal.

Concord a annoncé la relance du label et de nouveaux albums à venir sous la marque aux claquement de doigts. En clair, de nouveaux artistes, de nouvelles chansons, bref, une résurrection. Dans le nouveau catalogue ? Angie Stone, Soulive, un album de reprises des compositions de Maurice White, le génial grand prêtre d'Earth, Wind and Fire qui a du se retirer du métier pour cause de santé et, last but no least, Black Moses himself, Isaac Hayes. Rien que ça...

Des filles de rêve pour une musique de rêve...

Annoncé depuis longtemps comme un événement - l'évocation de la carrière de Diana Ross, Dreamgirls fait partie avec La Môme, Blood Diamond ou Letters from Iwo Jima des grands films de ce début d'année.

Le film de Bill Condon n'est pas à proprement parler une "biopic". C'est une comédie musicale par certains aspects, c'est moins l'histoire d'une personne en particulier que cette de toute une époque, celle où dans les années 50-60 ont émergé dans les grandes villes de centaines de groupes partis de rien et qui ont fait le bonheur de toute une génération. Par la suite, ils ont peut-être perdu eur âme parfois dans les méandres de la célébrité avant de trouver une forme de rédemption. De ce point de vue, la structure du film est académique, elle suit le cheminement de Ray ou des autres grands films du même genre.

D'où l'intérêt du personnage incarné par Eddie Murphy. C'est à la fois James Brown et Marving Gaye. Il campe bien ces stars du rhythm and blues, bêtes de scènes, roublard et coquins, séducteurs mais sensibles à leur popularité. Certains passant les étapes plus difficilement que d'autres, qui n'y survivent pas toujours...

Quand au trio, d'une classe suprême, si on peut oser ce jeu de mots. Les Dreamettes sont une évocation des Supremes. Curtis Taylor c'est Berry Gordy, jr et Rainbow records c'est... Tamla Motown. Tout se passe, dans le film comme dans le réel à Detroit.

Sans raconter toute l'Histoire, la vraie, les similitudes sont là. Gordy a fondé Motown - Mo'town pour motortown est le surnom de Detroit dans le Michigan. Cette ville industrielle abritait les usines General motors et notamment Ford. Les Noirs montés du Sud pour fuir la ségrégation et pour trouver du boulot émigrent souvent vers les grandes métropoles du nord comme Chicago ou Detroit. Là, en marge des chaînes de montage, les églises, les salons de coiffure ou les coins de rue sont les lieux où les jeunes apprennent à chanter. Souvent au sein de formations vocales à trois ou à quatre avec des noms qui font rêver.

L'enjeu pour Berry Gordy était de créer une maison de disques pour des Noirs et tenue par des Noirs. Motown ce n'est pas Atlantic, un grand label blanc qui produit de grands noms grâce au flair de Jerry Wexler et Ahmet Ertegun, récemment disparu. Ni Stax, une maison de disque mixte, mais qui est très enracinée dans l'identité noire du sud. La Motown va vouloir rester longue "the music of young America" et être confrontée au racisme dans le métier. Les fameuses "covers" où des Blancs reprennent des tubes pour qu'ils se vendent mieux et surtout, les pochettes retravaillées pour qu'aucune "face d'aubergine" n'apparaisse... La pop doit beaucoup au pillage systématique du rhythm and blues. Quelques artistes ont assumé cependant leur admiration pour cette musique et c'est tant mieux.

Gordy voulait tout contrôler. Production composition, interprétation. Seuls Smokey Robinson et Stevie Wonder purent être leurs propres auteurs. Il faut attendre la fin des années 60 pour que, cédant à la mode psychédélique (le génial Norman Whitfield et son travail avec les Temptations) le son bouge. L'étau se déserre à partir des années 70. Marvin Gaye et à nouveau Stevie Wonder en furent les plus beaux fleurons...

