Le blog de Pierre Kanuty

Un film sur le Code noir ? Bien sûr, mais…

En réponse à mon billet dénonçant la folie de Dieudonné, une internaute sagement prénommée Sophie partageait sa découverte : un projet de film sur le Code noir avec un appel à soutien pour que le cinéma français s’aventure enfin sur l’esclavage des nègres et la traite pratiquée par la France jusqu’en 1848. Idée excellente, mais qui a à la barre, Dieudonné. On voit bien comment le fait d’en parler dans le contexte actuel et avec la nature actuelle de la notoriété du comédien change presque tout.

Il y a trois questions en une. Faut-il un grand film français sur l’esclavage ? Existe-t-il une défiance de la part des producteurs français ou un tabou politique ? Dieudonné est-il le mieux placé pour défendre ce projet ?

Oui, il manque au cinéma français, un grand film sur l’esclavage. Le cinéma français n’a pas toujours été aussi courageux que les Américains dans sa capacité à raconter l’Histoire de France. Autant, l’imagerie d’Epinal filmée en Guitryrama restituant une histoire œcuménique est riche en films bien sages, autant, le cinéma politique n’a pas vécu bien longtemps et si on peut citer les œuvres de Boisset ou de Costa-Gavras, c’est un cinéma militant avant tout qui se veut actuel. Pour un Spielberg qui a su merveilleusement parler de la Shoah dans la Liste de Schindler et de l’esclavage dans Amistad – il avait illustré les conséquences de la culture esclavagiste sur la société noire dans le Sud à travers l’adaptation du roman d’Alice Walker, La Couleur pourpre, il n’y a pas d’équivalent français. Pontecorvo qui avait réalisé la sulfureuse Bataille d’Alger avait récidivé dans le cinéma engagé avec Queimada dans lequel la réalité de l’esclavage était montrée par un œil européen pour la première fois.

Mais en France, rien. Tropiques amers, la « première série télé française sur l’esclavage » n’est qu’une telenovela où l’esclavage semble aller de soi. Donc oui, il manque ce grand film, comme Indigènes, l’Ennemi intime, Mon colonel, l’Honneur d’un capitaine, Train d’enfer ou encore Lacombe Lucien, Monsieur Klein, Monsieur Batignolles, etc…

Pourtant, on voit bien que « le » film devra marquer les esprits. Si Indigènes a été un grand film, c’est parce que c’est un film pionnier. Les films sur la Guerre d’Algérie ne sont plus des œuvres maudites, censurées ou passées sous silence, mais les faits qu’elles évoquent, pour choquants qu’ils sont – la torture, la France qui se renie, ne font plus débat.

Les films sur la seconde guerre mondiale, la Résistance, la Collaboration et la Shoah sont eux aussi nombreux. Il y en a suffisamment maintenant pour qu’on prenne conscience de ce qui s’est passé. Beaucoup d’acteurs de talents, de producteurs de renom ou de metteurs en scène de génie ont associé leur nom à ce travail de mémoire. Pour la traite c’est plus compliqué. Le sujet n’est peut-être plus, paradoxe cruel de l’Histoire, « vendeur » ou « rentable ». Les producteurs sont, volontiers, plus « investisseurs » que professeurs d’histoire et ils en veulent pour leur argent. Un projet qui se vendra, devra parfois prendre des libertés ou faire dans la facilité par rapport à la volonté des auteurs d’être fidèles, crus ou incisifs… S’il s’agit de se servir du cinéma pour faire de la propagande ou pour défendre une cause, on ne peut mécaniquement y associer des gens qui font ça pour gagner de l’argent.

La comparaison, nous venons de la faire avec les films sur la Shoah. Le cinéma a beaucoup fait pour la prise de conscience de ce drame. Tout le monde se souvient d’Holocauste. D’ailleurs, Racines, sur l’esclavage aux Etats-Unis, a été produit à la même époque.

Depuis que le combat pour la mémoire de l’esclavage et de la traite est devenu plus visible en France, une controverse s’est engagée sur ce qu’il est convenu d’appeler « la concurrence des victimes ». Ceux qui militent pour la reconnaissance du génocide arménien ou de l’esclavage se regardent dans ce qui apparaît comme « le miroir de la Shoah » et mesurent comment, les grandes tragédies de l’Histoire ne sont pas toutes ressenties de la même manière. Le seul fait qu’elles soient différentes entre elles à plusieurs points de vue ne suffit pas. Elles ne sont pas toutes connues comme elles le devraient ou comme le souhaitent les personnes qui se sentent concernées du point de vue de leur identité.

