Soul Blog

Quincy Jones… The Dude

Depuis le 21 septembre, on peut voir sur Netflix, un excellent documentaire sur Quincy Jones. Réalisé par une de ses filles, le doc, revient sur l’extraordinaire carrière d’un personnage dont la vie et l’œuvre sont une sorte d’odyssée de la musique américaine.

La liste des personnes avec lesquelles il a travaillé depuis trois quarts siècles donne le tournis, tant elle est riche de noms légendaires. Il a travaillé avec les plus grands, mais il a aussi donné leur chance aux plus petits, car il n’a jamais oublié d’où il vient.

Un pt’it gars de Chicago, privé de sa mère à cause de la maladie. Il aurait pu mal finir si la musique ne l’avait pas sauvé.

Direction Seattle, puis New York, puis le reste du monde. Né dans l’Amérique des années trente, celles de la Grande dépression, il sait qu’on achève bien les chevaux et qu’on lynche bien les nègres. Qu’ils sont les victimes à la fois de racisme, criminalité, drogue, alcool, relégation.

Si les jazzmen amusent les Blancs, les restaurants ou les hôtels restent ségrégés, même dans ce Las Vegas naissant et s’il n’y avait pas eu un autre métèque, Sammy Davis ou Count Basie, mais aussi les autres, auraient continué à faire les frais de ce racisme imbécile de ces amateurs de jazz qui ne veulent pas de l’égalité pour les musiciens. Le bienfaiteur est un rital, Frank Sinatra. Comme quelques années plus tôt, quand un autre métèque, Al Jolson, celui qui connu la gloire en incarnant, le visage maquillé « le Chanteur de jazz », le premier film parlant de l’histoire du cinéma ! Al Jolson, pardon, Asa Yoelson est le fils du rav Moïse Rubin Yoelson, un hazan qui fait aussi office de mohel originaire d’un shtelt de Lituanie…

Quincy Jones apprend quasiment tout de son grand frère en blues, Ray Charles qui cumule le handicap d’être noir et aveugle, de Lionel Hampton, de Clark Terry… Il traine à New York dans la génération Birdland. Ce club fondé par les frères Levy en l’honneur de Charlie Parker. Il y côtoie Clifford Brown, disparu trop tôt, Miles Davis, Dizzie Gillespie… Ces jeunes gens ont inventé le be-bop, une révolution musicale et culturelle !

En effet, tout le monde s’est approprié le jazz, très vite et le swing des grands orchestres, ceux de Jimmy Lunceford, de Benny Goodman ou de Glen Miller a commencé à devenir un peu académique, même s’il bouge bien. Le Bop consiste finalement à se réapproprier la partie « sauvage » et à chaque fois, le jazz connaîtra ces cycles. Il ne veut pas de limites !

Dizzy Gillespie s’intéresse aux rythmes latins et il va bientôt inventer l’afro-cubain, avec notamment un titre, « Manteca » que Quincy Jones fait sien au début des années soixante dix en mélangeant ces sons latins au funk… Excellent !

A la fin des années 40, Miles a proclamé la naissance du cool que les musiciens blancs de la côte ouest adoptent massivement tant elle colle au style californien.

Quincy Jones a lui aussi son orchestre. Avec lequel il voyage en Méditerranée et en Europe.

Comme tous les musiciens de jazz, il trouve dans la France une seconde patrie. On est à la fin années 50- début années 60, Paris se passionne depuis longtemps pour cette musique de nègres. Mais pour lui, il ne s’agit pas seulement d’écumer les salles de concerts, il veut aussi progresser. Il va suivre les cours d’une grande dame de la théorie musicale, Nadia Boulanger et faire la connaissance d’un homme incontournable pour la musique, Eddie Barclay.

« Q » comprend assez vite que la musique est aussi affaire de fric. La rencontre avec la grande Dinah Washington lui ouvre les portes du milieu des arrangeurs pour une grande maison de disques, Mercury dont il devient un des cadres, pour la première fois, un noir. Faire du fric, c’est aussi toucher à la pop, cette musique qui se vend. Et avec lui ça marche. Mais ce touche à tout ne s’arrête pas.

La rencontre avec Sinatra lui ouvre les portes de l’Ouest, Vegas, et bientôt L.A. où, à Hollywood, il va faire comme Henry Mancini, écrire des musiques de film. Lui est noir, mais il y a des gens qui ne le croient pas capable d’écrire pour les salles obscures ! Racontez ça aux fans d’Austin Powers, ils ne vous croiront pas.

La carrière de compositeur pour film est émaillée de succès. Tout au long de sa carrière hollywoodienne, il a aura travaillé avec Sidney Lumet, John Landis, Norman Jewison, Steven Spielberg, Edward Dmytryk, Sidney Pollack, Richard Brooks, Sam Peckinpah…

Arte a également diffusé un petit documentaire sur sa carrière de compositeur de musique de film.

Faire des musiques de film dans les années 60 c’est transmettre aussi ce cinéma qui bouge et qui s’imprègne d’une société en ébullition.

A la fin des années 60, il revient à la production via un passage par la télévision où il écrit la B.O. de l'Homme de fer ("Ironside"), du show de Bill Cosby et surtout la série Sandford and Son avec Red Foxx. Le thème, "The streetbeater" est typiquement dans la veine du rhythm and blues funk de ces années où l'ensemble de la musique afro-américaine est révolutionné de fond en comble.

En 1969, Walking in Space fait un clin d'œil évident à Hair, mais aussi au nouveau gospel revisité par des chefs de chœur de talent comme Edwin et Walter Hawkins. Quincy Jones reprend en effet à la fin Oh Happy Day. Le personnel invité est la "crème de la crème" de ces musiciens qui seront incontournables dans les productions de Creed Taylor sur son label CTI qui propose un jazz fusion, électrique et éclectique dont Eumir Deodato et George Benson seront les plus belles réussites. 

Pour le moment, on retrouve pas moins d'une dizaine de grands noms de sidemen prestigieux comme Roland Kirk, Hubert Laws, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Bob James, Eric Gale, Toots Thielemans, Ray Brown, Bernard Purdie ou encore Grady Tate.

Les années 70 voix encore d'autres belle perles dans lesquelles il y a à la fois la mise en avant de chanteurs qu'il découvre ou qu'il apprécie comme Patti Austin, Leon Ware ou encore James Ingram, et des reprises de Stevie Wonder.

C'est simple, la plupart des grands noms du jazz et du rhythm and blues des années 50 aux années 2000 a travaillé avec Q au moins une fois...

Le documentaire plonge dans l'intimité et il révèle les failles d'un homme qui, à cause de l'exceptionnelle longévité de sa carrière, a aussi vu mourir ses copains. C'est un des moments poignants du film quand on écoute un hommage que lui rend Ray Charles, quand il évoque ceux qui sont partis avant lui... Al Jarreau, Michael Jackson, Rod Temperton, Miles, etc...

