Soul Blog

Quincy Jones… The Dude

Depuis le 21 septembre, on peut voir sur Netflix, un excellent documentaire sur Quincy Jones. Réalisé par une de ses filles, le doc, revient sur l’extraordinaire carrière d’un personnage dont la vie et l’œuvre sont une sorte d’odyssée de la musique américaine.

La liste des personnes avec lesquelles il a travaillé depuis trois quarts siècles donne le tournis, tant elle est riche de noms légendaires. Il a travaillé avec les plus grands, mais il a aussi donné leur chance aux plus petits, car il n’a jamais oublié d’où il vient.

Un pt’it gars de Chicago, privé de sa mère à cause de la maladie. Il aurait pu mal finir si la musique ne l’avait pas sauvé.

Direction Seattle, puis New York, puis le reste du monde. Né dans l’Amérique des années trente, celles de la Grande dépression, il sait qu’on achève bien les chevaux et qu’on lynche bien les nègres. Qu’ils sont les victimes à la fois de racisme, criminalité, drogue, alcool, relégation.

Si les jazzmen amusent les Blancs, les restaurants ou les hôtels restent ségrégés, même dans ce Las Vegas naissant et s’il n’y avait pas eu un autre métèque, Sammy Davis ou Count Basie, mais aussi les autres, auraient continué à faire les frais de ce racisme imbécile de ces amateurs de jazz qui ne veulent pas de l’égalité pour les musiciens. Le bienfaiteur est un rital, Frank Sinatra. Comme quelques années plus tôt, quand un autre métèque, Al Jolson, celui qui connu la gloire en incarnant, le visage maquillé « le Chanteur de jazz », le premier film parlant de l’histoire du cinéma ! Al Jolson, pardon, Asa Yoelson est le fils du rav Moïse Rubin Yoelson, un hazan qui fait aussi office de mohel originaire d’un shtelt de Lituanie…

Quincy Jones apprend quasiment tout de son grand frère en blues, Ray Charles qui cumule le handicap d’être noir et aveugle, de Lionel Hampton, de Clark Terry… Il traine à New York dans la génération Birdland. Ce club fondé par les frères Levy en l’honneur de Charlie Parker. Il y côtoie Clifford Brown, disparu trop tôt, Miles Davis, Dizzie Gillespie… Ces jeunes gens ont inventé le be-bop, une révolution musicale et culturelle !

En effet, tout le monde s’est approprié le jazz, très vite et le swing des grands orchestres, ceux de Jimmy Lunceford, de Benny Goodman ou de Glen Miller a commencé à devenir un peu académique, même s’il bouge bien. Le Bop consiste finalement à se réapproprier la partie « sauvage » et à chaque fois, le jazz connaîtra ces cycles. Il ne veut pas de limites !

Dizzy Gillespie s’intéresse aux rythmes latins et il va bientôt inventer l’afro-cubain, avec notamment un titre, « Manteca » que Quincy Jones fait sien au début des années soixante dix en mélangeant ces sons latins au funk… Excellent !

A la fin des années 40, Miles a proclamé la naissance du cool que les musiciens blancs de la côte ouest adoptent massivement tant elle colle au style californien.

Quincy Jones a lui aussi son orchestre. Avec lequel il voyage en Méditerranée et en Europe.

Comme tous les musiciens de jazz, il trouve dans la France une seconde patrie. On est à la fin années 50- début années 60, Paris se passionne depuis longtemps pour cette musique de nègres. Mais pour lui, il ne s’agit pas seulement d’écumer les salles de concerts, il veut aussi progresser. Il va suivre les cours d’une grande dame de la théorie musicale, Nadia Boulanger et faire la connaissance d’un homme incontournable pour la musique, Eddie Barclay.

« Q » comprend assez vite que la musique est aussi affaire de fric. La rencontre avec la grande Dinah Washington lui ouvre les portes du milieu des arrangeurs pour une grande maison de disques, Mercury dont il devient un des cadres, pour la première fois, un noir. Faire du fric, c’est aussi toucher à la pop, cette musique qui se vend. Et avec lui ça marche. Mais ce touche à tout ne s’arrête pas.

La rencontre avec Sinatra lui ouvre les portes de l’Ouest, Vegas, et bientôt L.A. où, à Hollywood, il va faire comme Henry Mancini, écrire des musiques de film. Lui est noir, mais il y a des gens qui ne le croient pas capable d’écrire pour les salles obscures ! Racontez ça aux fans d’Austin Powers, ils ne vous croiront pas.

