Soul Blog

Whitney Houston is gone...

Les artistes ont ceci de supérieur que leur œuvre leur survit. Dans la nuit, - l'après-midi aux Etats-Unis, la nouvelle est tombée : Whitney Houston est morte à 48 ans.

Le monde de la soul et du r'n'b avait déjà perdu en quelques jours deux icônes de taille avec Don Cornelius et Etta James.

"Ma génération" a grandi avec la musique de Whitney. C'était probablement avec Anita Baker et Chaka Khan, la voix la plus forte de la soul des années 80-90. L'explosion avait eu en 1985 quand est sorti How will I know.

Les mélodies suaves et romantiques de Michael Masser qu'elle avait beaucoup chanté alors, avec la patte de Narada Michael Walden sous la férule de Clive Davis qui comme Jerry Wexler et Ahmet Ertegun était un dénicheur de talent, sont des classiques. Ils sont la bande son d'une adolescence antillaise en Martinique ou en France dans ces années où les stars de la musique noire sont Kassav', Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Prince...

En réalité, la musique de Whitney Houston n'était pas aussi dansante, pas aussi funky ou jazzy que Chaka Khan ou Anita Baker, mais la puissance de sa voix annonçait une Beyoncé ou surtout une Jennifer Hudson. C'était avant tout une interprète, puissamment habitée par un immense talent.

On se plaisait à rappeler l'héritage de Whitney. Sa cousine était Dionne Warwick, l'interprète des grands classiques de Burt Bacharach et sa mère, Cissy Houston, âgée aujourd'hui de 78 ans, était une des Sweet inspirations, le groupe de choristes d'Aretha Franklin, débauché par Elvis dans les années 70.

Comme des milliers d'autres, Whitney Houston avait grandi sur les bancs des chorales d'église et on retrouve ce moment important de la culture afro américaine dans un film peu connu en France, The Preacher's wife dont la B.O. est le seul album gospel de la chanteuse.

Bien sûr, pour ce qui est de la filmographie, on n'oublie pas The Bodyguard avec Kevin Costner - le rôle avait été écrit pour Steeve McQueen - et Waiting to Exhale, une perle car ce film et sa musique sont des rencontres. Une des dernières apparitions de Gregory Hines, et sur la B.O. la plupart des grandes voix féminines de la soul de ces années 90 : Cece Winans, Aretha Franklin, Brandy, Toni Braxton...

La vie de Whitney Houston n'avait pas besoin d'être autrement pour faire l'objet d'un film à succès. Tout y est : les débuts précoces et prometteurs, un mariage "people", la violence, la déchéance puis une rédemption tardive, brutalement interrompue.

On a beaucoup noté les épreuves, les échecs, la drogue et les retours ratés. Il faut y voir un combat.

Nous l'aimions car plus jeunes, nous avions aimé au son de ses chansons, c'était une de nos grandes sœurs en effet, le don qu'elle a reçu, elle nous le laisse avec sa belle voix.

Les artistes ont ceci de supérieur que leur œuvre leur survit. Dans la nuit, - l'après-midi aux Etats-Unis, la nouvelle est tombée : Whitney Houston est morte à 48 ans.

Le monde de la soul et du r'n'b avait déjà perdu en quelques jours deux icônes de taille avec Don Cornelius et Etta James.

"Ma génération" a grandi avec la musique de Whitney. C'était probablement avec Anita Baker et Chaka Khan, la voix la plus forte de la soul des années 80-90. L'explosion avait eu en 1985 quand est sorti How will I know.

Les mélodies suaves et romantiques de Michael Masser qu'elle avait beaucoup chanté alors, avec la patte de Narada Michael Walden sous la férule de Clive Davis qui comme Jerry Wexler et Ahmet Ertegun était un dénicheur de talent, sont des classiques. Ils sont la bande son d'une adolescence antillaise en Martinique ou en France dans ces années où les stars de la musique noire sont Kassav', Lionel Richie, Michael Jackson, Stevie Wonder, Prince...

En réalité, la musique de Whitney Houston n'était pas aussi dansante, pas aussi funky ou jazzy que Chaka Khan ou Anita Baker, mais la puissance de sa voix annonçait une Beyoncé ou surtout une Jennifer Hudson. C'était avant tout une interprète, puissamment habitée par un immense talent.

On se plaisait à rappeler l'héritage de Whitney. Sa cousine était Dionne Warwick, l'interprète des grands classiques de Burt Bacharach et sa mère, Cissy Houston, âgée aujourd'hui de 78 ans, était une des Sweet inspirations, le groupe de choristes d'Aretha Franklin, débauché par Elvis dans les années 70.

Comme des milliers d'autres, Whitney Houston avait grandi sur les bancs des chorales d'église et on retrouve ce moment important de la culture afro américaine dans un film peu connu en France, The Preacher's wife dont la B.O. est le seul album gospel de la chanteuse.