Tout aussi poignante la rencontre avec les rappeurs : Chuck D, Kendrick Lamarr comme autant de passages de témoins entre les générations, "from Be bop to hip hop"...

Voyez donc ce documentaire sur un géant qui est aussi un passeur.

Surtout, ce 27 juin, "Q" se produit à Paris. Un rendez-vous à ne pas manquer. Depuis les années 50, Paris a constitué à plusieurs reprises une étape dans son parcours. D'abord les cours d'orchestration qu'il a suivi avec Nadia Boulanger, son amitié avec Eddie Barclay puis plusieurs tournées. Il a même été décoré par Jack Lang. Bref Quincy Jones à Paris, quelques jours après le décès de James Ingram et le dixième anniversaire de la disparition de Michael Jackson, c'est Dreamsville sur Seine, le temps d'un soir.

Amplify my soul

La « Motown Party » nouvelle manière le 10 février avait pris possession du Réservoir dans le onzième arrondissement de Paris.

Expérience intéressante : si on met de côté le fait qu’il faut s’habituer à de nouveaux lieux, à plus de lumière, la transition était un peu rude, mais ce n’est de la faute de personne.

Arrivé un peu tôt, nous nous sommes retrouvés en plein concert « live » des Cochons dans l’espace. Le groupe, pas les marionnettes des Muppets. On était venu pour sa dose de « groove » mensuelle et on se retrouve dans une énergique prestation de rock années 60-70 avec d’excellentes reprises de classiques de Led Zep et d’autres.

L’occasion d’évoquer ce que certains journalistes ont appelé la « blue eyed soul », de la musique « noire » jouée par des blancs ». L’intérêt ? Surtout rendre hommage à d’excellents groupes qui ont marqué cette musique, plutôt que noter bêtement ce « cross over » puisque, vraiment, la musique est sans frontière.

Encore qu’il faut toujours rappeler que pour en arriver là, le rhythm and blues a dû se nourrir de souffrance en plus de mélanges. La traite négrière, la ségrégation, la misère, les difficultés sociales, le sexisme… Voilà pourquoi la jeunesse ouvrière d’Angleterre s’est reconnue dans cette musique à l’image d’un Joe Cocker ou d’un John Lennon qui d’ailleurs avait composé un morceau au titre évocateur « Working class hero ». Oui, ce sont des musiques populaires qui traduisent les racines modestes de musiciens, de danseurs qui n’ont jamais oublié d’où ils venaient. Et nous même, qui écoutons ces musiques, nous sommes assez vieux pour avoir connu, comme nos parents, l’art d’économiser pour acheter, en occaz tel ou tel album chez un disquaire bien fourni.

La soul est donc « color blind »

En 1957, ce sont deux Blancs, Jim Stewart et sa sœur Estelle Axton qui fondent un label de musique à Memphis qui va marquer son époque. Stax. La contraction des deux premières lettres de leurs noms. Le mélange sera toujours leur carburant. Essentiel dans ce Sud où à l’époque, la ségrégation existe encore. Mais pas dans les studios où Steve Cropper et Duck Dunn deviennent les piliers incountournables des tubes de Stax. Hommage leur est rendu dans la saga des Blues Brothers.

Il y a 50 ans, à Oakland en California se formait la machine Tower of Power, toujours active avec une efficace section de cuivre et qui a aussi joué avec Elton John ou Paul Abdul…

Dans les années 70, le groupe Average White Band « déchire ». Ces Ecossais sont à l’origine de classiques comme « Cut the Cake », « Pick up the Pieces » ou le super dansant « Let’s go ‘round again ».

Wild Cherry fut aussi un de ces groupes connus pour un seul tube, bien que leur carrière ne se limite pas là. « Play that funky music » (« white boy ! ») a l’agressivité lourde d’un funk du ghetto au temps du disco.

Et que dire de Dan Hartman déjà évoqué, le regretté Rod Temperton qui, après son groupe Heatwave, a donné à nos oreilles, Thriller et d’autres perles produites par Quincy Jones et chantées par Michael Jackson !

P.S. Amplify my soul est un super album d’Incognito, ce groupe britannique qui tourne depuis bientôt 40 ans et qui a connu la notoriété avec la mode de l’acid jazz dont on reparlera bientôt.

La "Motown Party" se réserve le Réservoir

Après les années Djoon, la Motown Party va poursuivre l'aventure au Réservoir, un lieu bien connu des habitués de la nuit parisienne. Avant on se faisait embastiller pour avoir commis des écrits subversifs, aujourd'hui, la Bastille, c'est là où ça frétille sur des rythmes bien comme il faut, notamment sur les pistes du Sanz, du Barrio Latino, de la Chapelle des Lombards ou encore du Badaboum.

Probablement qu'on entendra ce que j'ai identifié comme le "top 5" des titres que DJ Reverend P se fait un plaisir de passer. Un Top 5 qui couvre la diversité des styles et des époques. L'ordre est aléatoire. Découvrez et faites-vous plaisir.

1. Maceo Parker : Pass the Peas (1994) - L'ancien saxophoniste de James Brown avait poursuivi sa carrière de sideman avec George Clinton et fait quelques apparitions ici et là. Dans une sorte de vogue "revival", il sort quelques albums solo dans les années 90 qui lui donnent en Europe une notoriété qui ne se dément pas. Le concert qu'il donne à Cologne (eh oui, il n'y a pas que Keith Jarrett !) avec deux autres vétérans comme lui, Fred Wesley (qui sera en concert à Paris le 14 avril prochain au New Morning avec son groupe "The New JB's) et Pee Wee Ellis. Sous le slogan "2 % jazz, 98 % funky stuff", Maceo avait repris le Pass the Peas des JB's (sorti en 1972). "Pass the Peas" qu'on peut bêtement traduire par "passe les pois" est un de ces titres dans lesquels James Brown rendait hommage à la soul food. Cette cuisine familiale du sud des Etats-Unis d'où étaient originaires la majorité des musiciens du Godfather. Dans plusieurs morceaux, on l'entend énumérer les plats incontournables comme le pain de maïs (cornbread) ou le poulet frit... L'expression peut aussi désigner dans un jam, le moment où chaque musicien se passe le solo... Dans la version de 1994, Maceo Parker reprend aussi deux passages de grands classiques de sa période P Funk avec George Clinton et ses groupes de déjantés Parliament-Funkadelic. Un extrait du rap de "Let's take it to the stage" suivi de la partie chantée de "P. Funk (Wants to Get Funked Up)".

