Soul Blog

Quincy Jones… The Dude

Depuis le 21 septembre, on peut voir sur Netflix, un excellent documentaire sur Quincy Jones. Réalisé par une de ses filles, le doc, revient sur l’extraordinaire carrière d’un personnage dont la vie et l’œuvre sont une sorte d’odyssée de la musique américaine.

La liste des personnes avec lesquelles il a travaillé depuis trois quarts siècles donne le tournis, tant elle est riche de noms légendaires. Il a travaillé avec les plus grands, mais il a aussi donné leur chance aux plus petits, car il n’a jamais oublié d’où il vient.

Un pt’it gars de Chicago, privé de sa mère à cause de la maladie. Il aurait pu mal finir si la musique ne l’avait pas sauvé.

Direction Seattle, puis New York, puis le reste du monde. Né dans l’Amérique des années trente, celles de la Grande dépression, il sait qu’on achève bien les chevaux et qu’on lynche bien les nègres. Qu’ils sont les victimes à la fois de racisme, criminalité, drogue, alcool, relégation.

Si les jazzmen amusent les Blancs, les restaurants ou les hôtels restent ségrégés, même dans ce Las Vegas naissant et s’il n’y avait pas eu un autre métèque, Sammy Davis ou Count Basie, mais aussi les autres, auraient continué à faire les frais de ce racisme imbécile de ces amateurs de jazz qui ne veulent pas de l’égalité pour les musiciens. Le bienfaiteur est un rital, Frank Sinatra. Comme quelques années plus tôt, quand un autre métèque, Al Jolson, celui qui connu la gloire en incarnant, le visage maquillé « le Chanteur de jazz », le premier film parlant de l’histoire du cinéma ! Al Jolson, pardon, Asa Yoelson est le fils du rav Moïse Rubin Yoelson, un hazan qui fait aussi office de mohel originaire d’un shtelt de Lituanie…

Quincy Jones apprend quasiment tout de son grand frère en blues, Ray Charles qui cumule le handicap d’être noir et aveugle, de Lionel Hampton, de Clark Terry… Il traine à New York dans la génération Birdland. Ce club fondé par les frères Levy en l’honneur de Charlie Parker. Il y côtoie Clifford Brown, disparu trop tôt, Miles Davis, Dizzie Gillespie… Ces jeunes gens ont inventé le be-bop, une révolution musicale et culturelle !

En effet, tout le monde s’est approprié le jazz, très vite et le swing des grands orchestres, ceux de Jimmy Lunceford, de Benny Goodman ou de Glen Miller a commencé à devenir un peu académique, même s’il bouge bien. Le Bop consiste finalement à se réapproprier la partie « sauvage » et à chaque fois, le jazz connaîtra ces cycles. Il ne veut pas de limites !

Dizzy Gillespie s’intéresse aux rythmes latins et il va bientôt inventer l’afro-cubain, avec notamment un titre, « Manteca » que Quincy Jones fait sien au début des années soixante dix en mélangeant ces sons latins au funk… Excellent !

A la fin des années 40, Miles a proclamé la naissance du cool que les musiciens blancs de la côte ouest adoptent massivement tant elle colle au style californien.

Quincy Jones a lui aussi son orchestre. Avec lequel il voyage en Méditerranée et en Europe.

Comme tous les musiciens de jazz, il trouve dans la France une seconde patrie. On est à la fin années 50- début années 60, Paris se passionne depuis longtemps pour cette musique de nègres. Mais pour lui, il ne s’agit pas seulement d’écumer les salles de concerts, il veut aussi progresser. Il va suivre les cours d’une grande dame de la théorie musicale, Nadia Boulanger et faire la connaissance d’un homme incontournable pour la musique, Eddie Barclay.

« Q » comprend assez vite que la musique est aussi affaire de fric. La rencontre avec la grande Dinah Washington lui ouvre les portes du milieu des arrangeurs pour une grande maison de disques, Mercury dont il devient un des cadres, pour la première fois, un noir. Faire du fric, c’est aussi toucher à la pop, cette musique qui se vend. Et avec lui ça marche. Mais ce touche à tout ne s’arrête pas.

La rencontre avec Sinatra lui ouvre les portes de l’Ouest, Vegas, et bientôt L.A. où, à Hollywood, il va faire comme Henry Mancini, écrire des musiques de film. Lui est noir, mais il y a des gens qui ne le croient pas capable d’écrire pour les salles obscures ! Racontez ça aux fans d’Austin Powers, ils ne vous croiront pas.

La carrière de compositeur pour film est émaillée de succès. Tout au long de sa carrière hollywoodienne, il a aura travaillé avec Sidney Lumet, John Landis, Norman Jewison, Steven Spielberg, Edward Dmytryk, Sidney Pollack, Richard Brooks, Sam Peckinpah…

Arte a également diffusé un petit documentaire sur sa carrière de compositeur de musique de film.

Faire des musiques de film dans les années 60 c’est transmettre aussi ce cinéma qui bouge et qui s’imprègne d’une société en ébullition.

A la fin des années 60, il revient à la production via un passage par la télévision où il écrit la B.O. de l'Homme de fer ("Ironside"), du show de Bill Cosby et surtout la série Sandford and Son avec Red Foxx. Le thème, "The streetbeater" est typiquement dans la veine du rhythm and blues funk de ces années où l'ensemble de la musique afro-américaine est révolutionné de fond en comble.

En 1969, Walking in Space fait un clin d'œil évident à Hair, mais aussi au nouveau gospel revisité par des chefs de chœur de talent comme Edwin et Walter Hawkins. Quincy Jones reprend en effet à la fin Oh Happy Day. Le personnel invité est la "crème de la crème" de ces musiciens qui seront incontournables dans les productions de Creed Taylor sur son label CTI qui propose un jazz fusion, électrique et éclectique dont Eumir Deodato et George Benson seront les plus belles réussites. 