Il suffit d’esprits simplistes pour alors renouer sans le savoir avec un vieil antisémitisme qui commence simplement par un nouveau « statut des juifs », celui-ci étant fondé sur le caractère indépassable de la Shoah et le fait que les juifs ne peuvent pas être mis sur le même plan que les autres. Au reste ne dit-on pas « lutter contre le racisme et l’antisémitisme » ? N’y a-t-il pas de fait, comme un acquis dans le débat public une spécificité du racisme antijuif ? Même si quelques militants soucieux du sens des mots viennent expliquer que les Arabes sont aussi, du point de vue ethnique, des sémites, on voit bien que l’argument auquel on pense serait réfuté avec empressement !

Dieudonné, pour valoriser le combat contre l’oubli dans la cause des Noirs a fini par s’en prendre aux juifs et de fait, il a desservi la cause, au départ, juste, qu’il défendait. Et pourtant, fait rare dans « le monde noir », il disposait d’une notoriété positive.

Ce n’est plus le cas aujourd’hui. Personne n’a envie de l’aider à financer un film sur le Code noir car il n’est plus légitime pour diriger un projet dont le but est de contribuer non pas à la guerre des mémoires, mais à la mémoire de la « cause noire » et plus simplement, à l’Histoire, encore méconnue par le grand public, de la traite négrière.

Point n’est besoin, pour sensibiliser les gens et frapper les esprits, de jouer avec d’autres drames de l’Histoire.

On ne forcera pas les producteurs français à lever certains tabous en les confortant dans leur position actuelle si un esprit comme celui de Dieudonné se révèle l’unique personne capable de de soutenir ce genre de projet…

Il y a une vingtaine d’années, Euzhan Palcy, pourtant auréolée du succès de Rue Case-Nègres, ne trouva pas de soutien français pour son adaptation du roman d’André Brink, Une saison blanche et sèche. Elle se rendit à Hollywood qui lui ouvrit les portes, avec en prime la participation de Marlon Brando. Le film fut un succès. Il ne faudrait pas commettre à nouveau la même faute politique, artistique et financière… Elle, on ne l’a pas oubliée.

Pour rendre justice à André Aliker...

Merci Politis ! L'hebdomadaire de gauche radicale ne se résume pas aux envolées parfois doutes du couple Sieffert-Langlois. Outre les papiers, souvent taquins de l'excellent Michel Soudais, il y a ce dernier article dans la dernière édition du journal sur la campagne en cours pour aider au financement du film de Guy Deslauriers l'Affaire Aliker. (Pour en savoir plus sur le film)

Le metteur en scène est martiniquais. C'est un peu notre Rotman, notre Ken Loach ou Costa-Gavras tout à la foi : cinéaste engagé, mais à la différence des autres, peu diffusé. On lui doit déjà l'excellent docufiction Biguine, l'Exil du roi Behanzin ou le Passage du milieu.

Cette fois-ci, il s'attaque à un sujet tragique, l'assassinat d'André Aliker. Ce drame a marqué des générations entières de militants de gauche en Martinique à l'instar des affaires Lambrakis en Grèce ou Matteoti. en Italie Des assassinats politiques qui font naître des martyrs et qui jettent une lumière crue sur la violence du système.

André Aliker était un journaliste et un militant communiste. Il était à la tête du journal Justice, encore aujourd'hui, organe central du Parti communiste martiniquais. Nous sommes à l'âge d'or du colonialisme. Quelques années après la fameuse exposition de 1931 et quelques années avec le 300e anniversaire du début de la colonisation française. Justice est le journal du PC - la voix d'une classe ouvrière - donc nègre - opprimée par une classe béké (Blancs créoles planteurs ou patrons d'usines) qui n'a jamais accepté l'abolition de l'esclavage. Justice révèle aussi bien les injustices que la corruption. La famille béké Aubery n'est pas en reste, mais n'en reste pas là. le journaliste sera traqué puis assassiné, quelques semaines d'ailleurs avant le 6 février 1934. Le parquet de Fort-de-France a, semble-t-il été complice dans l'assassinat du journaliste et les auteurs présumés du meurtre ont été acquittés en 1936.