Bien sûr, pour ce qui est de la filmographie, on n'oublie pas The Bodyguard avec Kevin Costner - le rôle avait été écrit pour Steeve McQueen - et Waiting to Exhale, une perle car ce film et sa musique sont des rencontres. Une des dernières apparitions de Gregory Hines, et sur la B.O. la plupart des grandes voix féminines de la soul de ces années 90 : Cece Winans, Aretha Franklin, Brandy, Toni Braxton...

La vie de Whitney Houston n'avait pas besoin d'être autrement pour faire l'objet d'un film à succès. Tout y est : les débuts précoces et prometteurs, un mariage "people", la violence, la déchéance puis une rédemption tardive, brutalement interrompue.

On a beaucoup noté les épreuves, les échecs, la drogue et les retours ratés. Il faut y voir un combat.

Nous l'aimions car plus jeunes, nous avions aimé au son de ses chansons, c'était une de nos grandes sœurs en effet, le don qu'elle a reçu, elle nous le laisse avec sa belle voix.

Iréel

Plusieurs personnes rencontrées aujourd'hui ont raconté qu'elles avaient vu des jeunes de vingt ans voire moins, tristes d'apprendre la mort de Michael Jackson. Certains, en larmes. Quelle époque vivons-nous où James Brown, Isaac Hayes et maintenant lui, nous quittent comme cela !

Il y a de quoi être fier d'avoir grandi avec sa musique. En 1982 nous avions 10 ans. En Martinique la télé était encore à l'âge de pierre et nous avions des bribes de cette "jacskonmania" qui commençait à secouer le monde. Avant d'avoir suffisamment d'argent de poche pour nous payer les disques, nous faisions avec les moyens du bord : enregistrements de cassettes de fortune, duplications, recupération avec des astuces de fortune le son de la télé... D'ailleurs, beaucoup de ces enregistrements vaudraient de l'or puisqu'ils sont rares. Comme le concert de 1975 à Mexico ou les images de la tournée de 1987-1988...

Alors que le monde va célébrer les 40 ans des premiers pas de l'homme sur la lune l'inventeur du moonwalk s'en est allé dans les étoiles. Ironie quand tu nous tiens...

A l'écart de l'avalanche de réactions et de commentaires, la plupart des gens ont eux la même idée, la seule qui vaille, écouter sa musique. Une musique autant visuelle que sonore. Visuelle avec ce corps qui donne le sentiment d'être complètement désarticulé et capable de toutes les audaces physiques au service de la danse, un vrai paradoxe pour ce personnage qui n'incarnait pas la puissance virile... Mais cette dimension androgyne a toujours existé dans la musique afro-américaine. Dans les groupes de doo wop et de rhythm and blues, il y a toujours eu un chanteur à la voix de fausset. Michael Jackson, bien qu'il révolutionna la musique populaire contemporaine, puisait dans les grands classiques. Il cultivait cette dualité si typique de la musique afro-américaine. L'inspiration du gospel - sa famille appartenait à l'église des Témoins de Jehova et l'attraction pour le "côté obscur", la "musique du diable" comme on dit... C'est ainsi que dans tous ses albums solo à partir de 1987, il y a une chanson "inspirée" comme le faisait depuis longtemps Stevie Wonder. Par exemple Man in the Mirror où l'on retrouve la chorale d'Andraé Crouch ou bien Will you be there sur Dangerous.

De l'autre côté, Thriller a frappé les esprits tant par la perfection qui pour l'époque était révolutionnaire, alors que de nos jours, même avec la banalisation des effets spéciaux dont on pouvait d'ailleurs percevoir les excès dans ses derniers clips, reste un chef d'œuvre inégalé.

La dualité était aussi sexuée car ce côté androgyne a toujours été fréquent. De Little Richard à Jimmy Scott sans oublier bien sûr Prince, le flou entre la virilité d'un côté et la féminité de l'autre était entretenu. Pour le coup, alors que la musique noire venait de connaître avec la révolution de la soul des années 60 et 70, l'affirmation de l'Homme ou de la femme noir, et que les rappeurs entrenaient une forme de machisme ou que des crooners comme Luther Vandross ou Teddy Pendegrass régalaient ces dames, un frèle jeune homme venait tout bousculer.