2. Stevie Wonder : Do I Do (1982) - Ce titre fleuve (plus de dix minutes) aux saveurs brésiliennes accueille comme invité de marque, Dizzy Gillespie et sa fameuse trompette. Sorti sur la compilation Original Musiquarium on y entend aussi Stevie Wonder raper. On est dans les premières années où le grand public a découvert le hip hop. Le bassiste s'appelle Nathan Watts, un des acolytes de Stevie Wonder l'intro de "I Wish" - il commet un excellent solo de basse sur ce titre et on l'entend aussi sur Destiny et Triumph des Jacksons...

3. Double Exposure : My love is free (1976) - Typiquement "Salsoul" avec son intro aux cordes, ce titre d'un groupe venu de Philadelphie, qui a donné, on le sait beaucoup à cette musique dans les années 70 avec les productions de Gamble & Huff pour CBS et qui constituent une sorte de pont entre la soul funk du début des années 70 et le disco, est aussi joué dans un mix fleuve qui produit bien plus de frissons et de jouissance que n'importe quelle pilule ! Bien que les structures harmonique et la mélodie soient basiques et pas spécialement élaborées, il y a indéniablement un "groove" ravageur.

4. Diana Ross : The Boss (1979) - Le titre phare de la Diva de la Motown à la fin des années 70 était une des incursions de cette bande là dans l'univers disco. Cela avait commencé trois ans plus tôt avec "Love Hangover". C'est encore une des productions du duo Nick Ashford et Valerie Simpson qui, depuis la fin des années 60, font des merveilles. les titres de Marvin Gaye avec Tami Terrell en 1967, c'est eux, "I'm every woman" de Chaka Khan, c'est encore eux. Bientôt, c'est Nile Rodgers de Chic qui viendra donner un coup de main à Diana Ross avec "Upside down"...

5. Loleatta Holloway : Love sensation (1980) - ce tube porte la marque de fabrique "sasoul". Parfaitement formaté pour les pistes de danse, il a connu une fortune particulière à la fin des années 80. A cette époque, l'explosion de la House music et le renouveau de la "dance" ont produit en nombre des groupes comètes qui n'ont eu de succès que le temps d'un tube resté plusieurs semaines dans les hit parades. En 1989, on dansait sur "Ride on time" d'un obscur groupe italien qui faisait croire que sa chanteuse était noire. Black Box avait conquis les charts avec ce tube, jusqu'à ce qu'on découvre qu'il ne s'agissait ni plus ni moins d'un remontage de la chanson originale avec quelques fioritures d'époque... Les connaisseurs ne s'y étaient pas trompés, mais les jeunes qui étaient enfants à l'époque n'y avaient vu que du feu... Justice fut rendue. Mais la leçon, c'est que certains styles musicaux ou certains titres peuvent traverser sans une ride les vicissitudes des modes."Love sensation" est une création de Dan Hartman ("Instant replay" et mixé par Tom Moulton, une référence du métier.

Voilà, c'est fini pour aujourd'hui... Mais le réservoir est encore bien plein.

Funk from Brazil

Le Brésil est probablement le pays d'Amérique latine le plus fascinant sur le plan musical. Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fut un compositeur qui n'eût rien à envier à ses contemporains européens ou nord-américains et il a réellement contribué à bâtir une musique brésilienne qui jusque là était beaucoup traditionnelle. Le Brésil, pays continent dispose en effet d'une diversité culturelle d'une fécondité qui dépasse la samba ou la bossa. Avec un métissage ignoré par les élites blanches, le pays dispose de plusieurs bases comme Rio, São Paulo ou Bahia d'où émergent des styles différents, régulièrement ouverts aux influences africaines, européennes, nord-américaines ou latino bien évidemment. La samba par exemple, la plus connue des musiques brésiliennes, plonge ses racines en Afrique d'où sont originaires les esclaves déportés par les Portugais entre le 16e et le 19e siècle. D'ailleurs, l'esclavage ne fut aboli au Brésil qu'en 1888, quarante ans après la France !

Dans les années 50, l'apparition de la bossa nova qui ravit les publics occidentaux toujours en quête d'exotisme fait la fortune du trompettiste Stan Getz qui fit planer et danser l'Amérique sur cette nouveauté brésilienne lancée par  Vinícius de Moraes, João et Astrid Gilberto ainsi qu'Antônio Carlos Jobim. La bossa inonde le monde, mais le coup d'Etat de 1964 qui impose une dictature qui va durer vingt ans, met un coup d'arrêt à cette forme musicale au Brésil même.

Musique engagée, soul et funky 

Cela mériterait un pavé entier consacré à la musique brésilienne en général et au funk brésilien en particulier... Mais va pour l'initiation :

Sous ses airs nonchalants, la musique populaire brésilienne peut être une musique engagée. Parmi les musiciens qui lancent le "tropicalisme", Caetano Veloso, Gilberto Gil, opposants à la dictature militaire, tombent sous l'influence des effluves psychédéliques de l'époque, composent des chansons à texte et un peu comme Socrates au football, sont des icônes progressistes face aux militaires.

Bien que le régime soit dur, l'expression de la contestation peut s'entendre. Ce qu'on a appelé la "MPB" pour "música popular brasileira qu'écoutent la classe moyenne permet à un Chico Buarque, un Milton Nascimento ou une Carmen Miranda, parmi des dizaines d'autres noms, d'imprimer encore plus profondément leur marque dans le patrimoine musical brésilien...

C'est dans cette période que de nombreux musiciens fusionnent le jazz, la soul, le funk aux harmonies brésiliennes. Le plus connu dans l'hémisphère nord est probablement le pianiste Eumir Deodato qui enregistrent plusieurs albums pour le célèbre label "jazz pop" de Creed Taylor, CTI qui a déjà en contrat à l'époque George Benson, Bob James, Grover Washington...

Deodato connut une carrière féconde et à la fin des années 70, on le retrouve comme un des producteurs du groupe funk Kool and The Gang. C'est d'ailleurs grâce à cette collaboration que se fait la rencontre avec le chanteur James JT Taylor. Deodato devait, par la suite, travailler pendant dix ans avec le groupe et donner naissance à des albums tels que Ladies Night en 1979, Celebrate ! l'année suivante, Something Special qui contient notamment "Get down on it" en 1981 et As one en 1982 sur lequel on peut entendre "Let's Go Dancin' (Ooh La La La)".

De son côté, Stevie Wonder qui était venu donner un concert au Brésil en 1971, avait déjà exploré les sonorités brésiliens en 1974 dans son album Fulfillingess' First Finale avec "Bird of Beauty" dont les paroles en brésilien furent traduites par Sergio Mendes.  Le texte est clairement dans la veine de Rio ou de Bahia, même si sur le plan rythmique, il faut se contenter d'une batterie là où la profusion des percussions des musiques brésiliennes aurait donné plus de puissance à ce morceau. Mais le génie de la Motown se rattrape deux ans plus tard Songs in the Key of Life avec un tube ravageur. "Another Star" sonne clairement comme un tube de carnaval. Pour l'occasion, George Benson vite prêter sa voix et sa guitare.