La carrière de compositeur pour film est émaillée de succès. Tout au long de sa carrière hollywoodienne, il a aura travaillé avec Sidney Lumet, John Landis, Norman Jewison, Steven Spielberg, Edward Dmytryk, Sidney Pollack, Richard Brooks, Sam Peckinpah…

Arte a également diffusé un petit documentaire sur sa carrière de compositeur de musique de film.

Faire des musiques de film dans les années 60 c’est transmettre aussi ce cinéma qui bouge et qui s’imprègne d’une société en ébullition.

A la fin des années 60, il revient à la production via un passage par la télévision où il écrit la B.O. de l'Homme de fer ("Ironside"), du show de Bill Cosby et surtout la série Sandford and Son avec Red Foxx. Le thème, "The streetbeater" est typiquement dans la veine du rhythm and blues funk de ces années où l'ensemble de la musique afro-américaine est révolutionné de fond en comble.

En 1969, Walking in Space fait un clin d'œil évident à Hair, mais aussi au nouveau gospel revisité par des chefs de chœur de talent comme Edwin et Walter Hawkins. Quincy Jones reprend en effet à la fin Oh Happy Day. Le personnel invité est la "crème de la crème" de ces musiciens qui seront incontournables dans les productions de Creed Taylor sur son label CTI qui propose un jazz fusion, électrique et éclectique dont Eumir Deodato et George Benson seront les plus belles réussites. 

Pour le moment, on retrouve pas moins d'une dizaine de grands noms de sidemen prestigieux comme Roland Kirk, Hubert Laws, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Bob James, Eric Gale, Toots Thielemans, Ray Brown, Bernard Purdie ou encore Grady Tate.

Les années 70 voix encore d'autres belle perles dans lesquelles il y a à la fois la mise en avant de chanteurs qu'il découvre ou qu'il apprécie comme Patti Austin, Leon Ware ou encore James Ingram, et des reprises de Stevie Wonder.

C'est simple, la plupart des grands noms du jazz et du rhythm and blues des années 50 aux années 2000 a travaillé avec Q au moins une fois...

Le documentaire plonge dans l'intimité et il révèle les failles d'un homme qui, à cause de l'exceptionnelle longévité de sa carrière, a aussi vu mourir ses copains. C'est un des moments poignants du film quand on écoute un hommage que lui rend Ray Charles, quand il évoque ceux qui sont partis avant lui... Al Jarreau, Michael Jackson, Rod Temperton, Miles, etc...

Tout aussi poignante la rencontre avec les rappeurs : Chuck D, Kendrick Lamarr comme autant de passages de témoins entre les générations, "from Be bop to hip hop"...

Voyez donc ce documentaire sur un géant qui est aussi un passeur.

Surtout, ce 27 juin, "Q" se produit à Paris. Un rendez-vous à ne pas manquer. Depuis les années 50, Paris a constitué à plusieurs reprises une étape dans son parcours. D'abord les cours d'orchestration qu'il a suivi avec Nadia Boulanger, son amitié avec Eddie Barclay puis plusieurs tournées. Il a même été décoré par Jack Lang. Bref Quincy Jones à Paris, quelques jours après le décès de James Ingram et le dixième anniversaire de la disparition de Michael Jackson, c'est Dreamsville sur Seine, le temps d'un soir.

Don't look any further... RIP Dennis Edwards

L'ancien chanteur des Temptations, Dennis Edwards, est décédé le 1^er février. C'était la voix rocailleuse que l'on entend sur les titres de la période Whitfield Strong, celle qui court de 1968 à 1974 et dans les années qui suivirent, entre quelques ruptures. Il avait remplacé david Ruffin, le charismatique et torturé "lead singer" dont le divorce avec le groupe fut douloureux. Viril, drôle, il avait ce style classique du "shouter" que l'on retrouve dans musique populaire afro-américaine. Depuis les prédicateurs baptistes aux musiciens contemporains en passant par Screamin' Jay Hawkins, Wilson Pickett, James Brown ou encore Joe Tex.