La dualité était bien sûr raciale. Michael Jackson fut, pour notre génération, un héros noir alors même que déjà, en 1983-1984, la polémique était là sur les opérations de chirurgie esthétique... Quincy Jones a dit de lui qu'il avait montré jusqu'où un noir pouvait aller. Pour le coup, il a incarné, volontairement ou non la contradiction inhérente à l'homme noir à l'épreuve du "monde des blancs" : être soi-même tout en subissant une crise identitaire récurente. Michael Jackson est un enfant de l'écurie Motown - deuxième époque. En 1969, le studio de Detroit vit ses dernières heures. Bientôt, tout le monde déménage à Los Angeles. Motown a toujours été moins "roots" que Stax et il est vrai que les Jackson Five sont un groupe d'enfants pour les enfants. certes, ils reprennent les classiques de l'époque dont le génial People make the world go 'round des Stylistics, mais ils ne feront jamais vraiment de chansons engagées avant We are the world. D'ailleurs, quand le groupe quitte Motown en 1976, le disco a déjà démarré...

Michael Jackson joue avec des musiciens de tous bords. Lui et ses frères ne sont pas des intégristes du funk contrairement à Kool and the Gang. Pour Triumph, Victory et Thriller, il joue avec les musiciens de Toto, Mick Jagger et Paul McCartney. Mais son succès, parce qu'il est noir, en fait un héros alors que nous sommes dans les années Reagan. C'est l'époque d'Arnold et Willy. On revendique moins, mais d'une certaine manière, on s'installe. Jesse Jackson est candidat aux primaires démocrates et il écrit des pages d'histoire en 1984 et 1988. Le Cosby show bat des records d'audience...

Le chanteur qui a longtemps noué une amitié très forte avec Diana Ross, est ami de Tatum O'Neal et Brooke Shield. Il est l'ami des stars. Avant lui, seul Sammy Davis avait réalisé ce "crossover". Il s'approprie en réalité ceux qui ont fait de Hollywood cette usine de rêve, Cary Grant, Marlon Brando et bien sûr, Liz Taylor. Mais dans les années 90 et 2000, il n'a jamais raté une occasion de faire des trucs avec des grandes stars noires du moment : Spike Lee, Eddie Murphy, Magic Johnson, Michael Jordan ou encore Chris Tucker...

La dualité qui est bien sûr la plus connue et la plus controversée est celle qui opposa l'enfant à l'adulte. La voix sembla ne jamais muer... En tout cas, il chanta toujours dans le même registre, ce qui fit d'ailleurs partir en conjecture une certaine presse qui ne lâcha jamais sur les opérations chirurgicales, les manipulations du père etc... Il est vrai qu'en comparaison avec ses frères, l'avant dernier garçon fut toujours le plus frêle. A l'instar d'un Prince qui fut une sorte d'alter ego ou de rival dans les années 80, il ne fut jamais un mâle velu, sauf quand il se transforme à la pleine lune... Il n'y eut que Thriller d'ailleurs pour choquer les bons chrétiens car Michael Jackson ne fut jamais un vrai méchant. Alors que le Kid de Minneapolis heurtait les bonnes mœurs de l'Amérique néo-conservatrice... La polémique fut telle, que Michael Jackson inséra en prologue du clip qu'il ne croyait pas dans les sciences occultes. De tout temps, les esclaves mélangeait cultes africains, sorcellerie et bondieuseries pourtant  et Screamin' Jay Hawkins en fut un des derniers témoins avec son célèbre Henry, un crâne monté sur une canne...

Si dans les années 70 et début 80, il fut dans le classique, côté look, il ne suivit jamais la tendance "black". Il avait imposé un style vestimentaire très inspiré des années 50 et bien sûr, de la pègre...Ce hors mode, on le recopiait quand on allait en soirée... Bien sûr, on n'oserait pas les chaussettes blanches de nos jours !

Iréel ! Eh oui... Encore et encore. Il est mort comme il a vécu, en secouant le monde.

Un air de Black Caesar

Bien qu'on soit pour la justice et contre les méchants, le crime a toujours payé dans la littérature et dans les films ou les feuilletons télévisés. Il y a un style, une esthétique et parfois même une éthique, un code de l'honneur chez les bandits dont le caractère négatif peut être relativisé quand on constate combien la justice peut être imparfaite ou les flics eux-mêmes, parfois corruptibles...

Qui n'a pas été séduit par la sophistication d'un Don Corleone ou par la gouaille d'un Tony Montana...

Ces deux chefs d'œuvre du genre viennent vite à l'esprit quand on regard l'affiche du dernier Ridley Scott. Même choix d'un noir et blanc stylisé où seul le rouge est mis pour souligner le tragique qui va se jouer.

Rien que l'affiche d'ailleurs donne envie. Ridley Scott qui a réussi aussi bien la science fiction que le film de geurre ou le péplum. Russell Crowe qui touche autant en gladiateur qu'en flic musclé de Los Angeles... Quand à my main man Denzel W, depuis Training Day, on sait qu'il sait aussi y faire, avec le même charisme qu'il avait développé dans Malcolm X ou plus récemment dans Remember the Titans.