Les amateurs de jazz-funk connaissent certainement l'album de George Duke, A Brazilian Love affair sorti en 1980 et qui contient un beau mélange. Enregistré à Rio, l'album fut l'occasion d'une géniale collaboration avec le percussioniste Airto Moreira et Milton Nascimento.

Il est vrai que la rencontre permanente entre jazz, soul, funk et musique brésilienne produit de superbes mélanges qui soit revisitent des classiques soit inventent des tubes et des raretés. Marco Valle ou Azymuth sont aussi de belle signatures.

Jorgen Ben qui jouait avec le Trio Mocotó a représenté cette forme aboutie de "samba soul" dans les années 70, comme le Banda Black Rio qui fut à la même période, une version locale des grandes formations funk comme Earth, Wind and Fire ou encore Kool and the Gang. On leur doit le tube "Maria Fumaça". Le groupe de Maurice White n'échappa pas aux influences du pays de braise. Qui ne connaît pas l'interlude "Beijo" sous titré "brazilian rhyme" ou encore l'envoûtant Runnin' sur le même album ? Un peu plus récemment, le groupe Jamiroquai qui explore depuis 1993 le vaste univers de la soul avait lui aussi cédé aux charmes bleu jaune et vert pour enregistrer "Stillness in time"...

Tim Maia, chanteur immense a laissé un groovy "O caminho do bem", comme Erlon Chaves et sa "Cosa Nostra" à la ligne de basse ravageuse.

Jusqu'à aujourd'hui, la scène brésilienne donne sa version des évolutions du rhythm and blues depuis plus de quarante ans avec des reprises ou des adaptations. Un chanteur comme Seu Jorge est un brillant héritier de cette grande tradition.

La touche brésilienne du funk apporte la fraicheur mélodique et ces volutes harmoniques qui donnent ce sentiment d'être soudainement léger et résolument de bonne humeur...

La Motown Party déménage...

Après une douzaine d'années, les Motown Parties qui se tenaient chaque premier samedi du mois au Djoon, dans le treizième arrondissement de Paris, vont fermer ce 6 janvier. Mais pour d'autres aventures qui nous seront dévoilées plus tard. En attendant, revenons sur ces moments particulièrement intenses de musique et de danse dans une ambiance particulièrement saine.

Pour l'amateur de soul, de funk et de disco, un peu désolé par la production actuelle et qui est persuadé qu'on ne fera jamais mieux que les compositeurs et interprètes des années 60-70-80-90 (soyons généreux), la "Motown Party" est un sanctuaire. Connaisseurs affûtés ou amateurs, novices ou juste en quête de "bon son", se retrouvaient ainsi dans un cadre qui est plus dansant que celui des "lounges" et moins oppressant que celui des boîtes de nuit.

Le DJ, "Reverend P" est toujours inspiré et, avec le temps, j'ai découvert un homme très sensible. Un homme qui a parfaitement compris toute la richesse de cette musique : bien qu'elle soit réputée dansante, elle peut être aussi engagée...

En 2017, il a présenté une série de disques qui parcourt la diversité de cette musique sur un demi siècle. "The Legacy Of". Une bonne introduction pour les néophytes.

Eh oui, le funk a 50 ans, si on prend comme point de départ Cold Sweat de James Brown, qui en pose les principes. "On the one", comme disait Prince, car le beat est toujours sur le premier temps.

Ceux qui prennent au mot le concept de la soirée Motown ne doivent pas s'attendre à danser sur trop de classiques incontournables, mais ce n'est pas bien grave car globalement, les titres sont parfaitement calibrés pour ce type de soirée. Heureusement, il ne s'agit pas de servir la soupe commerciale et les tubes grands publics. En effet, il n'a pas toujours été de bon ton de confondre funk et disco !

2018 sera donc l'année d'un nouveau départ...

Purple brain

Dur à réaliser ! C’était déjà dur pour un militant de gauche de traverser un 21 avril, ça l’est encore quand cette date sera désormais l’anniversaire de la mort de Prince Roger Nelson...

Sometime it snow in april chantait il y a tout juste trente ans. Mais ce sont plutôt des flocons de larmes sur les joues des fans qui vont devoir ressortir leurs disques car sur YouTube ou Deezer, sa musique est introuvable.

Après la mort de James Brown et celle Michael Jackson et Maurice White, Prince est parti. C’est une énorme partie de l’orchestre qui a rythmé nos soirées et nos nuits d’amour.

Quel priviliège nous avons eu de grandir avec sa musique et d’être les témoins de ses excentricités durant tant d’années !

Pour comprendre Prince, il faut comprendre qu’il était le musicien de toutes les transgressions. Entre 1978 et le début des années 2000, il s’est moqué de toutes les conventions, de toutes les normes et de toutes les frontières. Il a souvent été là où on ne l’attendait pas.

On a parfois dit que dans sa période la plus créative – les années 80 – il avait un temps d’avance sur les tendances musicales.

L’enfant de Minneapolis était aussi un chef de gang. Des dizaines d’artistes sont passés par ses équipes. L’homme était petit par la taille, grand par le talent : chanteur, batteur, pianiste, guitariste, auteur, compositeur, arrangeur, producteur, acteur, styliste, Paisley Park son complexe musical et les studios, salles de concerts et boîtes de nuit de sa ville resteront longtemps pour l’attester.

Dans la scène soul et funk des années 80, Prince était le bad boy et Michael Jackson l’enfant sage. Prince avait intégré l’aspect punk, glauque urbain des années 80 à sa musique et à son style. Son funk était agressif et lorgna très vite vers les accents rock des années Reagan. Les masques tombaient, il n’a rien fait d’autre qu’actualiser sans cesse le blues et ce qui en a découlé.

Car Prince fut la synthèse du Funk : sa voix sonnait comme Sly Stone, ses groupes ont toujours été « interraciaux » comme ceux de Sly, il pouvait jouer comme Jimi Hendrix ou se contenter d’un efficace riff « soul ». Il y avait aussi cette excentricité androgyne d’un Little Richard.

Dans les années 80, il usa et abusa du synthé, mais il su redonner leur puissance aux instruments traditionnels. Ce touche à tout était entourée d’une ribambelle de musiciens dont certains eurent leur moment de gloire. En effet, bien qu’on finit par l’appeler « The Artist », Prince animait une communauté de créateurs et d’interprètes. Lui-même aimait bien la polyphonie dans ses chansons.

Engagé à sa manière, Prince savait faire des chansons à message comme Ronnie talk to Russia, ou bien sûr le magistral Signs of the times. Cerveau pourpre, toujours en activité pour le bonheur des fous de musique.