Le film de Deslauriers a été tourné en 2007 avec Stomy Bugsy dans le rôle principal. Le budget du film, trois millions d'euros ne permet pas l'exploitation en salles. Plus de 70 ans après les faits, le sujet fâche encore aux Antilles. Il manque 85 000 euros pour qu'un jour on puisse voir ce film dans les salles obscures de France. Un comité de soutien s'est constitué pour tenter de récolter la somme.

Cette affaire dans l'Affaire illustre une fois de plus la difficulté d'un cinéma engagée indépendant que nous, militants politiques devons soutenir.

Bye Chuck !

Que faut-il retenir d'un homme qui reste dans les mémoires comme un acteur hors pair et un militant conservateur très engagé ? Cette question revient souvent, mais il faut être juste, la vie d'un homme c'est un tout et les grandes actions des hommes demeurent pour l'éternité. Choisir de les relativiser par des choix plus controversés c'est, pour le coup, un choix politique. Pour moi, Charlton Heston, c'est avant tout, un acteur. Un grand acteur. C'est comme ça. Je garde plus volontiers l'image du Moïse des Dix Commandements, du Judah de Ben-Hur, de Gordon Pacha dans Khartoum, de Major Dundee... Sans oublier Le Cid, la Bataille de Midway, Taylor dans la Planète des Singes. Charlton "Chuck" Heston, pas à sa place au XXe siècle. Il paraît. Pour le coup, voilà un de ces acteurs qui incarnait une forme de démesure à taille humaine du cinéma car le cinéma c'est "la caméra qui explore le temps", l'épopée, la grandeur. Camper des personnages historiques c'est donner à rêver aux spectateurs et en même temps les inciter à penser tout ce qu'un homme peut accomplir. A l'instar d'un Victor Mature, Charlton Heston a eu de la classe dans ses costumes de patriarche hébreu, d'aurige juif ou de chevalier chrétien combattant, malgré lui, les Maures.

Il y avait chez lui cette puissance, cette prestance tout en muscles, cette manière d'éteindre sans jamais s'abandonner, cette mâchoire inférieure qui mimait si bien la souffrance. Un héros intégral car, la force ne signifie pas forcément invincibilité. Même dans les Dix commandements qui ont tout du film puritain qui aurait pu mal vieillir dans ce nouveau siècle, surtout en France où rien n'est sacré, la force demeure, la spiritualité continue de bien passer, même quand on n'est pas croyant...

Quand il incarna Gordon Pacha, c'est aussi pour tenter de faire triompher une certaine idée de l'humanité contre la barbarie. En même temps, le conservateur, conseiller politique Ronald Reagan aurait-il endossé le même rôle, en faveur du "dialogue des civilisations" avec Bush jr, on ne le saura jamais. Mais puisque l'Histoire ne s'arrête jamais, il a aussi incarné le pessimisme face à la modernité. le Taylor de la Planète des singes ou le détective Thorn de Soylent Green font tous les deux de terribles découvertes, mais dans les deux cas, ils ne peuvent plus ouvrir la Mer rouge. Ils assistent, impuissance à l'autodamnation de l'espèce humaine.

Est-ce cela qui conduisit l'homme, hors écran à des positions que la plupart des gens découvrirent à travers Bowling for Columbine ? J'ai été déçu par cet Heston-là alors que je me contentais même de ses rôles moins brillants comme celui de l'architecte époux d'une Ava Gardner vieillissante dans Earthquake. C'est un peu comme cette belle tirade inspirée de Sacha Guitry je crois quand, une femme éconduit son amant trop tôt en lui expliquant les raisons de sa rupture prématurée : "je préfère me souvenir".

Les films de Charlton Heston ont souvent eu une forme de ferveur, même quand ils ne traitaient pas de sujet bibliques. Ils n'en auront que plus de force à mes yeux, maintenant qu'il nous a quitté.

Rosa Luxemburg

En ce moment sur les chaînes câblées, un film rare sur Rosa Luxemburg réalisé par Margarethe von Trotta en 1985 à qui on devait déjà le fameux Honneur perdu de Katharina Blum dix ans plus tôt.