American gangster, qui sort ce 14 novembre sur les écrans français, n'est pas sans rappeler certains des films que l'on a fait dans les années 70 du temps de la fameuse  "blaxploitation". Un cinéma calibré pour le public afro-américain, avec des héros noirs qui mènent la vie dure à des méchants blancs.

Scott n'est pas le premier à revisiter le genre. Celui qui l'a fait de la manière la plus assumée est bien sûr Quentin Tarantino notamment avec son magistral Jackie Brown.

La classe de Denzel Washington fait penser à Fred Williamson. C'est lui qui joue le capitaine dans la version de Starsky et Hutch avec Ben Stiller et Owen Wilson. Williamson était l'un des acteurs les plus populaires des années 70. Il fut "le Parrain noir de Harlem" titre français de Black Caesar de Larry Cohen en 1973, un film sur l'ascension et la descente aux enfers d'un caïd. Sur une musique de James Brown et Fred Wesley. Le film eut tellement de succès, que bien que le personnage principal mourrait à la fin, on lui imagina une suite quelques mois plus tard, Hell up in Harlem dans lequel on peut entendre l'excellent Edwin Starr chanter "Big Papa".

Mais le véritable hommage à ce genre dont on retient plus les B.O. que les films - à l'instar de Shaft, Trouble Man, Truck Turner ou Superfly dont les compositions sont dues à Isaac Hayes, Marvin Gaye ou encore Curtis Mayfield - on le doit évidemment à Quentin Tarrantino avec notamment Jackie Brown avec l'icône de cette période, la merveilleuse Pam Grier.

Le film de Ridley Scott va au-delà, un film de bons et de méchants comme on les aime, une esthétique comme on adore.

Bien qu'on soit pour la justice et contre les méchants, le crime a toujours payé dans la littérature et dans les films ou les feuilletons télévisés. Il y a un style, une esthétique et parfois même une éthique, un code de l'honneur chez les bandits dont le caractère négatif peut être relativisé quand on constate combien la justice peut être imparfaite ou les flics eux-mêmes, parfois corruptibles...

Qui n'a pas été séduit par la sophistication d'un Don Corleone ou par la gouaille d'un Tony Montana...

Ces deux chefs d'œuvre du genre viennent vite à l'esprit quand on regard l'affiche du dernier Ridley Scott. Même choix d'un noir et blanc stylisé où seul le rouge est mis pour souligner le tragique qui va se jouer.

Rien que l'affiche d'ailleurs donne envie. Ridley Scott qui a réussi aussi bien la science fiction que le film de geurre ou le péplum. Russell Crowe qui touche autant en gladiateur qu'en flic musclé de Los Angeles... Quand à my main man Denzel W, depuis Training Day, on sait qu'il sait aussi y faire, avec le même charisme qu'il avait développé dans Malcolm X ou plus récemment dans Remember the Titans.

American gangster, qui sort ce 14 novembre sur les écrans français, n'est pas sans rappeler certains des films que l'on a fait dans les années 70 du temps de la fameuse  "blaxploitation". Un cinéma calibré pour le public afro-américain, avec des héros noirs qui mènent la vie dure à des méchants blancs.

Scott n'est pas le premier à revisiter le genre. Celui qui l'a fait de la manière la plus assumée est bien sûr Quentin Tarantino notamment avec son magistral Jackie Brown.

La classe de Denzel Washington fait penser à Fred Williamson. C'est lui qui joue le capitaine dans la version de Starsky et Hutch avec Ben Stiller et Owen Wilson. Williamson était l'un des acteurs les plus populaires des années 70. Il fut "le Parrain noir de Harlem" titre français de Black Caesar de Larry Cohen en 1973, un film sur l'ascension et la descente aux enfers d'un caïd. Sur une musique de James Brown et Fred Wesley. Le film eut tellement de succès, que bien que le personnage principal mourrait à la fin, on lui imagina une suite quelques mois plus tard, Hell up in Harlem dans lequel on peut entendre l'excellent Edwin Starr chanter "Big Papa".

Mais le véritable hommage à ce genre dont on retient plus les B.O. que les films - à l'instar de Shaft, Trouble Man, Truck Turner ou Superfly dont les compositions sont dues à Isaac Hayes, Marvin Gaye ou encore Curtis Mayfield - on le doit évidemment à Quentin Tarrantino avec notamment Jackie Brown avec l'icône de cette période, la merveilleuse Pam Grier.

Le film de Ridley Scott va au-delà, un film de bons et de méchants comme on les aime, une esthétique comme on adore.

Stax is Back

Quelle meilleure manière de fêter ses cinquante ans que celle qui consiste à connaître une seconde vie ? C'est ce qui arrive à la maison de disques Stax, basée à Memphis, Tennessee.

Rare sont les labels qui évoquent par leur nom seulement, l'idée qu'on peut acheter un disque les yeux fermés. Il y a Motown, Blue Note ou Sun, l'autre légende locale. c'est à peu près tout...