Sheila E, Morris Day and the Time dont certains membres devinrent de grande producteurs de r’n’b comme Jam and Lewis qui travaillèrent notamment avec Janet Jackson, mais aussi Rosie Gaines, Appolonia, Vanity ou encore le duo Wendy and Lisa. Prince ne rompit jamais la chaîne du funk, travaillant avec Larry Graham, Maceo Parker, Mavis Staples et beaucoup avec George Clinton avec qui il partageait ce délire créatif sans limite. Let’s go crazy.

La légende de Prince c’est ce fameux concert au Palace où la poignée de spectateurs n’a probablement pas mesuré le moment historique qu’elle vivait. Trop rock pour les amateurs de soul, trop funky pour les fanas de rock, il se moquait des classifications musicales.

Il faut l’avouer, sa musique n’était pas toujours accessible au premier abord. Mais elle élevait à un certain niveau à la fois de transgression et d’irrévérence. Toujours visuelle.

Parlant de visuel, Prince s’essaya au cinéma. Je me souviens de soirées au Grand Rex où ses quatre films étaient projetés. Il fallait être fan pour pardonner la qualité cinématographique inégale, puisque seule comptait la prestation musicale. Purple Rain qui bien que très académique dans sa forme est une réussite fortement imprégnée de l’esprit sombre de ce début d’années 80 ; Under the Cherry moon avec la jeune Kristin Scott Thomas en 1986 relativement mégalo et kitsch pour rappeler l’amour que Prince vouait à la France ; Signs of the Times, le film concert d’un de ses meilleurs albums ; Graffiti Bridge, une suite-remake plus colorée de Purple Rain plus funk que rock. Et il faut ajouter à la liste Batman de Tim Burton et Girl 6 de Spike Lee en 1996 dont le « kid de Minneapolis » a signé la B.O.

Contrairement à Michael Jackson qui nous faisait patienter longtemps avait de sortir un disque, Prince était extrêmement fécond. Chaque année, un nouvel opus et entre 1981 et 1990, pas grand chose à jeter dans ses disques, c’est dire.

En 1988, le must c’était de mettre la main sur le Black album qu’on ne pouvait se procurer qu’illégalement. « Camille », un des nouveaux alias de Prince avait dit-on des centaines de titres enregistrés dans ses studios, de quoi faire encore des dizaines d’albums.

La puissance sexuelle de la musique de Prince est d'une rare intensité. Do Me Baby, Darling Nikky, Orgasm ou Get off sont les meilleurs aphrodisiaques musicaux qui soient.

Que peut-on en retenir ?

D’abord l’incroyable profusion de talent, le charisme d’un passeur qui fut assez secret pour ne jamais défrayer la chronique par ses frasques. Ensuite, sa musique est indéniablement la B.O. des années 80-90. Enfin, le fait que Prince s’est moqué du monde, ce monde où il faut être dans une case et ne pas en sortir pour ne pas déboussoler les bien-pensants.

Un de ses albums résume tout ça : Emancipation.

Thank you Prince, with you music « may we live to see the Dawn ».

Djoon nights

Quand je ne fais pas de politique, je me shoote à la soul. C'est une addiction et heureusement qu'il y a les soirées Motown de DJ Reverend du Djoon pour partager ce plaisir avec d'autres.

Dans les nuits de danse, la tendance n'est pas toujours à la qualité de la musique. On pourrait passer pour élitiste en évoquant ce concept, mais oui, la musique soul c'est toute une culture. C'est toute une histoire et on ne vit intensément cette musique et les vibrations qu'elle donne que lorsqu'on en descend un peu en profondeur.

J'ai découvert la Motown par la diffusion à la télévision du show pour les 25 ans du label de Detroit. C'était en 1983. Ce programme, présenté par Richard Pryor, est rarissime, mais ce qu'on en a retenu c'est la légendaire prestation de Michael Jackson sur Billie Jean avec en prime, le fameux mooonwalk qui y fut inauguré. Ce qui est aussi touchant, c'est que Marvin Gaye devait décéder l'année suivante.

Si les soirées Motown décevront les puristes tant les titres du label de Detroit sont pas forcément les plus joués, elles permettent quand même de se déhancher sur des chansons sur lesquelles il est si rare de danser.

Élitistes ces soirées car les "beautiful people" qui viennent ne sont là que pour le plaisir de la danser. C'est une piste de danse, pas un terrain de chasse où dragueurs post ados avinés, ou nymphomanes paumées viennent "s'éclater" quand d'autres viennent "danser" et jouir du plaisir d'entendre les lignes de basses, les accords de Fender Rhodes et les beats de batterie funky que le dj a le bon goût de mixer dans la fidélité la plus grande. Sauf le jour où, mal inspiré, il mixa Papa was a rolling stone dans un délire trip hop qui était une vrai transgression.

Car la soul de Motown est difficilement remixable. Le faire c'est l'appauvrir sauf à en faire des "extended mix" ces versions longues qui font durer le plaisir.

Le son Motown ne s'est pas limité aux compositions de Smokey Robinson ou à celles du trio Holland Dozier Holland. Il y a eu les titres du duo Ashford et Simpson et surtout celles, très funky de Norman Whitfield. Au Djoon, on fait dans la valeur sûre, connue et appréciée. Les Jackson Five, Marvin Gaye, Diana Ross, Stevie Wonder. On aurait pu y rajouter Edwin Starr... A la place, on a les classiques Salsoul et disco entre lesquels se glisse toujours un Maceo Parker.

Le son Motown était sous titré "la musique de la jeune Amérique". Il s'agissait de plaire à un public assez large. C'est pourquoi, le son de Detroit, plus urbain que celui de Stax à Memphis n'avait pas la crudité rauque du Sud, qu'il s'agisse du rhythm and blues de Rufus Thomas, Wilson Pickett ou Johnny Taylor ou du funk de James Brown.

Il a mis du temps à se politiser comme la soul de Chicago incarnée par Curtis Mayfield et la foule de protégés qu'il produisait sur son label, Curtom.

Ce genre de soirée attirant les connaisseurs et les puristes ou ceux et celles qui aiment juste ce son fait un bien fou. Les trois quart des titres sur lesquels on danse sont des classiques ou des titres appréciés, puis il y a nécessairement des trouvailles, mais aussi, disons le, des facilités. Mais c'est bien normal : dans une soirée consacrée à Stevie Wonder, en l'occurrence la dernières, j'ai été amusé d'entendre à côté des classiques Sir Duke, Isn't she lovely ou I Wish, La reprise de Respect ou We can work it out. Mais pas Contusion ou Shoo be doo be doo da day qui est un tempo lent très efficace.