Pour le moment, on retrouve pas moins d'une dizaine de grands noms de sidemen prestigieux comme Roland Kirk, Hubert Laws, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Bob James, Eric Gale, Toots Thielemans, Ray Brown, Bernard Purdie ou encore Grady Tate.

Les années 70 voix encore d'autres belle perles dans lesquelles il y a à la fois la mise en avant de chanteurs qu'il découvre ou qu'il apprécie comme Patti Austin, Leon Ware ou encore James Ingram, et des reprises de Stevie Wonder.

C'est simple, la plupart des grands noms du jazz et du rhythm and blues des années 50 aux années 2000 a travaillé avec Q au moins une fois...

Le documentaire plonge dans l'intimité et il révèle les failles d'un homme qui, à cause de l'exceptionnelle longévité de sa carrière, a aussi vu mourir ses copains. C'est un des moments poignants du film quand on écoute un hommage que lui rend Ray Charles, quand il évoque ceux qui sont partis avant lui... Al Jarreau, Michael Jackson, Rod Temperton, Miles, etc...

Tout aussi poignante la rencontre avec les rappeurs : Chuck D, Kendrick Lamarr comme autant de passages de témoins entre les générations, "from Be bop to hip hop"...

Voyez donc ce documentaire sur un géant qui est aussi un passeur.

Surtout, ce 27 juin, "Q" se produit à Paris. Un rendez-vous à ne pas manquer. Depuis les années 50, Paris a constitué à plusieurs reprises une étape dans son parcours. D'abord les cours d'orchestration qu'il a suivi avec Nadia Boulanger, son amitié avec Eddie Barclay puis plusieurs tournées. Il a même été décoré par Jack Lang. Bref Quincy Jones à Paris, quelques jours après le décès de James Ingram et le dixième anniversaire de la disparition de Michael Jackson, c'est Dreamsville sur Seine, le temps d'un soir.

Amplify my soul

La « Motown Party » nouvelle manière le 10 février avait pris possession du Réservoir dans le onzième arrondissement de Paris.

Expérience intéressante : si on met de côté le fait qu’il faut s’habituer à de nouveaux lieux, à plus de lumière, la transition était un peu rude, mais ce n’est de la faute de personne.

Arrivé un peu tôt, nous nous sommes retrouvés en plein concert « live » des Cochons dans l’espace. Le groupe, pas les marionnettes des Muppets. On était venu pour sa dose de « groove » mensuelle et on se retrouve dans une énergique prestation de rock années 60-70 avec d’excellentes reprises de classiques de Led Zep et d’autres.

L’occasion d’évoquer ce que certains journalistes ont appelé la « blue eyed soul », de la musique « noire » jouée par des blancs ». L’intérêt ? Surtout rendre hommage à d’excellents groupes qui ont marqué cette musique, plutôt que noter bêtement ce « cross over » puisque, vraiment, la musique est sans frontière.

Encore qu’il faut toujours rappeler que pour en arriver là, le rhythm and blues a dû se nourrir de souffrance en plus de mélanges. La traite négrière, la ségrégation, la misère, les difficultés sociales, le sexisme… Voilà pourquoi la jeunesse ouvrière d’Angleterre s’est reconnue dans cette musique à l’image d’un Joe Cocker ou d’un John Lennon qui d’ailleurs avait composé un morceau au titre évocateur « Working class hero ». Oui, ce sont des musiques populaires qui traduisent les racines modestes de musiciens, de danseurs qui n’ont jamais oublié d’où ils venaient. Et nous même, qui écoutons ces musiques, nous sommes assez vieux pour avoir connu, comme nos parents, l’art d’économiser pour acheter, en occaz tel ou tel album chez un disquaire bien fourni.

La soul est donc « color blind »

En 1957, ce sont deux Blancs, Jim Stewart et sa sœur Estelle Axton qui fondent un label de musique à Memphis qui va marquer son époque. Stax. La contraction des deux premières lettres de leurs noms. Le mélange sera toujours leur carburant. Essentiel dans ce Sud où à l’époque, la ségrégation existe encore. Mais pas dans les studios où Steve Cropper et Duck Dunn deviennent les piliers incountournables des tubes de Stax. Hommage leur est rendu dans la saga des Blues Brothers.

Il y a 50 ans, à Oakland en California se formait la machine Tower of Power, toujours active avec une efficace section de cuivre et qui a aussi joué avec Elton John ou Paul Abdul…

Dans les années 70, le groupe Average White Band « déchire ». Ces Ecossais sont à l’origine de classiques comme « Cut the Cake », « Pick up the Pieces » ou le super dansant « Let’s go ‘round again ».

Wild Cherry fut aussi un de ces groupes connus pour un seul tube, bien que leur carrière ne se limite pas là. « Play that funky music » (« white boy ! ») a l’agressivité lourde d’un funk du ghetto au temps du disco.

Et que dire de Dan Hartman déjà évoqué, le regretté Rod Temperton qui, après son groupe Heatwave, a donné à nos oreilles, Thriller et d’autres perles produites par Quincy Jones et chantées par Michael Jackson !

P.S. Amplify my soul est un super album d’Incognito, ce groupe britannique qui tourne depuis bientôt 40 ans et qui a connu la notoriété avec la mode de l’acid jazz dont on reparlera bientôt.

La "Motown Party" se réserve le Réservoir

Après les années Djoon, la Motown Party va poursuivre l'aventure au Réservoir, un lieu bien connu des habitués de la nuit parisienne. Avant on se faisait embastiller pour avoir commis des écrits subversifs, aujourd'hui, la Bastille, c'est là où ça frétille sur des rythmes bien comme il faut, notamment sur les pistes du Sanz, du Barrio Latino, de la Chapelle des Lombards ou encore du Badaboum.