Le label Satellite créé en 1957 par la famille Stewart-Axton (qui devait donner le nom Stax, avait innonvé par le fait qu'en plein Sud, il faisait de la bonne musique sans s'occuper de la couleur. La ville de Memphis d'ailleurs montre bien encore aujourd'hui combien l'imbrication entre les Noirs et les Blancs, liée à l'histoire sociale et économique de la région faisait de la fin de la ségrégation, une perspective inéluctable.

Pour mémoire, Stax était avec Motown, l'autre grande maison de disques "noire". Plus crue et plus racée que le son Motown, le son Stax était le fruit de son cadre. La ville de Memphis était elle aussi une capitale, celle de la musique. Elle n'avait pas grand chose à envier à Nashville ou à la petite ville de Muscle Shoals dans l'Alabama qui a lié son nom aux meilleurs enregistrements d'Aretha Franklin ou Bob Dylan.

Dans cette ville cohabite une classe ouvrière et paysanne blanche et noire. Très croyante. Comme dans pas mal d'autres villes, les églises, on en trouve à coins de rue et même si tous adorent le même Dieu, il ne le font pas ensemble. Il y a aussi les lieux de perdition sur Beale Street où on joue le soir dans des endroits pas possible. Les juke joints. Où la musique est aussi bonne que la bouffe faite de pains de maïs, de black eyed peas, de patates douces ou queue de porc et autres ingrédients de la soul food...

Le blues, le jazz, le gospel cohabitent avec la country et ce mélange va donner dans les années 40 deux genres musicaux déterminant pour la musique de danse. Le rhythm and blues et le boogie woogie. Le rhythm and blues devient très vite la musique sur laquelle les Noirs dansent. Ils s'y identifient et la force qu'on y trouve, l'énergie rythmique, l'humour, le côté glauque aussi qui environne la création et l'expression de cette musique... Dans leur argot les mots soul (âme, manière d'être "noir") ou funky (amusant, déguelasse) apparaissent vite. Parce que la ferveur du gospel n'est jamais loin, cette musique devient aussi une musique de protestation et elle va témoigner des bouleversements politiques et sociaux qui touchent les Etats-Unis depuis les années 60.

Comme souvent, l'apogée fut atteint au tournant des années 70, mais dès le milieu de la nouvelle décennie, il fallut mettre la clé sous la porte.

Désormais, la soul s'effaçait devait la soupe que servait le disco. Bien sûr, il y eu la sortie du film, The Blues Brothers au début des années 80, mais ce n'était là que l'expression d'une mode nouvelle, le revival où on fait revenir des vétérans sur scène pour des reprises. Mais il n'y eut plus de création notable.

Et puis certains se mirent à mourir. En 1967, tout le monde avait été effondré par la mort accidentelle d'Otis Redding et de son groupe. Depuis, c'est le Dave de Sam & Dave, Roebuck "Pops" Staples ou Albert King et Rufus Thomas qui sont décédés. Mais, la plupart des musiciens sont encore vivants, voire, en activité comme Eddie Floyd, Sam Moore, Steeve Cropper ou Mavis Staples...  Stax avait été distribué par Atlantic dans les années 60, puis par un groupe qui comprenait aussi la MGM. Quand le label fit faillite, son catalogue fut repris par Fantasy qui fut à son tour racheté par Concord, qui appartient à Universal.

Concord a annoncé la relance du label et de nouveaux albums à venir sous la marque aux claquement de doigts. En clair, de nouveaux artistes, de nouvelles chansons, bref, une résurrection. Dans le nouveau catalogue ? Angie Stone, Soulive, un album de reprises des compositions de Maurice White, le génial grand prêtre d'Earth, Wind and Fire qui a du se retirer du métier pour cause de santé et, last but no least, Black Moses himself, Isaac Hayes. Rien que ça...

Quelle meilleure manière de fêter ses cinquante ans que celle qui consiste à connaître une seconde vie ? C'est ce qui arrive à la maison de disques Stax, basée à Memphis, Tennessee.

Rare sont les labels qui évoquent par leur nom seulement, l'idée qu'on peut acheter un disque les yeux fermés. Il y a Motown, Blue Note ou Sun, l'autre légende locale. c'est à peu près tout...

Le label Satellite créé en 1957 par la famille Stewart-Axton (qui devait donner le nom Stax, avait innonvé par le fait qu'en plein Sud, il faisait de la bonne musique sans s'occuper de la couleur. La ville de Memphis d'ailleurs montre bien encore aujourd'hui combien l'imbrication entre les Noirs et les Blancs, liée à l'histoire sociale et économique de la région faisait de la fin de la ségrégation, une perspective inéluctable.