Les films sur les grandes figures du mouvement ouvrier sont rares et quand ils existent, vieillissent souvent mal. Ici, aucun problème de ce genre. Il s'agit de raconter le cheminement de Rosa Luxemburg, figure plurielle dans une période qui devait déboucher sur un avenir radieux et qui se termine d'une manière extrêmement brutale.

Une femme, polonaise, socialiste, révolutionnaire, juive et éduquée, cela faisait beaucoup pour le régime du Tsar dans la Pologne occupée. Allemande par adoption si on peut dire - elle contracta un mariage blanc pour l'occasion au grand dam des prédécesseurs de notre Hortefeux national - elle ne put être mère aussi, s'acharna t-elle à accoucher de la révolution. C'est en substance ce que tenta de lui faire passer son amour de toujours Leo Jogiches avec qui elle a fondé le Parti social-démocrate du royaume de Pologne.

Dans le film, on perçoit la dimension particulière de la social-démocratie de ce début de siècle. La scène où on fait connaissance avec Bebel, Kautsky, Bernstein et Zetkin, c'est à l'occasion d'un bal. Par manque de moyens ou par parti pris, rien dans le film ne permet de saisir le rôle historique de ces hautes figures. Elles apparaissent plutôt comme des notables bourgeois qui s'accommodent des situations politiques les plus tragiques. En effet, alors que le régime militarisme de Guillaume II conduit l'Europe à la guerre, il se trouvera beaucoup de députés du SPD pour voter la guerre. A l'autre bout du cycle, Ebert et Noske sont au pouvoir à la chute du régime. Le premier gouverne et c'est sur ordre du second que les chefs du mouvement spartakiste sont liquidés.

Le radicalisme d'une passionaria qui veut aller plus loin que les dirigeants modérés d'un parti qui se bureaucratise ? Probablement qu'en réalité Luxemburg et ses contradicteurs du SPD étaient confrontés au même problème : comment réussir l'émancipation du mouvement ouvrier sans se tromper alors même que la république démocratique qui était le meilleur des régimes pour y parvenir imposait des compromis voir le risque de la défaite momentanée du fait de la règle des élections...

Un bon récit, sobre et intéressant. Même s'il s'adresse à un public averti car on n'y apprend rien. En revanche l'évocation du SPD et de la situation allemande entre 1899 et 1919 valent le détour.

Un air de Black Caesar

Bien qu'on soit pour la justice et contre les méchants, le crime a toujours payé dans la littérature et dans les films ou les feuilletons télévisés. Il y a un style, une esthétique et parfois même une éthique, un code de l'honneur chez les bandits dont le caractère négatif peut être relativisé quand on constate combien la justice peut être imparfaite ou les flics eux-mêmes, parfois corruptibles...

Qui n'a pas été séduit par la sophistication d'un Don Corleone ou par la gouaille d'un Tony Montana...

Ces deux chefs d'œuvre du genre viennent vite à l'esprit quand on regard l'affiche du dernier Ridley Scott. Même choix d'un noir et blanc stylisé où seul le rouge est mis pour souligner le tragique qui va se jouer.

Rien que l'affiche d'ailleurs donne envie. Ridley Scott qui a réussi aussi bien la science fiction que le film de geurre ou le péplum. Russell Crowe qui touche autant en gladiateur qu'en flic musclé de Los Angeles... Quand à my main man Denzel W, depuis Training Day, on sait qu'il sait aussi y faire, avec le même charisme qu'il avait développé dans Malcolm X ou plus récemment dans Remember the Titans.

American gangster, qui sort ce 14 novembre sur les écrans français, n'est pas sans rappeler certains des films que l'on a fait dans les années 70 du temps de la fameuse  "blaxploitation". Un cinéma calibré pour le public afro-américain, avec des héros noirs qui mènent la vie dure à des méchants blancs.