Probablement qu'on entendra ce que j'ai identifié comme le "top 5" des titres que DJ Reverend P se fait un plaisir de passer. Un Top 5 qui couvre la diversité des styles et des époques. L'ordre est aléatoire. Découvrez et faites-vous plaisir.

1. Maceo Parker : Pass the Peas (1994) - L'ancien saxophoniste de James Brown avait poursuivi sa carrière de sideman avec George Clinton et fait quelques apparitions ici et là. Dans une sorte de vogue "revival", il sort quelques albums solo dans les années 90 qui lui donnent en Europe une notoriété qui ne se dément pas. Le concert qu'il donne à Cologne (eh oui, il n'y a pas que Keith Jarrett !) avec deux autres vétérans comme lui, Fred Wesley (qui sera en concert à Paris le 14 avril prochain au New Morning avec son groupe "The New JB's) et Pee Wee Ellis. Sous le slogan "2 % jazz, 98 % funky stuff", Maceo avait repris le Pass the Peas des JB's (sorti en 1972). "Pass the Peas" qu'on peut bêtement traduire par "passe les pois" est un de ces titres dans lesquels James Brown rendait hommage à la soul food. Cette cuisine familiale du sud des Etats-Unis d'où étaient originaires la majorité des musiciens du Godfather. Dans plusieurs morceaux, on l'entend énumérer les plats incontournables comme le pain de maïs (cornbread) ou le poulet frit... L'expression peut aussi désigner dans un jam, le moment où chaque musicien se passe le solo... Dans la version de 1994, Maceo Parker reprend aussi deux passages de grands classiques de sa période P Funk avec George Clinton et ses groupes de déjantés Parliament-Funkadelic. Un extrait du rap de "Let's take it to the stage" suivi de la partie chantée de "P. Funk (Wants to Get Funked Up)".

2. Stevie Wonder : Do I Do (1982) - Ce titre fleuve (plus de dix minutes) aux saveurs brésiliennes accueille comme invité de marque, Dizzy Gillespie et sa fameuse trompette. Sorti sur la compilation Original Musiquarium on y entend aussi Stevie Wonder raper. On est dans les premières années où le grand public a découvert le hip hop. Le bassiste s'appelle Nathan Watts, un des acolytes de Stevie Wonder l'intro de "I Wish" - il commet un excellent solo de basse sur ce titre et on l'entend aussi sur Destiny et Triumph des Jacksons...

3. Double Exposure : My love is free (1976) - Typiquement "Salsoul" avec son intro aux cordes, ce titre d'un groupe venu de Philadelphie, qui a donné, on le sait beaucoup à cette musique dans les années 70 avec les productions de Gamble & Huff pour CBS et qui constituent une sorte de pont entre la soul funk du début des années 70 et le disco, est aussi joué dans un mix fleuve qui produit bien plus de frissons et de jouissance que n'importe quelle pilule ! Bien que les structures harmonique et la mélodie soient basiques et pas spécialement élaborées, il y a indéniablement un "groove" ravageur.

4. Diana Ross : The Boss (1979) - Le titre phare de la Diva de la Motown à la fin des années 70 était une des incursions de cette bande là dans l'univers disco. Cela avait commencé trois ans plus tôt avec "Love Hangover". C'est encore une des productions du duo Nick Ashford et Valerie Simpson qui, depuis la fin des années 60, font des merveilles. les titres de Marvin Gaye avec Tami Terrell en 1967, c'est eux, "I'm every woman" de Chaka Khan, c'est encore eux. Bientôt, c'est Nile Rodgers de Chic qui viendra donner un coup de main à Diana Ross avec "Upside down"...

5. Loleatta Holloway : Love sensation (1980) - ce tube porte la marque de fabrique "sasoul". Parfaitement formaté pour les pistes de danse, il a connu une fortune particulière à la fin des années 80. A cette époque, l'explosion de la House music et le renouveau de la "dance" ont produit en nombre des groupes comètes qui n'ont eu de succès que le temps d'un tube resté plusieurs semaines dans les hit parades. En 1989, on dansait sur "Ride on time" d'un obscur groupe italien qui faisait croire que sa chanteuse était noire. Black Box avait conquis les charts avec ce tube, jusqu'à ce qu'on découvre qu'il ne s'agissait ni plus ni moins d'un remontage de la chanson originale avec quelques fioritures d'époque... Les connaisseurs ne s'y étaient pas trompés, mais les jeunes qui étaient enfants à l'époque n'y avaient vu que du feu... Justice fut rendue. Mais la leçon, c'est que certains styles musicaux ou certains titres peuvent traverser sans une ride les vicissitudes des modes."Love sensation" est une création de Dan Hartman ("Instant replay" et mixé par Tom Moulton, une référence du métier.

Voilà, c'est fini pour aujourd'hui... Mais le réservoir est encore bien plein.

Don't look any further... RIP Dennis Edwards

L'ancien chanteur des Temptations, Dennis Edwards, est décédé le 1^er février. C'était la voix rocailleuse que l'on entend sur les titres de la période Whitfield Strong, celle qui court de 1968 à 1974 et dans les années qui suivirent, entre quelques ruptures. Il avait remplacé david Ruffin, le charismatique et torturé "lead singer" dont le divorce avec le groupe fut douloureux. Viril, drôle, il avait ce style classique du "shouter" que l'on retrouve dans musique populaire afro-américaine. Depuis les prédicateurs baptistes aux musiciens contemporains en passant par Screamin' Jay Hawkins, Wilson Pickett, James Brown ou encore Joe Tex.