Pour mémoire, Stax était avec Motown, l'autre grande maison de disques "noire". Plus crue et plus racée que le son Motown, le son Stax était le fruit de son cadre. La ville de Memphis était elle aussi une capitale, celle de la musique. Elle n'avait pas grand chose à envier à Nashville ou à la petite ville de Muscle Shoals dans l'Alabama qui a lié son nom aux meilleurs enregistrements d'Aretha Franklin ou Bob Dylan.

Dans cette ville cohabite une classe ouvrière et paysanne blanche et noire. Très croyante. Comme dans pas mal d'autres villes, les églises, on en trouve à coins de rue et même si tous adorent le même Dieu, il ne le font pas ensemble. Il y a aussi les lieux de perdition sur Beale Street où on joue le soir dans des endroits pas possible. Les juke joints. Où la musique est aussi bonne que la bouffe faite de pains de maïs, de black eyed peas, de patates douces ou queue de porc et autres ingrédients de la soul food...

Le blues, le jazz, le gospel cohabitent avec la country et ce mélange va donner dans les années 40 deux genres musicaux déterminant pour la musique de danse. Le rhythm and blues et le boogie woogie. Le rhythm and blues devient très vite la musique sur laquelle les Noirs dansent. Ils s'y identifient et la force qu'on y trouve, l'énergie rythmique, l'humour, le côté glauque aussi qui environne la création et l'expression de cette musique... Dans leur argot les mots soul (âme, manière d'être "noir") ou funky (amusant, déguelasse) apparaissent vite. Parce que la ferveur du gospel n'est jamais loin, cette musique devient aussi une musique de protestation et elle va témoigner des bouleversements politiques et sociaux qui touchent les Etats-Unis depuis les années 60.

Comme souvent, l'apogée fut atteint au tournant des années 70, mais dès le milieu de la nouvelle décennie, il fallut mettre la clé sous la porte.

Désormais, la soul s'effaçait devait la soupe que servait le disco. Bien sûr, il y eu la sortie du film, The Blues Brothers au début des années 80, mais ce n'était là que l'expression d'une mode nouvelle, le revival où on fait revenir des vétérans sur scène pour des reprises. Mais il n'y eut plus de création notable.

Et puis certains se mirent à mourir. En 1967, tout le monde avait été effondré par la mort accidentelle d'Otis Redding et de son groupe. Depuis, c'est le Dave de Sam & Dave, Roebuck "Pops" Staples ou Albert King et Rufus Thomas qui sont décédés. Mais, la plupart des musiciens sont encore vivants, voire, en activité comme Eddie Floyd, Sam Moore, Steeve Cropper ou Mavis Staples...  Stax avait été distribué par Atlantic dans les années 60, puis par un groupe qui comprenait aussi la MGM. Quand le label fit faillite, son catalogue fut repris par Fantasy qui fut à son tour racheté par Concord, qui appartient à Universal.

Concord a annoncé la relance du label et de nouveaux albums à venir sous la marque aux claquement de doigts. En clair, de nouveaux artistes, de nouvelles chansons, bref, une résurrection. Dans le nouveau catalogue ? Angie Stone, Soulive, un album de reprises des compositions de Maurice White, le génial grand prêtre d'Earth, Wind and Fire qui a du se retirer du métier pour cause de santé et, last but no least, Black Moses himself, Isaac Hayes. Rien que ça...

Des filles de rêve pour une musique de rêve...

Annoncé depuis longtemps comme un événement - l'évocation de la carrière de Diana Ross, Dreamgirls fait partie avec La Môme, Blood Diamond ou Letters from Iwo Jima des grands films de ce début d'année.

Le film de Bill Condon n'est pas à proprement parler une "biopic". C'est une comédie musicale par certains aspects, c'est moins l'histoire d'une personne en particulier que cette de toute une époque, celle où dans les années 50-60 ont émergé dans les grandes villes de centaines de groupes partis de rien et qui ont fait le bonheur de toute une génération. Par la suite, ils ont peut-être perdu eur âme parfois dans les méandres de la célébrité avant de trouver une forme de rédemption. De ce point de vue, la structure du film est académique, elle suit le cheminement de Ray ou des autres grands films du même genre.

D'où l'intérêt du personnage incarné par Eddie Murphy. C'est à la fois James Brown et Marving Gaye. Il campe bien ces stars du rhythm and blues, bêtes de scènes, roublard et coquins, séducteurs mais sensibles à leur popularité. Certains passant les étapes plus difficilement que d'autres, qui n'y survivent pas toujours...

Quand au trio, d'une classe suprême, si on peut oser ce jeu de mots. Les Dreamettes sont une évocation des Supremes. Curtis Taylor c'est Berry Gordy, jr et Rainbow records c'est... Tamla Motown. Tout se passe, dans le film comme dans le réel à Detroit.