Goodbye Bafana

Le dernier film de Bille August, Goodbye Bafana, est inspiré des mémoires du gardien de captivité de Nelson Mandela. Si le film n'a pas la force de Cry freedom et si finalement, il demeure assez plat, il porte un regard assez intéressant sur la manière dont la société blanche fut confronté à la réalité de l'apartheid et à l'obligation du changement...
Les héros ne sont pas toujours des êtres exceptionnels ou prédestinés. Il peut s'agir d'hommes et de femmes ordinaires qui, au moment opportun, savent, sans forcément prendre conscience des choses, se montrer à la hauteur de l'Histoire.
James Gregory, le "maton" de Robben Island, sembla condamné à suivre le prisonnier Mandela durant la majorité de la détention du leader du mouvement noir. Il dut choisir entre sa carrière et sa conscience. Un des intérêts d'ailleurs du film c'est en effet comme un blanc, élevé dans la haine du noir, doit se résoudre, finalement à voir en lui un être humain...

Des filles de rêve pour une musique de rêve...

Annoncé depuis longtemps comme un événement - l'évocation de la carrière de Diana Ross, Dreamgirls fait partie avec La Môme, Blood Diamond ou Letters from Iwo Jima des grands films de ce début d'année.

Le film de Bill Condon n'est pas à proprement parler une "biopic". C'est une comédie musicale par certains aspects, c'est moins l'histoire d'une personne en particulier que cette de toute une époque, celle où dans les années 50-60 ont émergé dans les grandes villes de centaines de groupes partis de rien et qui ont fait le bonheur de toute une génération. Par la suite, ils ont peut-être perdu eur âme parfois dans les méandres de la célébrité avant de trouver une forme de rédemption. De ce point de vue, la structure du film est académique, elle suit le cheminement de Ray ou des autres grands films du même genre.

D'où l'intérêt du personnage incarné par Eddie Murphy. C'est à la fois James Brown et Marving Gaye. Il campe bien ces stars du rhythm and blues, bêtes de scènes, roublard et coquins, séducteurs mais sensibles à leur popularité. Certains passant les étapes plus difficilement que d'autres, qui n'y survivent pas toujours...

Quand au trio, d'une classe suprême, si on peut oser ce jeu de mots. Les Dreamettes sont une évocation des Supremes. Curtis Taylor c'est Berry Gordy, jr et Rainbow records c'est... Tamla Motown. Tout se passe, dans le film comme dans le réel à Detroit.

Sans raconter toute l'Histoire, la vraie, les similitudes sont là. Gordy a fondé Motown - Mo'town pour motortown est le surnom de Detroit dans le Michigan. Cette ville industrielle abritait les usines General motors et notamment Ford. Les Noirs montés du Sud pour fuir la ségrégation et pour trouver du boulot émigrent souvent vers les grandes métropoles du nord comme Chicago ou Detroit. Là, en marge des chaînes de montage, les églises, les salons de coiffure ou les coins de rue sont les lieux où les jeunes apprennent à chanter. Souvent au sein de formations vocales à trois ou à quatre avec des noms qui font rêver.

L'enjeu pour Berry Gordy était de créer une maison de disques pour des Noirs et tenue par des Noirs. Motown ce n'est pas Atlantic, un grand label blanc qui produit de grands noms grâce au flair de Jerry Wexler et Ahmet Ertegun, récemment disparu. Ni Stax, une maison de disque mixte, mais qui est très enracinée dans l'identité noire du sud. La Motown va vouloir rester longue "the music of young America" et être confrontée au racisme dans le métier. Les fameuses "covers" où des Blancs reprennent des tubes pour qu'ils se vendent mieux et surtout, les pochettes retravaillées pour qu'aucune "face d'aubergine" n'apparaisse... La pop doit beaucoup au pillage systématique du rhythm and blues. Quelques artistes ont assumé cependant leur admiration pour cette musique et c'est tant mieux.

Gordy voulait tout contrôler. Production composition, interprétation. Seuls Smokey Robinson et Stevie Wonder purent être leurs propres auteurs. Il faut attendre la fin des années 60 pour que, cédant à la mode psychédélique (le génial Norman Whitfield et son travail avec les Temptations) le son bouge. L'étau se déserre à partir des années 70. Marvin Gaye et à nouveau Stevie Wonder en furent les plus beaux fleurons...

Quand Motown bouge vers Hollywood, c'est la fin d'un époque. On s'essaie au cinéma, mais la mission est finie. Motown fut pionnère dans les années 60, elle ne pouvait plus innover, mais demeurer une référence. Dreamgirls et avant lui le documentaire sur les Funk brothers, les musiciens maisons sont d'excellents hommages.