Dennis Edwards rejoignit donc le plus viril des groupes masculins de la Motown qui rivalisait avec les Four Tops. Le seul membre de la grande époque, encore actif est Otis Williams. Avec le décès d'Edwards, tous les autres membres de la période Motown sont décédés. Mais ils ont marqué leur époque. Le falsetto d'Eddie Kendricks, la voix de baryton de Paul Williams - qui était atteint de drépanocytose, la basse profonde de Melvin Franklin, voilà pour ce que fut, au meilleur de sa forme le quintette de Detroit qui a donné à la soul certains des meilleurs tubes, composés par Smokey Robinson ou le duo Norman Whitfield/Barrett Strong : My girl, Ain't too proud to beg, Don't look back, it's growing...

Dennis Edwards apparaît dans la suite de David Ruffin dont la carrière est menacée par la drogue et l'alcool. Il va intervenir dans la période "psychédélique" et "contestataire" du groupe. Après 1967, Whitfield et Strong modernisent la soul sage du label pour s'adapter à l'époque troublée que traverse le pays. Cloud nine, Runnaway child, Ball of confusion, Psychedelic Shack, et le mythique Papa was a rolling stone relatent ce monde en ébullition où le racisme, la guerre, la drogue, les pères délaissant leur famille sont des plaies...

Si David Ruffin et Eddie Kendricks ont connu leur heure de gloire avec quelques tubes au cours de leur carrière solo, Dennis Edwards a attendu beaucoup plus longtemps pour un tube qui a marqué les années 80 avec ce duo genial, Don't look any further, sorti aussi chez Motown, avec Siedah Garrett. Cette dernière va aussi se faire un nom avec Michael Jackson sur Bad trois ans plus tard. C'est le genre de chanson qu'on écoute le samedi soir dans sa voiture ou dans sa chambre et qui vous met à l'aise...

C'est ce qui nous reste de ces légendes. Parties de peu. Dennis Edwards était né en Alabama pendant la guerre. Fils de pasteur, il s'était mis à chanter très jeune. Il avait d'ailleurs rejoint les Mighty Clouds of Joy, un légendaire groupe de gospel dont Joe Ligon un des chanteurs possédait la même voix éraillée. On peut les entendre avec Aretha Franklin sur "One Lord, on faith, on baptism", sorti en 1989. La famille déménagea à Detroit et il lui fallu affronter la colère familiale quand il se mit à chanter de la musique profane... La suite s'écrivit beaucoup avec Motown et les Temptations.

Heureusement, il nous reste les disques.

Funk from Brazil

Le Brésil est probablement le pays d'Amérique latine le plus fascinant sur le plan musical. Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fut un compositeur qui n'eût rien à envier à ses contemporains européens ou nord-américains et il a réellement contribué à bâtir une musique brésilienne qui jusque là était beaucoup traditionnelle. Le Brésil, pays continent dispose en effet d'une diversité culturelle d'une fécondité qui dépasse la samba ou la bossa. Avec un métissage ignoré par les élites blanches, le pays dispose de plusieurs bases comme Rio, São Paulo ou Bahia d'où émergent des styles différents, régulièrement ouverts aux influences africaines, européennes, nord-américaines ou latino bien évidemment. La samba par exemple, la plus connue des musiques brésiliennes, plonge ses racines en Afrique d'où sont originaires les esclaves déportés par les Portugais entre le 16e et le 19e siècle. D'ailleurs, l'esclavage ne fut aboli au Brésil qu'en 1888, quarante ans après la France !

Dans les années 50, l'apparition de la bossa nova qui ravit les publics occidentaux toujours en quête d'exotisme fait la fortune du trompettiste Stan Getz qui fit planer et danser l'Amérique sur cette nouveauté brésilienne lancée par  Vinícius de Moraes, João et Astrid Gilberto ainsi qu'Antônio Carlos Jobim. La bossa inonde le monde, mais le coup d'Etat de 1964 qui impose une dictature qui va durer vingt ans, met un coup d'arrêt à cette forme musicale au Brésil même.

Musique engagée, soul et funky 

Cela mériterait un pavé entier consacré à la musique brésilienne en général et au funk brésilien en particulier... Mais va pour l'initiation :

Sous ses airs nonchalants, la musique populaire brésilienne peut être une musique engagée. Parmi les musiciens qui lancent le "tropicalisme", Caetano Veloso, Gilberto Gil, opposants à la dictature militaire, tombent sous l'influence des effluves psychédéliques de l'époque, composent des chansons à texte et un peu comme Socrates au football, sont des icônes progressistes face aux militaires.

Bien que le régime soit dur, l'expression de la contestation peut s'entendre. Ce qu'on a appelé la "MPB" pour "música popular brasileira qu'écoutent la classe moyenne permet à un Chico Buarque, un Milton Nascimento ou une Carmen Miranda, parmi des dizaines d'autres noms, d'imprimer encore plus profondément leur marque dans le patrimoine musical brésilien...

C'est dans cette période que de nombreux musiciens fusionnent le jazz, la soul, le funk aux harmonies brésiliennes. Le plus connu dans l'hémisphère nord est probablement le pianiste Eumir Deodato qui enregistrent plusieurs albums pour le célèbre label "jazz pop" de Creed Taylor, CTI qui a déjà en contrat à l'époque George Benson, Bob James, Grover Washington...

Deodato connut une carrière féconde et à la fin des années 70, on le retrouve comme un des producteurs du groupe funk Kool and The Gang. C'est d'ailleurs grâce à cette collaboration que se fait la rencontre avec le chanteur James JT Taylor. Deodato devait, par la suite, travailler pendant dix ans avec le groupe et donner naissance à des albums tels que Ladies Night en 1979, Celebrate ! l'année suivante, Something Special qui contient notamment "Get down on it" en 1981 et As one en 1982 sur lequel on peut entendre "Let's Go Dancin' (Ooh La La La)".