Dennis Edwards rejoignit donc le plus viril des groupes masculins de la Motown qui rivalisait avec les Four Tops. Le seul membre de la grande époque, encore actif est Otis Williams. Avec le décès d'Edwards, tous les autres membres de la période Motown sont décédés. Mais ils ont marqué leur époque. Le falsetto d'Eddie Kendricks, la voix de baryton de Paul Williams - qui était atteint de drépanocytose, la basse profonde de Melvin Franklin, voilà pour ce que fut, au meilleur de sa forme le quintette de Detroit qui a donné à la soul certains des meilleurs tubes, composés par Smokey Robinson ou le duo Norman Whitfield/Barrett Strong : My girl, Ain't too proud to beg, Don't look back, it's growing...

Dennis Edwards apparaît dans la suite de David Ruffin dont la carrière est menacée par la drogue et l'alcool. Il va intervenir dans la période "psychédélique" et "contestataire" du groupe. Après 1967, Whitfield et Strong modernisent la soul sage du label pour s'adapter à l'époque troublée que traverse le pays. Cloud nine, Runnaway child, Ball of confusion, Psychedelic Shack, et le mythique Papa was a rolling stone relatent ce monde en ébullition où le racisme, la guerre, la drogue, les pères délaissant leur famille sont des plaies...

Si David Ruffin et Eddie Kendricks ont connu leur heure de gloire avec quelques tubes au cours de leur carrière solo, Dennis Edwards a attendu beaucoup plus longtemps pour un tube qui a marqué les années 80 avec ce duo genial, Don't look any further, sorti aussi chez Motown, avec Siedah Garrett. Cette dernière va aussi se faire un nom avec Michael Jackson sur Bad trois ans plus tard. C'est le genre de chanson qu'on écoute le samedi soir dans sa voiture ou dans sa chambre et qui vous met à l'aise...

C'est ce qui nous reste de ces légendes. Parties de peu. Dennis Edwards était né en Alabama pendant la guerre. Fils de pasteur, il s'était mis à chanter très jeune. Il avait d'ailleurs rejoint les Mighty Clouds of Joy, un légendaire groupe de gospel dont Joe Ligon un des chanteurs possédait la même voix éraillée. On peut les entendre avec Aretha Franklin sur "One Lord, on faith, on baptism", sorti en 1989. La famille déménagea à Detroit et il lui fallu affronter la colère familiale quand il se mit à chanter de la musique profane... La suite s'écrivit beaucoup avec Motown et les Temptations.

Heureusement, il nous reste les disques.

La Motown Party déménage...

Après une douzaine d'années, les Motown Parties qui se tenaient chaque premier samedi du mois au Djoon, dans le treizième arrondissement de Paris, vont fermer ce 6 janvier. Mais pour d'autres aventures qui nous seront dévoilées plus tard. En attendant, revenons sur ces moments particulièrement intenses de musique et de danse dans une ambiance particulièrement saine.

Pour l'amateur de soul, de funk et de disco, un peu désolé par la production actuelle et qui est persuadé qu'on ne fera jamais mieux que les compositeurs et interprètes des années 60-70-80-90 (soyons généreux), la "Motown Party" est un sanctuaire. Connaisseurs affûtés ou amateurs, novices ou juste en quête de "bon son", se retrouvaient ainsi dans un cadre qui est plus dansant que celui des "lounges" et moins oppressant que celui des boîtes de nuit.

Le DJ, "Reverend P" est toujours inspiré et, avec le temps, j'ai découvert un homme très sensible. Un homme qui a parfaitement compris toute la richesse de cette musique : bien qu'elle soit réputée dansante, elle peut être aussi engagée...

En 2017, il a présenté une série de disques qui parcourt la diversité de cette musique sur un demi siècle. "The Legacy Of". Une bonne introduction pour les néophytes.

Eh oui, le funk a 50 ans, si on prend comme point de départ Cold Sweat de James Brown, qui en pose les principes. "On the one", comme disait Prince, car le beat est toujours sur le premier temps.

Ceux qui prennent au mot le concept de la soirée Motown ne doivent pas s'attendre à danser sur trop de classiques incontournables, mais ce n'est pas bien grave car globalement, les titres sont parfaitement calibrés pour ce type de soirée. Heureusement, il ne s'agit pas de servir la soupe commerciale et les tubes grands publics. En effet, il n'a pas toujours été de bon ton de confondre funk et disco !

2018 sera donc l'année d'un nouveau départ...

Kassav' au Zénith...

Le groupe légendaire de zouk, Kassav' donne ses dernières concerts au Zénith ce week-end. Entre le groupe fondé il y a plus de trente ans et la mythique salle parisienne, c'est un peu comme James Brown à l'Apollo, une combinaison magique dont on ne sort pas indemne.