Sans raconter toute l'Histoire, la vraie, les similitudes sont là. Gordy a fondé Motown - Mo'town pour motortown est le surnom de Detroit dans le Michigan. Cette ville industrielle abritait les usines General motors et notamment Ford. Les Noirs montés du Sud pour fuir la ségrégation et pour trouver du boulot émigrent souvent vers les grandes métropoles du nord comme Chicago ou Detroit. Là, en marge des chaînes de montage, les églises, les salons de coiffure ou les coins de rue sont les lieux où les jeunes apprennent à chanter. Souvent au sein de formations vocales à trois ou à quatre avec des noms qui font rêver.

L'enjeu pour Berry Gordy était de créer une maison de disques pour des Noirs et tenue par des Noirs. Motown ce n'est pas Atlantic, un grand label blanc qui produit de grands noms grâce au flair de Jerry Wexler et Ahmet Ertegun, récemment disparu. Ni Stax, une maison de disque mixte, mais qui est très enracinée dans l'identité noire du sud. La Motown va vouloir rester longue "the music of young America" et être confrontée au racisme dans le métier. Les fameuses "covers" où des Blancs reprennent des tubes pour qu'ils se vendent mieux et surtout, les pochettes retravaillées pour qu'aucune "face d'aubergine" n'apparaisse... La pop doit beaucoup au pillage systématique du rhythm and blues. Quelques artistes ont assumé cependant leur admiration pour cette musique et c'est tant mieux.

Gordy voulait tout contrôler. Production composition, interprétation. Seuls Smokey Robinson et Stevie Wonder purent être leurs propres auteurs. Il faut attendre la fin des années 60 pour que, cédant à la mode psychédélique (le génial Norman Whitfield et son travail avec les Temptations) le son bouge. L'étau se déserre à partir des années 70. Marvin Gaye et à nouveau Stevie Wonder en furent les plus beaux fleurons...

Quand Motown bouge vers Hollywood, c'est la fin d'un époque. On s'essaie au cinéma, mais la mission est finie. Motown fut pionnère dans les années 60, elle ne pouvait plus innover, mais demeurer une référence. Dreamgirls et avant lui le documentaire sur les Funk brothers, les musiciens maisons sont d'excellents hommages.

Annoncé depuis longtemps comme un événement - l'évocation de la carrière de Diana Ross, Dreamgirls fait partie avec La Môme, Blood Diamond ou Letters from Iwo Jima des grands films de ce début d'année.

Le film de Bill Condon n'est pas à proprement parler une "biopic". C'est une comédie musicale par certains aspects, c'est moins l'histoire d'une personne en particulier que cette de toute une époque, celle où dans les années 50-60 ont émergé dans les grandes villes de centaines de groupes partis de rien et qui ont fait le bonheur de toute une génération. Par la suite, ils ont peut-être perdu eur âme parfois dans les méandres de la célébrité avant de trouver une forme de rédemption. De ce point de vue, la structure du film est académique, elle suit le cheminement de Ray ou des autres grands films du même genre.

D'où l'intérêt du personnage incarné par Eddie Murphy. C'est à la fois James Brown et Marving Gaye. Il campe bien ces stars du rhythm and blues, bêtes de scènes, roublard et coquins, séducteurs mais sensibles à leur popularité. Certains passant les étapes plus difficilement que d'autres, qui n'y survivent pas toujours...

Quand au trio, d'une classe suprême, si on peut oser ce jeu de mots. Les Dreamettes sont une évocation des Supremes. Curtis Taylor c'est Berry Gordy, jr et Rainbow records c'est... Tamla Motown. Tout se passe, dans le film comme dans le réel à Detroit.

Sans raconter toute l'Histoire, la vraie, les similitudes sont là. Gordy a fondé Motown - Mo'town pour motortown est le surnom de Detroit dans le Michigan. Cette ville industrielle abritait les usines General motors et notamment Ford. Les Noirs montés du Sud pour fuir la ségrégation et pour trouver du boulot émigrent souvent vers les grandes métropoles du nord comme Chicago ou Detroit. Là, en marge des chaînes de montage, les églises, les salons de coiffure ou les coins de rue sont les lieux où les jeunes apprennent à chanter. Souvent au sein de formations vocales à trois ou à quatre avec des noms qui font rêver.

L'enjeu pour Berry Gordy était de créer une maison de disques pour des Noirs et tenue par des Noirs. Motown ce n'est pas Atlantic, un grand label blanc qui produit de grands noms grâce au flair de Jerry Wexler et Ahmet Ertegun, récemment disparu. Ni Stax, une maison de disque mixte, mais qui est très enracinée dans l'identité noire du sud. La Motown va vouloir rester longue "the music of young America" et être confrontée au racisme dans le métier. Les fameuses "covers" où des Blancs reprennent des tubes pour qu'ils se vendent mieux et surtout, les pochettes retravaillées pour qu'aucune "face d'aubergine" n'apparaisse... La pop doit beaucoup au pillage systématique du rhythm and blues. Quelques artistes ont assumé cependant leur admiration pour cette musique et c'est tant mieux.