De son côté, Stevie Wonder qui était venu donner un concert au Brésil en 1971, avait déjà exploré les sonorités brésiliens en 1974 dans son album Fulfillingess' First Finale avec "Bird of Beauty" dont les paroles en brésilien furent traduites par Sergio Mendes.  Le texte est clairement dans la veine de Rio ou de Bahia, même si sur le plan rythmique, il faut se contenter d'une batterie là où la profusion des percussions des musiques brésiliennes aurait donné plus de puissance à ce morceau. Mais le génie de la Motown se rattrape deux ans plus tard Songs in the Key of Life avec un tube ravageur. "Another Star" sonne clairement comme un tube de carnaval. Pour l'occasion, George Benson vite prêter sa voix et sa guitare.

Les amateurs de jazz-funk connaissent certainement l'album de George Duke, A Brazilian Love affair sorti en 1980 et qui contient un beau mélange. Enregistré à Rio, l'album fut l'occasion d'une géniale collaboration avec le percussioniste Airto Moreira et Milton Nascimento.

Il est vrai que la rencontre permanente entre jazz, soul, funk et musique brésilienne produit de superbes mélanges qui soit revisitent des classiques soit inventent des tubes et des raretés. Marco Valle ou Azymuth sont aussi de belle signatures.

Jorgen Ben qui jouait avec le Trio Mocotó a représenté cette forme aboutie de "samba soul" dans les années 70, comme le Banda Black Rio qui fut à la même période, une version locale des grandes formations funk comme Earth, Wind and Fire ou encore Kool and the Gang. On leur doit le tube "Maria Fumaça". Le groupe de Maurice White n'échappa pas aux influences du pays de braise. Qui ne connaît pas l'interlude "Beijo" sous titré "brazilian rhyme" ou encore l'envoûtant Runnin' sur le même album ? Un peu plus récemment, le groupe Jamiroquai qui explore depuis 1993 le vaste univers de la soul avait lui aussi cédé aux charmes bleu jaune et vert pour enregistrer "Stillness in time"...

Tim Maia, chanteur immense a laissé un groovy "O caminho do bem", comme Erlon Chaves et sa "Cosa Nostra" à la ligne de basse ravageuse.

Jusqu'à aujourd'hui, la scène brésilienne donne sa version des évolutions du rhythm and blues depuis plus de quarante ans avec des reprises ou des adaptations. Un chanteur comme Seu Jorge est un brillant héritier de cette grande tradition.

La touche brésilienne du funk apporte la fraicheur mélodique et ces volutes harmoniques qui donnent ce sentiment d'être soudainement léger et résolument de bonne humeur...

La Motown Party déménage...

Après une douzaine d'années, les Motown Parties qui se tenaient chaque premier samedi du mois au Djoon, dans le treizième arrondissement de Paris, vont fermer ce 6 janvier. Mais pour d'autres aventures qui nous seront dévoilées plus tard. En attendant, revenons sur ces moments particulièrement intenses de musique et de danse dans une ambiance particulièrement saine.

Pour l'amateur de soul, de funk et de disco, un peu désolé par la production actuelle et qui est persuadé qu'on ne fera jamais mieux que les compositeurs et interprètes des années 60-70-80-90 (soyons généreux), la "Motown Party" est un sanctuaire. Connaisseurs affûtés ou amateurs, novices ou juste en quête de "bon son", se retrouvaient ainsi dans un cadre qui est plus dansant que celui des "lounges" et moins oppressant que celui des boîtes de nuit.

Le DJ, "Reverend P" est toujours inspiré et, avec le temps, j'ai découvert un homme très sensible. Un homme qui a parfaitement compris toute la richesse de cette musique : bien qu'elle soit réputée dansante, elle peut être aussi engagée...

En 2017, il a présenté une série de disques qui parcourt la diversité de cette musique sur un demi siècle. "The Legacy Of". Une bonne introduction pour les néophytes.

Eh oui, le funk a 50 ans, si on prend comme point de départ Cold Sweat de James Brown, qui en pose les principes. "On the one", comme disait Prince, car le beat est toujours sur le premier temps.

Ceux qui prennent au mot le concept de la soirée Motown ne doivent pas s'attendre à danser sur trop de classiques incontournables, mais ce n'est pas bien grave car globalement, les titres sont parfaitement calibrés pour ce type de soirée. Heureusement, il ne s'agit pas de servir la soupe commerciale et les tubes grands publics. En effet, il n'a pas toujours été de bon ton de confondre funk et disco !

2018 sera donc l'année d'un nouveau départ...

Detroit

Le film de Kathryn Bigelow raconte un événement peu connu ici, celui des émeutes raciales de Detroit durant l'été 1967. Tandis que sur la côte californienne, les hippies célébraient le "Summer of Love" et que le monde de la pop se retrouvait au festival de Monterrey pour écouter Jimi Hendrix et Otis Redding, "la ville moteur" s'enflammait.

Detroit est une ville industrielle du nord des Etat-Unis où les chaines de montage des usines automobiles donnent du travail à des milliers de personnes. "Motor city" ou "Motown", comme on surnomme cette ville a donné son nom à un célèbre label de musique soul fondé une dizaine d'années plus tôt par Berry Gordy. En cette fin des années 60 d'ailleurs, la Motown continue de faire danser l'Amérique et elle refuse pour le moment de donner dans la chanson protestataire, même si, l'année précédente, le jeune Stevie Wonder a enregistré une reprise de "Blowin' in the Wind" de Bob Dylan.

On entend plusieurs titres du célèbre label dans le film, interprétés par Martha Reeves ou encore Marvin Gaye.