Les amateurs de funk trouveront bien sûr leur compte. Si je n'ai pas encore bougé sur Bustin' out de Rick James ou sur Love Machine, Brick House ou Gonna give it up ont enflammé la salle plusieurs fois. En attendant un jour une rafale d'Edwin Starr (25 miles, Big Papa ou funky music sho' nuff turns me on) ou des compositions de Norman Whitfield dont l'œuvre ne se limite pas aux efficaces tubes de Gladys Knight and the Pips ou des Temptations. En effet, le bonhomme a commis l'efficace bande originale de Car wash.

La grande audace des concepteurs des soirées Motown du Djoon, c'est d'avoir conçu, à côté des spéciales Michael Jackson ou Stevie Wonder, des spéciales Marvin Gaye. Le "lover écorché" qui en fit frétiller plus d'une dans les années 70 a en effet conçu une musique dont la force érotique est telle qu'on imagine mal trois heures de termpos lents et suaves, aux formules suggestives. Qu'on se rassure, les morceaux les plus "hard" sont pour les vrais connaisseurs qui ne peuvent en profiter que dans des after avec l'être aimé(e). Ca a un charme désuet, mais à la lumière bleue en rentrant du Djoon, ça doit faire son effet... Pour ceux qui ça intéresse, écoutez donc l'intégralité de l'album I Want You... donc le jumeau est le Musical Massage de Leon Ware. Tout un programme.

Iréel

Plusieurs personnes rencontrées aujourd'hui ont raconté qu'elles avaient vu des jeunes de vingt ans voire moins, tristes d'apprendre la mort de Michael Jackson. Certains, en larmes. Quelle époque vivons-nous où James Brown, Isaac Hayes et maintenant lui, nous quittent comme cela !

Il y a de quoi être fier d'avoir grandi avec sa musique. En 1982 nous avions 10 ans. En Martinique la télé était encore à l'âge de pierre et nous avions des bribes de cette "jacskonmania" qui commençait à secouer le monde. Avant d'avoir suffisamment d'argent de poche pour nous payer les disques, nous faisions avec les moyens du bord : enregistrements de cassettes de fortune, duplications, recupération avec des astuces de fortune le son de la télé... D'ailleurs, beaucoup de ces enregistrements vaudraient de l'or puisqu'ils sont rares. Comme le concert de 1975 à Mexico ou les images de la tournée de 1987-1988...

Alors que le monde va célébrer les 40 ans des premiers pas de l'homme sur la lune l'inventeur du moonwalk s'en est allé dans les étoiles. Ironie quand tu nous tiens...

A l'écart de l'avalanche de réactions et de commentaires, la plupart des gens ont eux la même idée, la seule qui vaille, écouter sa musique. Une musique autant visuelle que sonore. Visuelle avec ce corps qui donne le sentiment d'être complètement désarticulé et capable de toutes les audaces physiques au service de la danse, un vrai paradoxe pour ce personnage qui n'incarnait pas la puissance virile... Mais cette dimension androgyne a toujours existé dans la musique afro-américaine. Dans les groupes de doo wop et de rhythm and blues, il y a toujours eu un chanteur à la voix de fausset. Michael Jackson, bien qu'il révolutionna la musique populaire contemporaine, puisait dans les grands classiques. Il cultivait cette dualité si typique de la musique afro-américaine. L'inspiration du gospel - sa famille appartenait à l'église des Témoins de Jehova et l'attraction pour le "côté obscur", la "musique du diable" comme on dit... C'est ainsi que dans tous ses albums solo à partir de 1987, il y a une chanson "inspirée" comme le faisait depuis longtemps Stevie Wonder. Par exemple Man in the Mirror où l'on retrouve la chorale d'Andraé Crouch ou bien Will you be there sur Dangerous.

De l'autre côté, Thriller a frappé les esprits tant par la perfection qui pour l'époque était révolutionnaire, alors que de nos jours, même avec la banalisation des effets spéciaux dont on pouvait d'ailleurs percevoir les excès dans ses derniers clips, reste un chef d'œuvre inégalé.

La dualité était aussi sexuée car ce côté androgyne a toujours été fréquent. De Little Richard à Jimmy Scott sans oublier bien sûr Prince, le flou entre la virilité d'un côté et la féminité de l'autre était entretenu. Pour le coup, alors que la musique noire venait de connaître avec la révolution de la soul des années 60 et 70, l'affirmation de l'Homme ou de la femme noir, et que les rappeurs entrenaient une forme de machisme ou que des crooners comme Luther Vandross ou Teddy Pendegrass régalaient ces dames, un frèle jeune homme venait tout bousculer.

La dualité était bien sûr raciale. Michael Jackson fut, pour notre génération, un héros noir alors même que déjà, en 1983-1984, la polémique était là sur les opérations de chirurgie esthétique... Quincy Jones a dit de lui qu'il avait montré jusqu'où un noir pouvait aller. Pour le coup, il a incarné, volontairement ou non la contradiction inhérente à l'homme noir à l'épreuve du "monde des blancs" : être soi-même tout en subissant une crise identitaire récurente. Michael Jackson est un enfant de l'écurie Motown - deuxième époque. En 1969, le studio de Detroit vit ses dernières heures. Bientôt, tout le monde déménage à Los Angeles. Motown a toujours été moins "roots" que Stax et il est vrai que les Jackson Five sont un groupe d'enfants pour les enfants. certes, ils reprennent les classiques de l'époque dont le génial People make the world go 'round des Stylistics, mais ils ne feront jamais vraiment de chansons engagées avant We are the world. D'ailleurs, quand le groupe quitte Motown en 1976, le disco a déjà démarré...

Michael Jackson joue avec des musiciens de tous bords. Lui et ses frères ne sont pas des intégristes du funk contrairement à Kool and the Gang. Pour Triumph, Victory et Thriller, il joue avec les musiciens de Toto, Mick Jagger et Paul McCartney. Mais son succès, parce qu'il est noir, en fait un héros alors que nous sommes dans les années Reagan. C'est l'époque d'Arnold et Willy. On revendique moins, mais d'une certaine manière, on s'installe. Jesse Jackson est candidat aux primaires démocrates et il écrit des pages d'histoire en 1984 et 1988. Le Cosby show bat des records d'audience...

Le chanteur qui a longtemps noué une amitié très forte avec Diana Ross, est ami de Tatum O'Neal et Brooke Shield. Il est l'ami des stars. Avant lui, seul Sammy Davis avait réalisé ce "crossover". Il s'approprie en réalité ceux qui ont fait de Hollywood cette usine de rêve, Cary Grant, Marlon Brando et bien sûr, Liz Taylor. Mais dans les années 90 et 2000, il n'a jamais raté une occasion de faire des trucs avec des grandes stars noires du moment : Spike Lee, Eddie Murphy, Magic Johnson, Michael Jordan ou encore Chris Tucker...