Quand Motown bouge vers Hollywood, c'est la fin d'un époque. On s'essaie au cinéma, mais la mission est finie. Motown fut pionnère dans les années 60, elle ne pouvait plus innover, mais demeurer une référence. Dreamgirls et avant lui le documentaire sur les Funk brothers, les musiciens maisons sont d'excellents hommages.

Annoncé depuis longtemps comme un événement - l'évocation de la carrière de Diana Ross, Dreamgirls fait partie avec La Môme, Blood Diamond ou Letters from Iwo Jima des grands films de ce début d'année.

Le film de Bill Condon n'est pas à proprement parler une "biopic". C'est une comédie musicale par certains aspects, c'est moins l'histoire d'une personne en particulier que cette de toute une époque, celle où dans les années 50-60 ont émergé dans les grandes villes de centaines de groupes partis de rien et qui ont fait le bonheur de toute une génération. Par la suite, ils ont peut-être perdu eur âme parfois dans les méandres de la célébrité avant de trouver une forme de rédemption. De ce point de vue, la structure du film est académique, elle suit le cheminement de Ray ou des autres grands films du même genre.

D'où l'intérêt du personnage incarné par Eddie Murphy. C'est à la fois James Brown et Marving Gaye. Il campe bien ces stars du rhythm and blues, bêtes de scènes, roublard et coquins, séducteurs mais sensibles à leur popularité. Certains passant les étapes plus difficilement que d'autres, qui n'y survivent pas toujours...

Quand au trio, d'une classe suprême, si on peut oser ce jeu de mots. Les Dreamettes sont une évocation des Supremes. Curtis Taylor c'est Berry Gordy, jr et Rainbow records c'est... Tamla Motown. Tout se passe, dans le film comme dans le réel à Detroit.

Sans raconter toute l'Histoire, la vraie, les similitudes sont là. Gordy a fondé Motown - Mo'town pour motortown est le surnom de Detroit dans le Michigan. Cette ville industrielle abritait les usines General motors et notamment Ford. Les Noirs montés du Sud pour fuir la ségrégation et pour trouver du boulot émigrent souvent vers les grandes métropoles du nord comme Chicago ou Detroit. Là, en marge des chaînes de montage, les églises, les salons de coiffure ou les coins de rue sont les lieux où les jeunes apprennent à chanter. Souvent au sein de formations vocales à trois ou à quatre avec des noms qui font rêver.

L'enjeu pour Berry Gordy était de créer une maison de disques pour des Noirs et tenue par des Noirs. Motown ce n'est pas Atlantic, un grand label blanc qui produit de grands noms grâce au flair de Jerry Wexler et Ahmet Ertegun, récemment disparu. Ni Stax, une maison de disque mixte, mais qui est très enracinée dans l'identité noire du sud. La Motown va vouloir rester longue "the music of young America" et être confrontée au racisme dans le métier. Les fameuses "covers" où des Blancs reprennent des tubes pour qu'ils se vendent mieux et surtout, les pochettes retravaillées pour qu'aucune "face d'aubergine" n'apparaisse... La pop doit beaucoup au pillage systématique du rhythm and blues. Quelques artistes ont assumé cependant leur admiration pour cette musique et c'est tant mieux.

Gordy voulait tout contrôler. Production composition, interprétation. Seuls Smokey Robinson et Stevie Wonder purent être leurs propres auteurs. Il faut attendre la fin des années 60 pour que, cédant à la mode psychédélique (le génial Norman Whitfield et son travail avec les Temptations) le son bouge. L'étau se déserre à partir des années 70. Marvin Gaye et à nouveau Stevie Wonder en furent les plus beaux fleurons...

Quand Motown bouge vers Hollywood, c'est la fin d'un époque. On s'essaie au cinéma, mais la mission est finie. Motown fut pionnère dans les années 60, elle ne pouvait plus innover, mais demeurer une référence. Dreamgirls et avant lui le documentaire sur les Funk brothers, les musiciens maisons sont d'excellents hommages.

James Brown est décédé

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…