La crise qui touche les populations afro-américaines existe aussi dans le nord, réputé moins raciste que le Sud. Le mouvement des Droits civiques qui a obtenu l'égalité devant le vote est débordé par une jeunesse plus radicale qui constate que malgré les marches et les actions non violentes, les Noirs demeurent dans la misère pour la majorité d'entre eux. En 1966 toujours, quelques militants ont fondé le Black Panther Party pour organiser la communauté noire contre les violences policières et le développement de l'autonomie économique et politique. La menace sera suffisamment prise au sérieux par l'Administration Nixon et le FBI de J. Edgar Hoover pour que les Panthers soient déclarées "Ennemi public No. 1".

Pour le moment, à Detroit, ce sont les tensions urbaines qui, loin de la politique, agitent durant la chaleur de la nuit et la musique des bars clandestins ne permet pas de faire baisser la tension.

Le film raconte comme quelques policiers se sont rendus coupables d'homicides contre des jeunes qu'ils ont séquestrés dans une enquête sur des tirs dans la direction des forces de l'ordre.

Parmi les personnages du film, un groupe, "The Dramatics" qui avait été formé trois ans plus tôt. Comme des dizaines de formations de jeunes gens talentueux, leur rêve était de décrocher un contrat chez la célèbre compagnie de disque de Berry Gordy, mais cette nuit-là, tout va basculer. Pris en otages, tabassés, l'un deux assassiné par la police, pour eux, la vie ne sera plus la même.

Situation en effet dramatique pour le chanteur principal qui quittera le groupe.

The Dramatics connurent néanmoins une belle carrière dans les années 70. A défaut de Motown, ils réalisèrent plusieurs albums pour Stax avec à la clé plusieurs titres célèbres comme "Whatcha see is watcha get" ou encore "In the Rain".

 

Kassav' au Zénith...

Le groupe légendaire de zouk, Kassav' donne ses dernières concerts au Zénith ce week-end. Entre le groupe fondé il y a plus de trente ans et la mythique salle parisienne, c'est un peu comme James Brown à l'Apollo, une combinaison magique dont on ne sort pas indemne.

Rien qu'au Zénith, Kassav' a donné une trentaine de concerts, ce qui équivaut à jouer devant près d'un demi million de personnes dans cette salle du 19^e arrondissement de Paris. Il faut y ajouter les tournées internationales aux quatre coins du monde dont le Japon, les Etats-Unis et l'Afrique, sans compter bien sûr les Antilles.

Le nom vient de "cassave", une galette de manioc. Cela fait partie des aliments traditionnels des Antilles françaises, même si on n'en trouve plus aussi souvent que par le passé.

Le groupe a été fondé en 1979 par Pierre-Edouard Décimus, un des musiciens du groupe "Les Vikings de la Guadeloupe" qui joue d'ailleurs en première partie de Kassav ce week-end.

Les Antilles qui sont déjà un lieu de mélange en tous genres, n'échappent pas aux fusions musicales qui font de la décennie 1960-1970, un moment d'une fécondité inégalée. Les rythmes traditionnels ont été influencés par la soul nord-américaine, la pop. Cela a donné le reggae en Jamaïque qui évoluera plus tard vers le ragga et le dance-hall sous l'influence du hip hop. Dans les Antilles francophones, on danse sur les rythmes haïtiens joués par des groupes de kompa.

Cette musique est partout. Les formations de kompa sont imitées en Martinique avec des groupes comme la Perfecta (dont on peut entendre un des tubes dans le générique du film la Première étoile. Pas très loin, la Sélecta ou Opération 78 du guitariste Simon Jurad qui joue avec le jeune Jean-Philippe Marthély qui devient une des voix de Kassav'.

A la biguine inventée à Saint-Pierre avant l'éruption de 1902 et qui a brillé dans les bals nègres de la rue Blomet où le tout Paris se remuait dans l'entre deux guerres, succède le zouk à la fin des années 70. 

Le zouk désigne en créole le lieu et la soirée où on danse. C'est le titre d'un morceau du pianiste Marius Cultier qui, dans les années 70-80 accomplit une brillante carrière en France et au Canada où il joue de tout, précurseur d'autres pianistes antillais comme Alain Jean-Marie, Paulo Rosine qui fut le pianiste du groupe Malavoi encore Mario Canonge.

L'idée est d'inventer un style typique. Pierre-Édouard Décimus crée avec un autre musicien, Freddy Marshall, le groupe Kassav’. Faisant un "blo" (un mélange) des styles du coin : rhythm and blues, salsa, kompa, biguine, "mazurka", "bèlè", ils jouent avec le guitariste Jacob Desvarieux et le bassiste Georges Décimus. La structure rythmique reste la même, mais elle est riche des percussions et habillée des riffs de guitare, d'une solide section cuivre qui, contrairement aux groupes de funk des années 80, ne disparaît pas devant l'invasion des synthés.

Le zouk de Kassav' est alors une révolution dans une France qui dans les années 80 se passionne pour la "world music". C'est sans médiatisation que Kassav' avait rempli son premier Zénith en 1985. A l'inverse des groupes qui suivirent, Kassav' valse entre la romance et la chanson à texte qui évoque les questions sociales, l'Histoire, la mémoire et l'identité des Antillais. Toujours un cran au dessus des innombrables tentatives d'imitation, de version sirupeuses d'un zouk "zouk love" destiné uniquement à la danse. Très souvent le zouk est peu imaginatif, si on peut de côté des groupes comme Kwak ou Taxikréol dans les années 90. Mais avec Kassav', c'est tout les esprits de la musique antillaise qui se mettent en éruption harmonique et rythmique.

La voix de Jocelyne Béroard, le falsetto du regrettée Patrick Saint-Eloi s'ajoutent aux jeux de batteries de Claude Vamur et de César Durcin, disparu récemment et aux claviers de Jean-Claude Naimro, un temps débauché par Peter Gabriel. Voilà pour la structure de la grande époque, tout cela soutenu par la basse de Georges Décimus, véritable colonne vertébrale du zouk.