La dualité qui est bien sûr la plus connue et la plus controversée est celle qui opposa l'enfant à l'adulte. La voix sembla ne jamais muer... En tout cas, il chanta toujours dans le même registre, ce qui fit d'ailleurs partir en conjecture une certaine presse qui ne lâcha jamais sur les opérations chirurgicales, les manipulations du père etc... Il est vrai qu'en comparaison avec ses frères, l'avant dernier garçon fut toujours le plus frêle. A l'instar d'un Prince qui fut une sorte d'alter ego ou de rival dans les années 80, il ne fut jamais un mâle velu, sauf quand il se transforme à la pleine lune... Il n'y eut que Thriller d'ailleurs pour choquer les bons chrétiens car Michael Jackson ne fut jamais un vrai méchant. Alors que le Kid de Minneapolis heurtait les bonnes mœurs de l'Amérique néo-conservatrice... La polémique fut telle, que Michael Jackson inséra en prologue du clip qu'il ne croyait pas dans les sciences occultes. De tout temps, les esclaves mélangeait cultes africains, sorcellerie et bondieuseries pourtant  et Screamin' Jay Hawkins en fut un des derniers témoins avec son célèbre Henry, un crâne monté sur une canne...

Si dans les années 70 et début 80, il fut dans le classique, côté look, il ne suivit jamais la tendance "black". Il avait imposé un style vestimentaire très inspiré des années 50 et bien sûr, de la pègre...Ce hors mode, on le recopiait quand on allait en soirée... Bien sûr, on n'oserait pas les chaussettes blanches de nos jours !

Iréel ! Eh oui... Encore et encore. Il est mort comme il a vécu, en secouant le monde.

Stax is Back

Quelle meilleure manière de fêter ses cinquante ans que celle qui consiste à connaître une seconde vie ? C'est ce qui arrive à la maison de disques Stax, basée à Memphis, Tennessee.

Rare sont les labels qui évoquent par leur nom seulement, l'idée qu'on peut acheter un disque les yeux fermés. Il y a Motown, Blue Note ou Sun, l'autre légende locale. c'est à peu près tout...

Le label Satellite créé en 1957 par la famille Stewart-Axton (qui devait donner le nom Stax, avait innonvé par le fait qu'en plein Sud, il faisait de la bonne musique sans s'occuper de la couleur. La ville de Memphis d'ailleurs montre bien encore aujourd'hui combien l'imbrication entre les Noirs et les Blancs, liée à l'histoire sociale et économique de la région faisait de la fin de la ségrégation, une perspective inéluctable.

Pour mémoire, Stax était avec Motown, l'autre grande maison de disques "noire". Plus crue et plus racée que le son Motown, le son Stax était le fruit de son cadre. La ville de Memphis était elle aussi une capitale, celle de la musique. Elle n'avait pas grand chose à envier à Nashville ou à la petite ville de Muscle Shoals dans l'Alabama qui a lié son nom aux meilleurs enregistrements d'Aretha Franklin ou Bob Dylan.

Dans cette ville cohabite une classe ouvrière et paysanne blanche et noire. Très croyante. Comme dans pas mal d'autres villes, les églises, on en trouve à coins de rue et même si tous adorent le même Dieu, il ne le font pas ensemble. Il y a aussi les lieux de perdition sur Beale Street où on joue le soir dans des endroits pas possible. Les juke joints. Où la musique est aussi bonne que la bouffe faite de pains de maïs, de black eyed peas, de patates douces ou queue de porc et autres ingrédients de la soul food...

Le blues, le jazz, le gospel cohabitent avec la country et ce mélange va donner dans les années 40 deux genres musicaux déterminant pour la musique de danse. Le rhythm and blues et le boogie woogie. Le rhythm and blues devient très vite la musique sur laquelle les Noirs dansent. Ils s'y identifient et la force qu'on y trouve, l'énergie rythmique, l'humour, le côté glauque aussi qui environne la création et l'expression de cette musique... Dans leur argot les mots soul (âme, manière d'être "noir") ou funky (amusant, déguelasse) apparaissent vite. Parce que la ferveur du gospel n'est jamais loin, cette musique devient aussi une musique de protestation et elle va témoigner des bouleversements politiques et sociaux qui touchent les Etats-Unis depuis les années 60.

Comme souvent, l'apogée fut atteint au tournant des années 70, mais dès le milieu de la nouvelle décennie, il fallut mettre la clé sous la porte.

Désormais, la soul s'effaçait devait la soupe que servait le disco. Bien sûr, il y eu la sortie du film, The Blues Brothers au début des années 80, mais ce n'était là que l'expression d'une mode nouvelle, le revival où on fait revenir des vétérans sur scène pour des reprises. Mais il n'y eut plus de création notable.

Et puis certains se mirent à mourir. En 1967, tout le monde avait été effondré par la mort accidentelle d'Otis Redding et de son groupe. Depuis, c'est le Dave de Sam & Dave, Roebuck "Pops" Staples ou Albert King et Rufus Thomas qui sont décédés. Mais, la plupart des musiciens sont encore vivants, voire, en activité comme Eddie Floyd, Sam Moore, Steeve Cropper ou Mavis Staples...  Stax avait été distribué par Atlantic dans les années 60, puis par un groupe qui comprenait aussi la MGM. Quand le label fit faillite, son catalogue fut repris par Fantasy qui fut à son tour racheté par Concord, qui appartient à Universal.

Concord a annoncé la relance du label et de nouveaux albums à venir sous la marque aux claquement de doigts. En clair, de nouveaux artistes, de nouvelles chansons, bref, une résurrection. Dans le nouveau catalogue ? Angie Stone, Soulive, un album de reprises des compositions de Maurice White, le génial grand prêtre d'Earth, Wind and Fire qui a du se retirer du métier pour cause de santé et, last but no least, Black Moses himself, Isaac Hayes. Rien que ça...

Quelle meilleure manière de fêter ses cinquante ans que celle qui consiste à connaître une seconde vie ? C'est ce qui arrive à la maison de disques Stax, basée à Memphis, Tennessee.

Rare sont les labels qui évoquent par leur nom seulement, l'idée qu'on peut acheter un disque les yeux fermés. Il y a Motown, Blue Note ou Sun, l'autre légende locale. c'est à peu près tout...

Le label Satellite créé en 1957 par la famille Stewart-Axton (qui devait donner le nom Stax, avait innonvé par le fait qu'en plein Sud, il faisait de la bonne musique sans s'occuper de la couleur. La ville de Memphis d'ailleurs montre bien encore aujourd'hui combien l'imbrication entre les Noirs et les Blancs, liée à l'histoire sociale et économique de la région faisait de la fin de la ségrégation, une perspective inéluctable.