James Blond

Le dernier James Bond est sur les écrans français depuis quelques jours. C'est une autre époque. Il faut avoir qu'on se laisse séduire par l'agent 007. Avec le dernier opus on est passé à autre chose. Il n'y a pas que les diamants qui soient éternels avec le personnage imaginé il y a plus de quarante ans par Ian Fleming. Je suis un grand fan. L'espionnage, la frime, la séduction, le kitsch... Rien de mal à rêver et à faire croire à une vie facile ! Après tout, c'est aussi ça la politique : se battre contre les méchants pour une vie meilleure. Mais évidemment, au cours d'une mission (une élection par exemple), on a peu d'opportunité d'aller passer la nuit entre les cuisses d'une belle espionne de l'UMP ! Si si, il y en a !

Dans Casino Royale, on réinvente tout pour coller au siècle nouveau, car James Bond n'est pas OSS 117. Il ne s'agit pas de recréer l'univers si particulier des films des années 60, mais d'en perpétuer l'atmosphère de sorte qu'elle reflète "l'ère du temps" (comme dit imprudemment Mauroy pour expliquer son soutien improbable à Royal).

On évolue donc. Q est mort depuis quelques épisodes déjà donc, plus de gadgets. L'improbable liaison sans fin, jamais abouie avec Moneypenny a disparu avec la secrétaire qui a du faire les frais de la DRH du Mi6 - et pourtant, elle devait être adhérente du Labour.

Judi Dench en M depuis la période Brosnan était une vraie trouvaille. Là, on la découvre une fois de plus, humaine. A croire qu'on avait anticipé cette humanisation froide des personnages. Il est vrai que depuis Roger Moore, le surhomme 007 a fait du surplace.

Quant à Craig, il fait penser, avec son regard d'acier au Yul Brynner de Mondwest. Un robot. Mais justement, comme Lazenby, on ne vit pas que deux fois... Il serait parfait pour incarner un jour prochain un général ou un empereur romain. Si un jour un esprit éclairé réussissait le tour de force d'adapter Murena à l'écran...

L'intrigue est beaucoup plus complexe que les opus précédents. On est tellement dans une autre époque que même M ne s'y fait pas. Pire, elle regrette la guerre froide.

Enfin, pour le cocorico, on est heureux de voir autant de Français dans ce film ! Vivement le prochain...

Mort d'un grand homme

Robert Altman est mort hier. Comme pas mal de monde, j'ai vu ses grands films : M.A.S.H., Short cuts, Kansas city ou Prêt à porter. Mon favori rest Cookies' fortune. Glenn Close, Charles S. Dutton y sont excellent et puis c'est l'une des dernières apparitions de Rufus Thomas. Il y a aussi bien sûr, the Player.

Short Cuts a été un des meilleurs films des années 90. Une carte postale toute en nuance des Etats-Unis avec une palette d'acteurs plus brillants les uns que les autres. Le cinéma de Robert Altman reste un cinéma actuel, acide et irrévérencieux sans emphase. Il n'avait pas la prétention d'un Oliver Stone, mais il avait le génie d'un Kubrick tout en faisant un cinéma accessible. Bref, un pédagogue du grand écran. Il nous manquera.

Mon colonel

Le dernier Costa-Gavras a peu fait parler de lui, vu l'importance de l'actualité. Surtout, on se passionne plus ces jours-ci pour Borat dont les coups de griffe au "politiquement correct" font plaisir, comme si la seule transgression constituait un acte exceptionnel.

Le film, produit par le metteur en scène de l'Aveu touche donc, une fois de plus à un passé qui ne passe pas. Après l'assassinat d'un ancien colonel qui a servi en Algérie, une jeune femme, qui enquête sur le meurtre, reçoit un journal, celui d'un sous lieutenant qui a servi à Saint-Arnaud, sous les ordres du colonel. Là, il y a perdu ses illusions en devant un rouage du système, malgré lui.

Le sous-lieutenant est un juriste et il va tenter, avec la mise en place des pouvoirs spéciaux en 1957, de rendre légal ce qui est illégal - la torture notamment.

Un film à voir...