Mais Kassav' n'est pas Kassav' sans le charisme de Jacob Décimus, dont la voix rocailleuse lasse contraste avec l'imposante silhouette du bonhomme. Ses lignes de guitare à elles seules enflamment un groove à la manière de Prince.

C'est notre patrimoine, notre fierté. On aime Kassav' c'est communicatif. C'est comme ça. Ils seront toujours au zénith.

Ca mérite une Légion d'honneur !

Purple brain

Dur à réaliser ! C’était déjà dur pour un militant de gauche de traverser un 21 avril, ça l’est encore quand cette date sera désormais l’anniversaire de la mort de Prince Roger Nelson...

Sometime it snow in april chantait il y a tout juste trente ans. Mais ce sont plutôt des flocons de larmes sur les joues des fans qui vont devoir ressortir leurs disques car sur YouTube ou Deezer, sa musique est introuvable.

Après la mort de James Brown et celle Michael Jackson et Maurice White, Prince est parti. C’est une énorme partie de l’orchestre qui a rythmé nos soirées et nos nuits d’amour.

Quel priviliège nous avons eu de grandir avec sa musique et d’être les témoins de ses excentricités durant tant d’années !

Pour comprendre Prince, il faut comprendre qu’il était le musicien de toutes les transgressions. Entre 1978 et le début des années 2000, il s’est moqué de toutes les conventions, de toutes les normes et de toutes les frontières. Il a souvent été là où on ne l’attendait pas.

On a parfois dit que dans sa période la plus créative – les années 80 – il avait un temps d’avance sur les tendances musicales.

L’enfant de Minneapolis était aussi un chef de gang. Des dizaines d’artistes sont passés par ses équipes. L’homme était petit par la taille, grand par le talent : chanteur, batteur, pianiste, guitariste, auteur, compositeur, arrangeur, producteur, acteur, styliste, Paisley Park son complexe musical et les studios, salles de concerts et boîtes de nuit de sa ville resteront longtemps pour l’attester.

Dans la scène soul et funk des années 80, Prince était le bad boy et Michael Jackson l’enfant sage. Prince avait intégré l’aspect punk, glauque urbain des années 80 à sa musique et à son style. Son funk était agressif et lorgna très vite vers les accents rock des années Reagan. Les masques tombaient, il n’a rien fait d’autre qu’actualiser sans cesse le blues et ce qui en a découlé.

Car Prince fut la synthèse du Funk : sa voix sonnait comme Sly Stone, ses groupes ont toujours été « interraciaux » comme ceux de Sly, il pouvait jouer comme Jimi Hendrix ou se contenter d’un efficace riff « soul ». Il y avait aussi cette excentricité androgyne d’un Little Richard.

Dans les années 80, il usa et abusa du synthé, mais il su redonner leur puissance aux instruments traditionnels. Ce touche à tout était entourée d’une ribambelle de musiciens dont certains eurent leur moment de gloire. En effet, bien qu’on finit par l’appeler « The Artist », Prince animait une communauté de créateurs et d’interprètes. Lui-même aimait bien la polyphonie dans ses chansons.

Engagé à sa manière, Prince savait faire des chansons à message comme Ronnie talk to Russia, ou bien sûr le magistral Signs of the times. Cerveau pourpre, toujours en activité pour le bonheur des fous de musique.

Sheila E, Morris Day and the Time dont certains membres devinrent de grande producteurs de r’n’b comme Jam and Lewis qui travaillèrent notamment avec Janet Jackson, mais aussi Rosie Gaines, Appolonia, Vanity ou encore le duo Wendy and Lisa. Prince ne rompit jamais la chaîne du funk, travaillant avec Larry Graham, Maceo Parker, Mavis Staples et beaucoup avec George Clinton avec qui il partageait ce délire créatif sans limite. Let’s go crazy.

La légende de Prince c’est ce fameux concert au Palace où la poignée de spectateurs n’a probablement pas mesuré le moment historique qu’elle vivait. Trop rock pour les amateurs de soul, trop funky pour les fanas de rock, il se moquait des classifications musicales.

Il faut l’avouer, sa musique n’était pas toujours accessible au premier abord. Mais elle élevait à un certain niveau à la fois de transgression et d’irrévérence. Toujours visuelle.

Parlant de visuel, Prince s’essaya au cinéma. Je me souviens de soirées au Grand Rex où ses quatre films étaient projetés. Il fallait être fan pour pardonner la qualité cinématographique inégale, puisque seule comptait la prestation musicale. Purple Rain qui bien que très académique dans sa forme est une réussite fortement imprégnée de l’esprit sombre de ce début d’années 80 ; Under the Cherry moon avec la jeune Kristin Scott Thomas en 1986 relativement mégalo et kitsch pour rappeler l’amour que Prince vouait à la France ; Signs of the Times, le film concert d’un de ses meilleurs albums ; Graffiti Bridge, une suite-remake plus colorée de Purple Rain plus funk que rock. Et il faut ajouter à la liste Batman de Tim Burton et Girl 6 de Spike Lee en 1996 dont le « kid de Minneapolis » a signé la B.O.

Contrairement à Michael Jackson qui nous faisait patienter longtemps avait de sortir un disque, Prince était extrêmement fécond. Chaque année, un nouvel opus et entre 1981 et 1990, pas grand chose à jeter dans ses disques, c’est dire.

En 1988, le must c’était de mettre la main sur le Black album qu’on ne pouvait se procurer qu’illégalement. « Camille », un des nouveaux alias de Prince avait dit-on des centaines de titres enregistrés dans ses studios, de quoi faire encore des dizaines d’albums.