Pour mémoire, Stax était avec Motown, l'autre grande maison de disques "noire". Plus crue et plus racée que le son Motown, le son Stax était le fruit de son cadre. La ville de Memphis était elle aussi une capitale, celle de la musique. Elle n'avait pas grand chose à envier à Nashville ou à la petite ville de Muscle Shoals dans l'Alabama qui a lié son nom aux meilleurs enregistrements d'Aretha Franklin ou Bob Dylan.

Dans cette ville cohabite une classe ouvrière et paysanne blanche et noire. Très croyante. Comme dans pas mal d'autres villes, les églises, on en trouve à coins de rue et même si tous adorent le même Dieu, il ne le font pas ensemble. Il y a aussi les lieux de perdition sur Beale Street où on joue le soir dans des endroits pas possible. Les juke joints. Où la musique est aussi bonne que la bouffe faite de pains de maïs, de black eyed peas, de patates douces ou queue de porc et autres ingrédients de la soul food...

Le blues, le jazz, le gospel cohabitent avec la country et ce mélange va donner dans les années 40 deux genres musicaux déterminant pour la musique de danse. Le rhythm and blues et le boogie woogie. Le rhythm and blues devient très vite la musique sur laquelle les Noirs dansent. Ils s'y identifient et la force qu'on y trouve, l'énergie rythmique, l'humour, le côté glauque aussi qui environne la création et l'expression de cette musique... Dans leur argot les mots soul (âme, manière d'être "noir") ou funky (amusant, déguelasse) apparaissent vite. Parce que la ferveur du gospel n'est jamais loin, cette musique devient aussi une musique de protestation et elle va témoigner des bouleversements politiques et sociaux qui touchent les Etats-Unis depuis les années 60.

Comme souvent, l'apogée fut atteint au tournant des années 70, mais dès le milieu de la nouvelle décennie, il fallut mettre la clé sous la porte.

Désormais, la soul s'effaçait devait la soupe que servait le disco. Bien sûr, il y eu la sortie du film, The Blues Brothers au début des années 80, mais ce n'était là que l'expression d'une mode nouvelle, le revival où on fait revenir des vétérans sur scène pour des reprises. Mais il n'y eut plus de création notable.

Et puis certains se mirent à mourir. En 1967, tout le monde avait été effondré par la mort accidentelle d'Otis Redding et de son groupe. Depuis, c'est le Dave de Sam & Dave, Roebuck "Pops" Staples ou Albert King et Rufus Thomas qui sont décédés. Mais, la plupart des musiciens sont encore vivants, voire, en activité comme Eddie Floyd, Sam Moore, Steeve Cropper ou Mavis Staples...  Stax avait été distribué par Atlantic dans les années 60, puis par un groupe qui comprenait aussi la MGM. Quand le label fit faillite, son catalogue fut repris par Fantasy qui fut à son tour racheté par Concord, qui appartient à Universal.

Concord a annoncé la relance du label et de nouveaux albums à venir sous la marque aux claquement de doigts. En clair, de nouveaux artistes, de nouvelles chansons, bref, une résurrection. Dans le nouveau catalogue ? Angie Stone, Soulive, un album de reprises des compositions de Maurice White, le génial grand prêtre d'Earth, Wind and Fire qui a du se retirer du métier pour cause de santé et, last but no least, Black Moses himself, Isaac Hayes. Rien que ça...

James Brown est décédé

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…

L’autre jour c’était Ray Charles, ce Noël, ce fut James Brown… la soul music perd un à un ses parrains et ses pionniers et James Brown n’était pas le moindre…

On ne sait plus s’il est né en 1928 ou en 1933. Mais ce qui est sûr c’est que c’était à Augusta en Géorgie, il l’a assez dit dans ses chansons. Une enfance malheureuse comme c’était le lot quotidien du nègre dans le Sud des Etats-Unis. La débrouille, la délinquance, la boxe, la musique à l’église et le blues dans les tripots… En 1956, un premier succès, Please, please, please et le train démarre.

James Brown tourne avec les Famous flames enchaînant pendant dix ans avec King records les tubes de rhythm and blues.

En 1966, il enregistre It’s a man’s man’s world. Un succès planétaire qui constitue avec I feel good et Papa’s got a brand new bag ses grands classiques des années 60.

L’explosion vient de Cold sweat en 1967 dont le rhythme obsédant annonce le funk des années 70. Il fait un concert mémorable à l’Apollo theater à Harlem cette même année. En 1968, après l’assassinat de Martin Luther King, les ghettos sont en flammes. A Washington, James Brown paye de sa personne pour ramener le calme. En pleine période de protestation, il compose la chanson « Say it loud, I’m black and I proud ».

Le groupe de James Brown est alors déjà légendaire. Depuis 1965 sont passés les saxophonistes Alfred « Pee Wee » Ellis et Maceo Parker, le bassiste Williams « Bootsy » Collins, les batteurs Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks », le guitariste « Phelps » Collins, le tromboniste et chef d’orchestre Fred Wesley, le trompettiste St. Clair Pickney ou les chanteurs Bobby Byrd et Sweet Charles. C’est aussi une entreprise : des radios une maison de disque, des contrats en or avec Polydor, une rampe de lancement pour des chanteuses comme Marva Whitney et surtout Lynn Collins (le fameux « Think »). Tyrannique, il fait payer des amendes à ceux de ses musiciens qui font des fausses notes !

Le funk de James Brown devient une référence et un style à part. Il signe la musique de films de l’ère de la blaxploitation comme Black Caesar, Hell up in Harlem et Slaughter. James Brown fait partie du concert légendaire de Kinshasa qui accompagne en 1974 le combat Ali-Foreman.

La vague disco engloutit presque tout sur son passage et il faut attendre le film de John Landis, les Blues Brothers pour rendre un hommage appuyé au Godfather en soul qui fait une apparition sous la robe d’un révérend.

A partir des années 80, James Brown n’est plus le créateur d’une musique sans cesse renouvelée. Il fait tourner sa machine avec un show à l’américaine dont « Living in America » est l’expression la plus connue. Remis au goût du jour par les rappeurs, le son de James Brown régulièrement samplé est devenu une référence pour les connaisseurs.

L’avènement de la vague « Acid Jazz » et la notoriété de Maceo Parker qui se lance dans des tournées européennes à partir des années 90 redonne une nouvelle jeunesse au son de James Brown dont les nouveaux enregistrements restent néanmoins moins moins bons que ceux qui firent la légende.

Paradoxalement, James Brown n’est pas revenu aux sources comme Rufus Thomas ou Isaac Hayes à la fin de sa carrière.

Les cris, les pas de danse, la musique, s’il n’y avait pas eu James Brown, il n’y aurait pas eu la soul que nous connaissons aujourd’hui. De Michael Jackson à Prince, de Jamiroquai à Public Enemy, on a tous en nous quelque chose de JB…