Rien qu'au Zénith, Kassav' a donné une trentaine de concerts, ce qui équivaut à jouer devant près d'un demi million de personnes dans cette salle du 19^e arrondissement de Paris. Il faut y ajouter les tournées internationales aux quatre coins du monde dont le Japon, les Etats-Unis et l'Afrique, sans compter bien sûr les Antilles.

Le nom vient de "cassave", une galette de manioc. Cela fait partie des aliments traditionnels des Antilles françaises, même si on n'en trouve plus aussi souvent que par le passé.

Le groupe a été fondé en 1979 par Pierre-Edouard Décimus, un des musiciens du groupe "Les Vikings de la Guadeloupe" qui joue d'ailleurs en première partie de Kassav ce week-end.

Les Antilles qui sont déjà un lieu de mélange en tous genres, n'échappent pas aux fusions musicales qui font de la décennie 1960-1970, un moment d'une fécondité inégalée. Les rythmes traditionnels ont été influencés par la soul nord-américaine, la pop. Cela a donné le reggae en Jamaïque qui évoluera plus tard vers le ragga et le dance-hall sous l'influence du hip hop. Dans les Antilles francophones, on danse sur les rythmes haïtiens joués par des groupes de kompa.

Cette musique est partout. Les formations de kompa sont imitées en Martinique avec des groupes comme la Perfecta (dont on peut entendre un des tubes dans le générique du film la Première étoile. Pas très loin, la Sélecta ou Opération 78 du guitariste Simon Jurad qui joue avec le jeune Jean-Philippe Marthély qui devient une des voix de Kassav'.

A la biguine inventée à Saint-Pierre avant l'éruption de 1902 et qui a brillé dans les bals nègres de la rue Blomet où le tout Paris se remuait dans l'entre deux guerres, succède le zouk à la fin des années 70. 

Le zouk désigne en créole le lieu et la soirée où on danse. C'est le titre d'un morceau du pianiste Marius Cultier qui, dans les années 70-80 accomplit une brillante carrière en France et au Canada où il joue de tout, précurseur d'autres pianistes antillais comme Alain Jean-Marie, Paulo Rosine qui fut le pianiste du groupe Malavoi encore Mario Canonge.

L'idée est d'inventer un style typique. Pierre-Édouard Décimus crée avec un autre musicien, Freddy Marshall, le groupe Kassav’. Faisant un "blo" (un mélange) des styles du coin : rhythm and blues, salsa, kompa, biguine, "mazurka", "bèlè", ils jouent avec le guitariste Jacob Desvarieux et le bassiste Georges Décimus. La structure rythmique reste la même, mais elle est riche des percussions et habillée des riffs de guitare, d'une solide section cuivre qui, contrairement aux groupes de funk des années 80, ne disparaît pas devant l'invasion des synthés.

Le zouk de Kassav' est alors une révolution dans une France qui dans les années 80 se passionne pour la "world music". C'est sans médiatisation que Kassav' avait rempli son premier Zénith en 1985. A l'inverse des groupes qui suivirent, Kassav' valse entre la romance et la chanson à texte qui évoque les questions sociales, l'Histoire, la mémoire et l'identité des Antillais. Toujours un cran au dessus des innombrables tentatives d'imitation, de version sirupeuses d'un zouk "zouk love" destiné uniquement à la danse. Très souvent le zouk est peu imaginatif, si on peut de côté des groupes comme Kwak ou Taxikréol dans les années 90. Mais avec Kassav', c'est tout les esprits de la musique antillaise qui se mettent en éruption harmonique et rythmique.

La voix de Jocelyne Béroard, le falsetto du regrettée Patrick Saint-Eloi s'ajoutent aux jeux de batteries de Claude Vamur et de César Durcin, disparu récemment et aux claviers de Jean-Claude Naimro, un temps débauché par Peter Gabriel. Voilà pour la structure de la grande époque, tout cela soutenu par la basse de Georges Décimus, véritable colonne vertébrale du zouk.

Mais Kassav' n'est pas Kassav' sans le charisme de Jacob Décimus, dont la voix rocailleuse lasse contraste avec l'imposante silhouette du bonhomme. Ses lignes de guitare à elles seules enflamment un groove à la manière de Prince.

C'est notre patrimoine, notre fierté. On aime Kassav' c'est communicatif. C'est comme ça. Ils seront toujours au zénith.

Ca mérite une Légion d'honneur !

James Brown est décédé

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…