Gordy voulait tout contrôler. Production composition, interprétation. Seuls Smokey Robinson et Stevie Wonder purent être leurs propres auteurs. Il faut attendre la fin des années 60 pour que, cédant à la mode psychédélique (le génial Norman Whitfield et son travail avec les Temptations) le son bouge. L'étau se déserre à partir des années 70. Marvin Gaye et à nouveau Stevie Wonder en furent les plus beaux fleurons...

Quand Motown bouge vers Hollywood, c'est la fin d'un époque. On s'essaie au cinéma, mais la mission est finie. Motown fut pionnère dans les années 60, elle ne pouvait plus innover, mais demeurer une référence. Dreamgirls et avant lui le documentaire sur les Funk brothers, les musiciens maisons sont d'excellents hommages.

James Brown est décédé

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…

Un peu de Soul dans ce monde de brutes !

Un peu de Soul dans ce monde de brutes !

Plus d'un an d'attente ! Le film du concert de 1972 sort enfin sur un écran parisien. Wattstax ! Alors pour les ignares et ceux qui croient que la Soul ça se résume aux Blues Brothers, allez voir ce film.

La maison de disque Stax était basée à Memphis et elle fut celle qui produisit la musique d'Otis Redding, Sam & Dave, Rufus Thomas, Isaac Hayes, la famille Staples entre autres. Distribués par Atlantic dans un premier temps, les disques Stax furent bientôt autonomes, mais ils ne résistèrent pas à la crise et aux aventures financières et il fallut mettre la clé sous la porte en 1975. Le bâtiment fut même détruit malheureusement. La soul de Stax était beaucoup plus rude que celle de Motown, plus calibrée pour un public varié.

C'est que le Sud n'était pas un paradis pour les Noirs et ça s'en ressentait dans la musique. Pour autant, la maison Stax fut un petit coin de ciel blues puisque Noirs et Blancs travaillaient ensemble. En l'occurence, le nom vient des fondateurs, blancs, de la maison de disque. Le groupe maison contenait des musiciens blancs qui ont connu leur deuxième heure de gloire avec la sortie du film The Blues Brothers au début des années 80.

Le concert de 1972 qu'on a facilement appelé le Woodstock soul se déroulait dans un contexte contrasté. Jamais la musique noire ne fut aussi créative. Imaginez ! Shaft au cinéma, Donny Hathaway, les Stylistics, Stevie Wonder, Sly Stone, Marvin Gaye, Aretha Frankin, Curtis Mayfield, Roy Ayers, Quincy Jones dans les bacs ! Que du bonheur ! Sur fond de crise, d'affirmation du Black Power malgré les coups de boutoir du FBI...

Le show de Rufus Thomas en bermuda rose chantant "Do the funky chicken" vaut le détour !

Plus d'un an d'attente ! Le film du concert de 1972 sort enfin sur un écran parisien. Wattstax ! Alors pour les ignares et ceux qui croient que la Soul ça se résume aux Blues Brothers, allez voir ce film.

La maison de disque Stax était basée à Memphis et elle fut celle qui produisit la musique d'Otis Redding, Sam & Dave, Rufus Thomas, Isaac Hayes, la famille Staples entre autres. Distribués par Atlantic dans un premier temps, les disques Stax furent bientôt autonomes, mais ils ne résistèrent pas à la crise et aux aventures financières et il fallut mettre la clé sous la porte en 1975. Le bâtiment fut même détruit malheureusement. La soul de Stax était beaucoup plus rude que celle de Motown, plus calibrée pour un public varié.

C'est que le Sud n'était pas un paradis pour les Noirs et ça s'en ressentait dans la musique. Pour autant, la maison Stax fut un petit coin de ciel blues puisque Noirs et Blancs travaillaient ensemble. En l'occurence, le nom vient des fondateurs, blancs, de la maison de disque. Le groupe maison contenait des musiciens blancs qui ont connu leur deuxième heure de gloire avec la sortie du film The Blues Brothers au début des années 80.

Le concert de 1972 qu'on a facilement appelé le Woodstock soul se déroulait dans un contexte contrasté. Jamais la musique noire ne fut aussi créative. Imaginez ! Shaft au cinéma, Donny Hathaway, les Stylistics, Stevie Wonder, Sly Stone, Marvin Gaye, Aretha Frankin, Curtis Mayfield, Roy Ayers, Quincy Jones dans les bacs ! Que du bonheur ! Sur fond de crise, d'affirmation du Black Power malgré les coups de boutoir du FBI...

Le show de Rufus Thomas en bermuda rose chantant "Do the funky chicken" vaut le détour !