La puissance sexuelle de la musique de Prince est d'une rare intensité. Do Me Baby, Darling Nikky, Orgasm ou Get off sont les meilleurs aphrodisiaques musicaux qui soient.

Que peut-on en retenir ?

D’abord l’incroyable profusion de talent, le charisme d’un passeur qui fut assez secret pour ne jamais défrayer la chronique par ses frasques. Ensuite, sa musique est indéniablement la B.O. des années 80-90. Enfin, le fait que Prince s’est moqué du monde, ce monde où il faut être dans une case et ne pas en sortir pour ne pas déboussoler les bien-pensants.

Un de ses albums résume tout ça : Emancipation.

Thank you Prince, with you music « may we live to see the Dawn ».

Djoon nights

Quand je ne fais pas de politique, je me shoote à la soul. C'est une addiction et heureusement qu'il y a les soirées Motown de DJ Reverend du Djoon pour partager ce plaisir avec d'autres.

Dans les nuits de danse, la tendance n'est pas toujours à la qualité de la musique. On pourrait passer pour élitiste en évoquant ce concept, mais oui, la musique soul c'est toute une culture. C'est toute une histoire et on ne vit intensément cette musique et les vibrations qu'elle donne que lorsqu'on en descend un peu en profondeur.

J'ai découvert la Motown par la diffusion à la télévision du show pour les 25 ans du label de Detroit. C'était en 1983. Ce programme, présenté par Richard Pryor, est rarissime, mais ce qu'on en a retenu c'est la légendaire prestation de Michael Jackson sur Billie Jean avec en prime, le fameux mooonwalk qui y fut inauguré. Ce qui est aussi touchant, c'est que Marvin Gaye devait décéder l'année suivante.

Si les soirées Motown décevront les puristes tant les titres du label de Detroit sont pas forcément les plus joués, elles permettent quand même de se déhancher sur des chansons sur lesquelles il est si rare de danser.

Élitistes ces soirées car les "beautiful people" qui viennent ne sont là que pour le plaisir de la danser. C'est une piste de danse, pas un terrain de chasse où dragueurs post ados avinés, ou nymphomanes paumées viennent "s'éclater" quand d'autres viennent "danser" et jouir du plaisir d'entendre les lignes de basses, les accords de Fender Rhodes et les beats de batterie funky que le dj a le bon goût de mixer dans la fidélité la plus grande. Sauf le jour où, mal inspiré, il mixa Papa was a rolling stone dans un délire trip hop qui était une vrai transgression.

Car la soul de Motown est difficilement remixable. Le faire c'est l'appauvrir sauf à en faire des "extended mix" ces versions longues qui font durer le plaisir.

Le son Motown ne s'est pas limité aux compositions de Smokey Robinson ou à celles du trio Holland Dozier Holland. Il y a eu les titres du duo Ashford et Simpson et surtout celles, très funky de Norman Whitfield. Au Djoon, on fait dans la valeur sûre, connue et appréciée. Les Jackson Five, Marvin Gaye, Diana Ross, Stevie Wonder. On aurait pu y rajouter Edwin Starr... A la place, on a les classiques Salsoul et disco entre lesquels se glisse toujours un Maceo Parker.

Le son Motown était sous titré "la musique de la jeune Amérique". Il s'agissait de plaire à un public assez large. C'est pourquoi, le son de Detroit, plus urbain que celui de Stax à Memphis n'avait pas la crudité rauque du Sud, qu'il s'agisse du rhythm and blues de Rufus Thomas, Wilson Pickett ou Johnny Taylor ou du funk de James Brown.

Il a mis du temps à se politiser comme la soul de Chicago incarnée par Curtis Mayfield et la foule de protégés qu'il produisait sur son label, Curtom.

Ce genre de soirée attirant les connaisseurs et les puristes ou ceux et celles qui aiment juste ce son fait un bien fou. Les trois quart des titres sur lesquels on danse sont des classiques ou des titres appréciés, puis il y a nécessairement des trouvailles, mais aussi, disons le, des facilités. Mais c'est bien normal : dans une soirée consacrée à Stevie Wonder, en l'occurrence la dernières, j'ai été amusé d'entendre à côté des classiques Sir Duke, Isn't she lovely ou I Wish, La reprise de Respect ou We can work it out. Mais pas Contusion ou Shoo be doo be doo da day qui est un tempo lent très efficace.

Les amateurs de funk trouveront bien sûr leur compte. Si je n'ai pas encore bougé sur Bustin' out de Rick James ou sur Love Machine, Brick House ou Gonna give it up ont enflammé la salle plusieurs fois. En attendant un jour une rafale d'Edwin Starr (25 miles, Big Papa ou funky music sho' nuff turns me on) ou des compositions de Norman Whitfield dont l'œuvre ne se limite pas aux efficaces tubes de Gladys Knight and the Pips ou des Temptations. En effet, le bonhomme a commis l'efficace bande originale de Car wash.

La grande audace des concepteurs des soirées Motown du Djoon, c'est d'avoir conçu, à côté des spéciales Michael Jackson ou Stevie Wonder, des spéciales Marvin Gaye. Le "lover écorché" qui en fit frétiller plus d'une dans les années 70 a en effet conçu une musique dont la force érotique est telle qu'on imagine mal trois heures de termpos lents et suaves, aux formules suggestives. Qu'on se rassure, les morceaux les plus "hard" sont pour les vrais connaisseurs qui ne peuvent en profiter que dans des after avec l'être aimé(e). Ca a un charme désuet, mais à la lumière bleue en rentrant du Djoon, ça doit faire son effet... Pour ceux qui ça intéresse, écoutez donc l'intégralité de l'album I Want You... donc le jumeau est le Musical Massage de Leon Ware. Tout un programme.